Released October "There Is a Light That Never Goes Out" is a song by the English rock band the Smiths, written by guitarist Johnny Marr and lead vocalist Morrissey. Featured on the band's third studio album The Queen Is Dead (1986), it was not released as a single in the United Kingdom until 1992, five years after their split, to promote the compilation album ...Best II.It peaked at No. 25 on the UK Singles Chart and No. 22 on the Irish Singles Chart. The song has received considerable critical acclaim; in 2014, NME listed it as the 12th-greatest song of all time. In 2021, it was ranked at No. 226 on Rolling Stone's "Top 500 Greatest Songs of All Time" In 2005, Morrissey released a live version of the song as a double A-side with his cover of Patti Smith's "Redondo Beach", reaching No. 11 on the UK Singles Chart. In Ireland, the song was released alone and peaked at No. 45.The Smiths began working on "There Is a Light That Never Goes Out" during their late-1985 recording sessions at London's RAK Studios. In early September, the band recorded a rehearsal tape of the song performed in the key of F♯ minor. Four days later, the group made a monitor mix in the key of C♯ minor, this time accompanied by a synthesised string arrangement Marr created on an E-mu Emulator (credited to the "Hated Salford Ensemble" on the album release). While Morrissey was sceptical about using synthesised strings, the lack of a budget to hire a real string ensemble as well as the band's reluctance to allow outsiders into the recording process changed his mind.
The recording was completed in November at Jacobs Studios in Farnham, Surrey, where Morrissey redid his vocal part twice and Marr added a flute melody. Marr later described the recording process of the song as "magical" and commented, "Someone told me that if you listen with the volume really, really up you can hear me shout 'That was amazing' right at the end."
Выпущена в октябре "There Is a Light That Never Goes Out" - песня английской рок-группы The Smiths, написанная гитаристом Джонни Марром и вокалистом Моррисси. Вошедшая в третий студийный альбом группы The Queen Is Dead (1986 г.), она была выпущена в качестве сингла в Великобритании только в 1992 г., через пять лет после распада группы, для продвижения альбома-компиляции ...Best II. Ее пик пришелся на № 25 в UK Singles Chart и № 22 в Irish Singles Chart. Песня получила значительное признание критиков; в 2014 году NME назвал ее 12-й величайшей песней всех времен. В 2021 г. она заняла 226-е место в рейтинге Rolling Stone "500 величайших песен всех времен". В 2005 г. Моррисси выпустил концертную версию песни в качестве двойного A-сайда с кавером на песню Патти Смит "Redondo Beach", который занял 11-е место в UK Singles Chart. В Ирландии песня была выпущена отдельно и заняла 45-е место. The Smiths начали работать над "There Is a Light That Never Goes Out" во время сессий записи в конце 1985 года в лондонской студии RAK Studios. В начале сентября группа записала репетиционную кассету с песней, исполненной в тональности фа минор. Четыре дня спустя группа сделала мониторный микс в тональности C♯ минор, на этот раз в сопровождении синтезированной струнной аранжировки, созданной Марром на эмуляторе E-mu (на релизе альбома она значилась как "Hated Salford Ensemble"). Хотя Моррисси скептически относился к использованию синтезированных струнных, отсутствие бюджета для найма настоящего струнного ансамбля, а также нежелание группы допускать посторонних к процессу записи изменили его мнение.
Запись была завершена в ноябре в студии Jacobs Studios в Фарнхэме (графство Суррей), где Моррисси дважды переделал свою вокальную партию, а Марр добавил мелодию для флейты. Позже Марр назвал процесс записи песни "волшебным" и сказал: "Кто-то сказал мне, что если слушать с очень большой громкостью, то можно услышать, как я кричу "Это было потрясающе" в самом конце".
>Пол Маккартни сказал, что его именно игра Кэрол >на Pet Sounds вдохновила его партии бас-гитары >на битловском Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band.
Не умаляя заслуг Кэрол Кей, справедливости ради надо сказать, что партии баса в песнях Бич Бойз она не сочиняла, а всего лишь исполняла уже придуманные и записанные Брайаном Уилсоном ноты. Собственно, это обычный стандарт работы студийного музыканта - пришел и отыграл то, что ему сказали отыграть. Другое дело запись "The Beat Goes On", песня не получалась пока Кэрол не предложила свой басовый рифф. Вот здесь, конечно, именно она сделала шаг вперед и песня благодаря басу зазвучала.
The backing music for the song was recorded using the renowned group of Los Angeles session musicians who, in time, came to be known collectively as "The Wrecking Crew." The arrangement is credited to Harold Battiste, but Wrecking Crew bassist Carol Kaye asserts that at the session she devised the distinctive syncopated bass line that is featured on the released recording, replacing the original walking bass line in the prepared arrangement:
Songfacts: "What's an example of one of the songs that you guys really added to and made it into a hit?" Carol Kaye: "Well, "The Beat Goes On" is a biggie. I mean, it was a nothing song, and then the bass line kind of made that. But you'd have to say all of them. There's only a certain song, like "You've Lost That Lovin' Feelin'" that was guaranteed to be a hit because it was a great song. But about 95% of that stuff would not have been a hit without us, that's true." The recording session for the song was held on December 13, 1966 at the Gold Star Studios in Hollywood, Los Angeles with a backing band of 19 musicians from The Wrecking Crew. After a two and a half hour session to record the song, guitarist Barney Kessel is reported to have stood up and proclaimed, "Never have so many played so little for so much."
The song was sung at Sonny Bono's funeral, and the phrase "And the beat goes on" appears on his tombstone.
Музыка для песни была записана с использованием знаменитой группы сессионных музыкантов Лос-Анджелеса, которые со временем стали известны как "The Wrecking Crew". Аранжировка приписывается Харольду Баттисту, но басистка Wrecking Crew Кэрол Кей утверждает, что на сессии она придумала характерную синкопированную бас-линию, которая звучит на записи, заменив оригинальную ходовую бас-линию в подготовленной аранжировке:
Songfacts: "Какой пример одной из песен, которую вы действительно усовершенствовали и превратили в хит?" Кэрол Кей: "Ну, "The Beat Goes On" - это крупный хит. Я имею в виду, это была ничего не значащая песня, а затем бас-линия сделала ее. Но вы должны бы сказать все. Есть только определенная песня, как "You've Lost That Lovin 'Feelin'", которая гарантировала успех, потому что это была отличная песня. Но около 95% того, что мы делали, не стало бы хитом без нас, это правда."
Запись песни проходила 13 декабря 1966 года в студии Gold Star в Голливуде, Лос-Анджелес, с аккомпанирующим оркестром из 19 музыкантов The Wrecking Crew. После двух с половиной часовой сессии для записи песни гитарист Барни Кессел, по сообщениям, встал и провозгласил: "Никогда раньше так мало людей не играло так много за так много денег".
Песня была исполнена на похоронах Сонни Боно, и фраза "And the beat goes on" написана на его надгробном камне.
AP: If you look at things these days, people have their faces blacked out in pictures, either because they don’t want to be seen for some strange proclivity or something that was unsavory about them or it had something to do with a police report. This hidden agenda-- that plays an important role in that front cover. When you look at it, there’s a school marm there, a school boy there, a young woman there and they have these blacked out faces that indicate that there’s something more behind them than you really see. This of course is what we’re always after. https://www.newsounds.org/story/hipgnosis-art-album-cover/
Если посмотреть на вещи сегодняшнего дня, то люди на фотографиях закрывают свои лица, либо потому, что они не хотят быть замеченными за какой-то странной привычкой или из-за чего-то неприятного в их прошлом, либо из-за полицейского отчета. Эта скрытая агенда играет важную роль на обложке альбома. Когда вы смотрите на нее, там есть школьная учительница, школьник, молодая женщина, и у них есть закрытые лица, что указывает на то, что за ними скрывается нечто большее, чем то, что вы на самом деле видите. Конечно же, это то, что мы всегда ищем.
Я помню, как в студию Hipgnosis зашли два худых австралийских парня, и я подумал: «Эти ребята ничего не добьются». Они были забавными маленькими парнями и начали говорить: «Нам нужна обложка альбома». Я собирался отправиться в Лос-Анджелес на следующий день и сказал: «Почему бы мне не снять что-то в Лос-Анджелесе?» А когда я приехал туда, Сторм позвонил мне и сказал: «У меня есть идея. Помнишь те журналы-расследования, такие как National Enquirer, где они закрывали глаза людей, чтобы вы не знали, кто они такие, но на самом деле знали?» Я сказал: «Я нахожусь недалеко от Сансет-Стрип, где есть противные мотели. Почему бы нам не снять что-то там и не нанять множество персонажей?» Я снял фон там, вернулся в Англию, мы наняли группу моделей, нарядили их в разные наряды, поставили их в студии Hipgnosis и создали этот коллаж на всю стену, когда они стоят перед ним. Это абсолютно идеальный пример работы Hipgnosis, где все снимается спереди назад, а не так, как видит глаз. Таким образом, все находится в четком фокусе, но композиция, как если бы они были там на самом деле. Именно это придает ей тот сюрреалистический, почти живописный характер. И снова я не думаю, что эти двое австралийских ребят, Энгус и Малкольм, действительно это поняли, и на самом деле они позже изменили обложку на что-то, что я бы считал немного более вульгарным, более очевидным. Но тем не менее для меня это прошло довольно хорошо. Он продал шесть миллионов альбомов [в США].
During a performance in Milan, Italy, on July 5, 1973, as Led Zeppelin was playing their classic song "Stairway to Heaven," a white dove flew into the venue and landed on Robert Plant's outstretched hand.
Plant, known for his charismatic stage presence and connection with nature, embraced the dove and held it gently, seemingly in awe of the unexpected visitor. The crowd erupted in applause, captivated by the remarkable sight.
«Посредственность одалживает, гений делает своим». Музыкальные критики с ног сбились, отыскивая заимствования в популярной музыке. Led Zepellin обвиняют в экспроприации старых блюзов, Дилана и Леннона - в присвоении народных мелодий, люди, не написавшие за жизнь ни строчки, с жадным вниманием считают - кто что у кого взял.
Мне кажется, этот вопрос несущественен в принципе. Важно не то, чье имя стоит в нотах, а то, как данная музыка действует на людей. Делать вид, что ты написал песню, которую написали до тебя другие, на самом деле, просто неинтересно. Напротив, вдохновляться и цитировать созданное до тебя - необходимое условие любого творчества.
Для рассеивания сомнений проследите за авторством мелодики в европейской музыке Средневековья; впрочем, для иллюстрации подойдет и вся история человеческой культуры. Как говорил Дилан: «Важен не я, а песни. Я только почтальон, приносящий их». А тогда мы брали из мировой традиции все, что нам казалось правильным, и находили этому место в фантазии этого альбома. Герман Гессе когда-то описал великолепное занятие - игру в бисер, в которой вместо фигур используются элементы культуры человечества. И я не могу не отметить, что - с моей точки зрения - на «Радио Африке» мы разыграли весьма симпатичную партию.
Но кто именно ответственен за текст «Ом Хо-Хом, Кукукун ФиФи» - никто уже не помнит. Мне все-таки кажется, что, в основном, Капитан.» Борис Гребенщиков. Аэростат 482. Радио Африка.
Фото Natasha Hull, июль 1983, СПб, Васильевский остров, после вечеринки в честь премьеры альбома «Радио Африка».
40 лет исполняется альбому Аквариума «Радио Африка», работа над им была закончена в конце июля 1983 ☀️
«Радио Африка» - это результат того, что годом раньше мы записали «Табу», которое на меня очень негативно весь год давило, потому что получился альбом очень нервный и тяжелый. А у меня нет ощущения, что чтобы сделать жизнь лучше, нужно записывать очень нервную и тяжелую музыку.
И я весь год не мог расстаться с мыслью, что хорошо бы записать какую-нибудь штуку, которая была бы светлее по ощущению. Потому что когда живу, я не думаю все время о том, что «пустые места» или «кусок жизни» - все вот это. Я хожу и ловлю кайф, как все нормальные люди. А получилось, что на «Табу» я выступаю как невротик в достаточной степени.
И в общем первоначально я «Радио Африку» мыслил как такой альбом радостной музыки. Только потом туда стали затесываться песни без всякого моего на то желания, но они туда влезли, и я ничего с ними уже не мог поделать - они встали на место, и попросить их выйти уже не было никакой возможности - такие как «Рок-н-ролл мертв»...
Собственно, трудно, на мой взгляд, назвать альбом - уходящим от всяких конфликтов - с такими вещами как «Еще один упавший вниз» или «Капитан Африка» или «Искусство быть смирным». Даже четыре эти вещи, если не всматриваться внимательно в остальные, несут в себе драму побольше, чем все «Табу» вместе взятое. По крайней мере «Искусство быть смирным» - это о том, что происходит с человеком, когда он переживает проблему, которая для него слишком велика, однако ему все равно приходится с ней справляться. И то же самое «Рок-н-ролл мертв» и сама «Африка». Все песни там, так или иначе, достаточно жесткие.» Борис Гребенщиков, концерт «БГ рассказывает и показывает», «Хорошая смесь», 1983
Автор гитарного вступления California Dreamin’ Philip Gary "Flip" Sloan Филип Гари Слоун (Слоэн) урожденный Шляйн. Он же автор самой знаменитой песни протеста 60-ых - "Eve of Destruction".
Philip Gary "Flip" Sloan (born Schlein; September 18, 1945 – November 15, 2015), known professionally as P. F. Sloan, was an American singer and songwriter. During the mid-1960s, he wrote, performed, and produced many Billboard Top 20 hits for artists such as Barry McGuire, the Searchers, Jan and Dean, Herman's Hermits, Johnny Rivers, the Grass Roots, the Turtles and the Mamas and the Papas.
Sloan's signature song is "Eve of Destruction," a 1965 U.S. number one for McGuire. Many of his songs were written in collaboration with Steve Barri. Their partnership yielded two US Top Ten hits—Herman's Hermits' "A Must to Avoid" (1965) and Johnny Rivers' "Secret Agent Man" (1966)—and the Turtles' "You Baby" (1966).
Трек, предназначенный для МакГуайра (он был выпущен на одном из его альбомов), теперь стал основой для первого хита The Mamas & The Papas. На нем играли члены знаменитой группы Wrecking Crew, в которую входили барабанщик Хэл Блейн, басист Джо Осборн, пианист Ларри Кнехтал и акустический гитарист П.Ф. Слоэн, который создал и сыграл замечательное гитарное вступление, которое так прекрасно настраивает среднетемповый трек. Техника отслеживания Хоу была типичной для той эпохи и мало менялась, если вообще менялась от сессии к сессии. «В те дни мы сводили трек за 10 минут, — говорит Хоу. «Не было ничего из этого: «Дай мне послушать бочку, а теперь малый барабан». Если вы слушаете инструменты по отдельности, они звучат не так, как если бы они играли все вместе, будь то ударная установка или ритм-секция. Когда у вас есть музыканты в одной комнате вместе без наушников, они склонны балансировать лучше, чем любой инженер».
Стандартной микрофонной установкой Хоу в то время были микрофоны Shure 546 на бочке и хай-хэте, а также на гитарах с конденсаторным микрофоном Sony на малом барабане. Хоу обычно записывал бас и ударные на одну дорожку, затем помещал гитары и клавишные на другую несмежную дорожку (например, дорожки 1 и 3 или 2 и 4), оставляя промежуточные дорожки для вокала и подпрыгивания. Фактический макет трека для этой песни был следующим: трек 1, женский вокал; трек 2, гитары и фортепиано; трек 3, мужской вокал; и трек 4, бас и ударные.
Новый вокал The Mamas & The Papas был наложен поверх оригинального трека, который, к счастью, был в правильной тональности, потому что рекордер Ampex 300 с 4 дорожками (который, по сути, представлял собой электронику из двух 2-дорожечных дек в более высокой башне с новыми головками) не имел особых возможностей VSO. Хоу настроил вокал так, как группа естественно стояла: мужчины и женщины лицом друг к другу, близко друг к другу, каждая группа со своим собственным микрофоном RCA DX-77. «Я взял два микрофона и настроил их на кардиоидную диаграмму направленности так, чтобы мертвые стороны были обращены друг к другу», — объясняет Хоу. «Это дало нам хорошее подавление сигнала и позволило им петь естественно. Песня начинается с того, что парни поют «All the leaves are brown», а девушки отвечают на реплики. Это в значительной степени группа на всем протяжении, за исключением нескольких строк, которые Денни спел соло. Когда пришло время для этого, Джон подошел, чтобы спеть у микрофона девочек».
Первый проход был наложен на один из двух открытых треков. Затем Хоу соединил музыкальные треки вместе на второй деке Ampex 300 и удвоил вокал, стараясь, чтобы вокальные треки были отделены от остальной части записи. Адлер хотел соло, и в аранжировке для Макгуайра была дыра для него на одном из вокальных треков после второго припева. «Лу говорил, что ему не нужно соло на саксофоне, как на любой другой рок-записи, — вспоминает Хоу. «Я знал, что Бад Шанк играет на флейте на джазовой сессии в другой студии, потому что видел его ранее в зале. Поэтому я пошел туда и сказал: «Я могу устроить вам еще один сеанс, когда ваши часы с 8 до 11 [вечера] закончатся». Я подключил Бада к одному из микрофонов DX-77, и он сыграл соло поверх смены аккордов куплета».
Хоу работал над специальной консолью, разработанной владельцем студии Биллом Патнэмом. Он вспоминает, что у него было не более 12 входов, возможно, всего восемь, но все же достаточно для 4-дорожечной записи и намного больше для того, что будет монофоническим первичным миксом. Позже по просьбе Хоу был сделан стереомикс, и Адлер так и не удосужился на него явиться. «У него был радио-микс, который он хотел, в моно-миксе», — говорит Хоу. «В те дни стерео было необязательным».
На самом деле, как это часто бывало в ту эпоху, большая часть сведения была сделана по ходу записи, с реверберацией из концертной камеры Studio 3 и пластиной EMT, записанной на вокальные дорожки, а компрессия обеспечивалась тем, что Хоу помнит как прототип того, что впоследствии станет компрессором/лимитером 1176. «Это был просто металлический циферблат без цифр или чего-либо еще», — говорит он. Хоу разделил мужчин и женщин на правую и левую соответственно в стереомиксе, точно так же, как они стояли в студии. Он также не использовал особенно легкие прикосновения к реверберации на каждом проходе, добавляя немного больше в финальном миксе. «Реверберация была частью всего звучания 60-х, — комментирует он. «Все часто использовали его во [всех вокальных группах]: Jan & Dean, Beach Boys и так далее. Возможно, это звучало так же, но вы должны понимать, что тогда все делали одинаковые записи. Мы использовали те же студии, тех же музыкантов, то же оборудование. Единственное, что изменилось, так это артисты. Вот в чем была разница».
Подобно пилотам, летящим на инструментах, инженеры должны были полагаться на свои суждения при применении реверберации, потому что, как указывает Хоу, не было возможности отдельно отслеживать возврат реверберации на сверхпростом сигнальном тракте универсальной консоли. «Это были очень простые прямолинейные модули: эхо-посыл, фейдер и переключатель микрофон/линия», — объясняет он. «То, как вы контролировали это, заключалось в том, чтобы послушайте реверберацию, записанную на треке с вокалом. Вы принимали такие обязательства и решения на протяжении всего процесса записи. Но преимущество было в том, что когда вы накладывали реверберацию на каждый вокальный пассаж, вы получали этот чудесный искрящийся звук от фазировки в камере. Мы не планировали эти вещи; мы обнаружили их по ходу дела».
Re: Фантастические американки Larkin Poe из Джорджии (для Василя Гафи) Автор:adhДата: 20.05.23 23:38:23
>Ну и в некоторых местах (совсем немного, но есть) >Ребекка чуток "по-народному" поёт, какие-то проскакивают >напрягающие меня нотки условно в духе Пелагеи.
Все хорошо, ударник прекрасно тащит и все ребятишки каждый по-своему выкладывается. Неописуемый драйв, кач и все что душе блюзовой в удовольствие. Публика должна была встать с мест и плакать всем залом от этих звуков :)
Re: - The Wrecking Crew - Автор:adhДата: 20.05.23 23:21:21
Вики - не музыкальный ресурс, дабы им что-то свидетельствовать. В большой и мощной энциклопедии упомянули и уже хорошо. Специальная информация она для узкого круга специалистов по сикстиз и хорошей музыке.
Re: - The Wrecking Crew - Автор:adhДата: 20.05.23 23:19:22
But Howe, who stays in touch with Doherty and Michelle Phillips (whom he affectionately calls “Michie”), remembers The Mamas & The Papas as the brilliant and dedicated musicians they were when they made that first record, even though they were still products of the age. “You name an excess — grass, alcohol, whatever — they did it,” he says. “Lou [Adler] later said to me we should have recorded 200 songs for that first album, because their behavior got worse as they got more famous and successful. But when we made ‘California Dreamin’,’ they were still poor kids. That picture of them in the bathtub on the album cover — that’s how they actually lived. But once the money comes, you know what happens. They used to have a contest to see who could spend the most money in a week. John bought a house. Cass bought a mulberry-colored Aston-Martin. She won that week. But they sounded the way they did because they were a group, the same as the musicians in the studio. They don’t sound like their individual instruments, they sound like a unit. Lou Adler said it best when he said to me, ‘Bones, it’s not a ham sandwich and a cheese sandwich, it’s a ham and cheese sandwich.’ That’s what making a record is all about: how the parts work together.”