Самых интересных походов, много незабываемых впечатлений, радости, удовольствий и крепких ног ( традиционно! 😀) Вот, дарю тебе ещё одну пару нужной обувки - первая наверняка уже истрепалась, при таком- то интенсивном использовании! ))
Пусть нынешний маршрут сложится самым лучшим образом и станет самым любимым! Буду ждать рассказ..💖
Дику Дэйлу сегодня было бы 89. "Я всегда говорил, что обычная публика не знает, что такое "увеличенная терция". И я не знаю, и мне плевать. Я вам даже гамму не сыграю! Ну и что? Зато я могу извлекать звуки из любого существующего инструмента, и это идет от моего сердца."
«Мы больше никогда не будем гастролировать и запишем альбом, в котором будут звуки, которых никто раньше не слышал». И все посмотрели на меня.
Джефф Эмерик о том, как Джон Леннон объявил о новом подходе "Битлз" к записи во время студийной сессии на Abbey Road в 1966 году.
Пять молодых людей
5 июня 1962 года шестнадцатилетний Джефф Эмерик начал работать помощником звукорежиссера в студии EMI на Abbey Road. На следующий день в студии № 2 дебютировали еще четверо молодых людей: Джон, Пол, Джордж и Пит. Бест вскоре покинул «Битлз», но Эмерик остался с группой до самого конца.
С 1966 года Эмерик был главным звукорежиссером на Abbey Road. Его роль заключалась в том, чтобы помочь музыкантам преобразовать свои музыкальные идеи в форму, пригодную для записи. Зачастую это была сложная задача, так как никто из "Битлз" не умел читать ноты, и только Маккартни умел выражать свои пожелания в традиционных музыкальных терминах. Леннон часто специально этого не делал («пусть это звучит как апельсин, Джордж!»).
Re: - Кем был Джефф Эмерик ? - Автор:Юрий ОсташковДата: 04.05.26 08:26:35
It was in his absence that The Beatles were forced into a fuller appreciation of Emerick’s technical expertise. In 1969, Magic Alex’s new Apple Recording studio at Saville Row was discovered to have a fatal flaw – it didn’t work. This left The Beatles with one album, "Let it Be", in no fit state to be released and the material for another they could not record.
To save the day, Paul McCartney personally invited Geoff Emerick and George Martin to work on Abbey Road. For once the other Beatles raised no objections, leading to the astonishingly calm and productive recording of the album.
In 1973 McCartney again called on Emerick for another rescue mission in even more bizarre circumstances. This time he had taken his new band, Wings, to Lagos, Nigeria to record their new album. Unfortunately two key band members bailed before they reached Heathrow Airport and the EMI Lagos recording studio was hopelessly rudimentary. A first night mugging did little to lift the mood.
Luckily, McCartney had made one inspired decision in an otherwise bonkers plan. Suspecting that there might be some technical glitches, he had included Geoff Emerick in the visiting party. The engineer set to work and somehow managed to convert the antiquated studio into one capable of recording one of the albums of the decade, "Band on the Run".
When The Beatles were dealing "the suits" there was initially a concealed deference. This was true with Brian Epstein and much more so with George Martin — who they mistakenly assumed came from an upper class family. With other staff at Abbey Road, the reverse was true.
Geoff Emerick came from a similar social background to themselves but was a few years younger. Though greatly admired for his technical abilities, Emerick was always aware that he ranked low in the hierarchy of Beatle World.
After Brian Epstein died in August 1967 recording sessions became increasingly tense. Paul became frustrated with a lack of application from the others, while they resented his bossiness. Resentment manifested itself in endless bickering between the musicians.
For Emerick, the low point came during the recording of "Revolution". It was the first time that Yoko Ono had sat in on a session and Lennon was being particularly obnoxious. On the advice of his fabulously incompetent technical advisor Magic Alex, he insisted on playing his guitar at "ear-splitting" volume. Emerick politely pointed out that the resulting distortion was "leaking" but Lennon grandly insisted that it was a sound engineer’s job to resolve this.
Remarkably, Emerick did come up with an acoustic solution but his own internal red light was flashing. There was a limit to the amount of appalling behaviour he could tolerate.
The final straw was came on 16 July, 1968 during a recording session for "Cry Baby Cry":
I lost interest in the White Album because they were really arguing amongst themselves and swearing at each other. The expletives were really flying. …just before I left when they were doing "Ob-La-Di, Ob-La-Da" for the umpteenth time. Paul was re-recording the vocal again and George Martin made some remark about how he should be lilting onto the half-beat or whatever and Paul, in no refined way, said something to the effect of "Well you come down and sing it". I said to George "Look, I’ve had enough. I want to leave. I don’t want to know any more." George said "Well, leave at the end of the week" — I think it was a Monday or Tuesday — but I said "No, I want to leave now, this very minute", and that was it.
Re: Tomcat, с Днём рождения тебя! Автор:audiДата: 04.05.26 07:58:58
In the early years George Martin used his expertise and experience to find the best forms to express The Beatles musical ideas. Increasingly, however, the band was testing the limits of what had been previously tried in a studio. As McCartney has said, Emerick rose to the challenge
He grew to understand what we liked to hear and developed all sorts of techniques to achieve this. He would use a special microphone for the bass drum and played it strategically to achieve the sound that we asked him for. We spent many exciting hours in the studio and he never failed to come up with the goods.
These “goods” included astonishing technical innovations. An early example was in response to John Lennon’s baffling request to transform his vocal into sound of “thousands of Tibetan monks chanting on a mountain top”.
George Martin suggested using tape loops run backwards, a technique that had been experimented with in avant garde classical composition. Emerick set to work and a pioneering sonic masterpiece ‘Tomorrow Never Knows” emerged from a sea of magnetic tape.
Later technical marvels included the miraculous fusing of the two sections of "Strawberry Fields" and the extraordinary final chord of "A Day in the Life". Emerick would later claim with some justification that “The night we put the orchestra on it, the whole world went from black and white to colour,”
Such experiments eventually lead to a Grammy Award for Emerick but they caused many raised eyebrows in the still very patrician world of EMI. Emerick bent the rules to breaking point “to get some of the things on "Revolver" I had to abuse the equipment, and got into trouble sometimes with the management”.
Re: - Кем был Джефф Эмерик ? - Автор:Юрий ОсташковДата: 04.05.26 07:49:59
"We’re never going to tour again and we’re going to make an album that’s going to have sounds on it that no one’s ever heard before". And everyone looked at me.
Geoff Emerick on how John Lennon announced The Beatles new approach to recording in a session at Abbey Road in 1966.
Five Young Men
On the 5th of June, 1962 a sixteen-year Geoff Emerick started work as an Assistant Recording Engineer at Abbey Road. The following day four more young men made their debuts at Studio 2: John, Paul, George and Pete. Best would exit the Beatles story soon after but Emerick would be there at the end.
From 1966 Emerick was the chief sound engineer at Abbey Road. His role was to enable the musician to convert their musical ideas into a form that could be recorded. This was often a daunting task as none of The Beatles could read music and only McCartney was adept at expressing what he wanted in conventional musical terms. Lennon often made a point of not doing so (“make it sound like an orange, George!”)
Re: - Кем был Джефф Эмерик ? - Автор:Юрий ОсташковДата: 04.05.26 07:47:16
* Brian Epstein, Geoff Emerick and George Martin in the Abbey Road control room, preparing for the Our World live-TV broadcast of "All You Need Is Love" on June 25, 1967.
* Брайан Эпстайн, Джефф Эмерик и Джордж Мартин в студии Abbey Road, готовящиеся к прямой телетрансляции песни «All You Need Is Love» в рамках программы «Our World» 25 июня 1967 года.
Re: Mikle, с днем рождения! Автор:МечтательДата: 04.05.26 07:34:48
Альбом «McGough & МcGear», выпущенный в мае 1968 года на лейбле Parlophone (номер по каталогу РМС 7047 / РСS 7047), — это уникальный проект, объединивший музыку, поэзию и психоделический поп.
Дуэт состоял из Роджера Макгофа (поэта) и Майка Макгира (сценический псевдоним Майка Маккартни, младшего брата Пола Маккартни). Оба были участниками комедийно-музыкальной группы The Scaffold.
Пол Маккартни не только спродюсировал альбом, но и активно участвовал в записи. Считается, что именно этот проект помог ему отвлечься во время напряженного периода в "Битлз".
В записи принимали участие многие друзья и коллеги по сцене того времени, включая Джими Хендрикса, Грэма Нэша, Джона Мэйолла, Спенсера Дэвиса и др.
Альбом представляет собой смесь сюрреалистической поэзии Макгофа и мелодичного поп-рока Макгира с заметным влиянием психоделии конца 60-х.
Re: Старые выпуски журнала "Ровесник" Автор:Юрий ОсташковДата: 04.05.26 05:59:41
"McGough & McGear" — это название единственного совместного альбома выпущенного 17 мая 1968 года ливерпульским поэтом Роджером Макгофом и музыкантом Майком Макгиром (настоящее имя Майк Маккартни, младший брат Пола Маккартни). Оба они на тот момент были участниками комедийно-музыкального трио "The Scaffold".
Альбом представляет собой уникальное сочетание британской психоделии 60-х годов, юмористических зарисовок и поэзии.
Продюсеры: Пол Маккартни (указан не везде), Майк Макгир и Пол Сэмвелл-Смит.
Альбом знаменит тем, что в его записи (часто без указания в титрах на оригинальном издании) принимали участие многие легендарные музыканты того времени: Пол Маккартни: продюсирование, вокал, клавишные, Джими Хендрикс: гитара в треках «So Much» и «ExArt Student», Грэм Нэш: бэк- вокал, Джон Мейолл: губная гармоника, Спенсер Дэвис и Дэйв Мейсон (Trafic).
Альбом включает 13 основных треков, сочетающих песни и декламацию стихов и рассказа.
Re: The Carpenters Автор:Юрий ОсташковДата: 04.05.26 05:39:25
Hiromi Zelda Perdiz — молодая филиппинская певица и пианистка из Кесон-Сити, получившая известность благодаря кавер-версиям популярных песен на YouTube и Facebook. Она известна своим душевным исполнением, сочетающим вокал и фортепиано, и имеет значительную аудиторию подписчиков. Посмотрите, как эта девчушка исполняет знаменитый хит дуэта "Карпентерс".
Re: • Billy J. Kramer • Автор:Юрий ОсташковДата: 04.05.26 05:27:33
"Respect" — песня американского соул-певца и автора песен Отиса Реддинга, первоначально записанная и выпущенная им самим в 1965 году в качестве сингла с его третьего альбома Otis Blue/Otis Redding Sings Soul. После того как песня Реддинга стала кроссовер-хитом, в 1967 году Арета Франклин («Королева соула») переаранжировала, перефразировала и исполнила кавер-версию, которая стала её прорывным хитом и её визитной карточкой.
Музыка в двух версиях значительно отличается, а несколько изменений в тексте привели к появлению разных нарративов вокруг темы человеческого достоинства, которые интерпретировались как комментарии к гендерным ролям, отношениям и «уважению».
Интерпретация Франклин стала феминистским гимном для движения второй волны феминизма в 1970-х годах. Она часто считается одной из лучших R&B-песен своей эпохи, принесла Франклин две премии «Грэмми» в 1968 году в номинациях «Лучшая R&B-запись» и «Лучшее женское вокальное R&B-исполнение», а в 1987 году была включена в Зал славы «Грэмми». В 2002 году Библиотека Конгресса США почтила версию Франклин, добавив её в Национальный реестр аудиозаписей. Песня заняла пятое место в версии списка журнала Rolling Stone «500 величайших песен всех времен» 2004 года, первое место в версии списка 2021 года и четвертое место в списке «100 лучших протестных песен всех времен». Она также была включена в список «Песен столетия» Американской ассоциации звукозаписывающих компаний и Национального фонда искусств.
Оригинал Отиса Реддинга
Создание и запись
Первоначально бывшая балладой, песня "Respect" была принесена Реддингу Эрлом «Спидо» Симсом, который намеревался записать её со своей группой The Singing Demons. Существуют разные мнения о том, кто написал оригинальную версию песни. Реддинг переписал текст и ускорил темп. Продюсером сессии выступил Стив Кроппер.
Анализ
По словам биографа Реддинга Джонатана Гулда, «текст песни "Respect" рисует откровенно неромантичную картину домашних отношений». Эта динамика отношений подчеркивается музыкой. В анализе Гулда есть «кажущаяся скромность ожиданий песни: то, как она берет слово, которое обычно относится к личной самооценке, и сужает его до эвфемизма для сексуального вознаграждения». Однако в коде после последнего куплета Отис превращает песню в мольбу о простом человеческом достоинстве.
По словам биографа Франклин Мэтта Добкина, «версия Реддинга характерно фанковая». Согласно NPR, версия Реддинга «укрепляла традиционную семейную структуру того времени: мужчина работает весь день, приносит деньги домой жене и требует от нее уважения в ответ».
Релиз
Песня вошла в третий студийный альбом Реддинга Otis Blue (1965). Достигнув пятого места в чарте Billboard Black Singles, она также пересеклась с поп-радио, достигнув там 35-го места.
Re: Какую музыку слушаем? Автор:bimoДата: 03.05.26 23:58:37
>Jack Douglas путается, и говорит, что это был >Fender, в другой раз уверяет, что Rickenbacker. >Earl Slick утверждает, что Rickenbacker.
Как-то об этом упоминал тут, кажется, в экспертной оценке скрипок, когда и музыкант и эксперты видят, что скрипка Страдивари, она оказывается лучше современной карбоновой по звуку. В честном двойном слепом эксперименте, когда никто не знает какой инструмент случайно выдало, сам музыкант ничего не видит, и эксперты тоже, и только уже после оценки становится ясно, какой именно инструмент был - лучше современная карбоновая.
В смысле, вряд ли тогдашний фендер сильно хуже исходного. Просто тогда все ждали от конторы, что она начнёт делать суперстраты, какого-то прорыву, а ничего особо нового не было. Что, естественно, накладывает на оценку свой отпечаток.
И вполне возможно, что там фендер и был, но магазинный фендер это никакой символики, а оригинальный рикен, тот самый - символичен. Больший артист это понимает лучше, вот у него никаких сомнений в том, что это был рикен, и нет. "Замыкая круг" и теде. Тогда как продюсер одновременно и художник, и "такой-то звук делается так-то", вот и мечется между красивыми и умными.
>Да нет же.
Просто Вы почему-то исключаете такой вариант, что по приколу это часть проекта. Тогда как на мой взгляд в шоубизе именно это норма.
>Потому, что это часть имиджа, а имидж часть проекта. Мы же согласились, что появление рикена что-то значит. >Точно так же значили и санки
Да нет же. Rick Джон купил, потому что тогда выбора особого не было, а Sardonyx конкретно по приколу - он сам об этом говорил (вернее, его ему тоже подарили). Позже Джон выбрал более подходящую гитару для работы. Во время своей последней сессии 8 декабря 1980, при записи Walking on Thin Ice, гитарное соло в песне играл Леннон, и играл он его то ли на этом самом Fender The Strat, то ли на своём первом Rickenbacker-325 Capri. Jack Douglas путается, и говорит, что это был Fender, в другой раз уверяет, что Rickenbacker. Earl Slick утверждает, что Rickenbacker. Так или нет, точно никто уже сказать не может (по работе качалки специалисты сходятся на Rick), но в любом случае, это не Sardonyx - этой гитары в тот день в студии не было, как и во время основных сессий Double Fantasy.
>Sardonyx закончился вместе с сессиями с Cheap Trick.
Потому, что это часть имиджа, а имидж часть проекта. Мы же согласились, что появление рикена что-то значит. Точно так же значили и санки. А магазинный фендер ничего особо не значит - точнее, значит сравнительную с понтовыми мужичками беспонтовость, типа "пионер" - просто удобно играть, и в частности песни писать.
На всякий случай предупрежу, что какие-то дни могут быть перебои. Задача вторая по приоритету, есть более важная, плюс текучка, плюс когда в начале мая больше +20, и без дождя, весь день сидеть в четырёх стенах и корпеть это мало понимать жизнь.
Re: The Rolling Stones Family: Brian Jones' Lonely Hearts Club Автор:RolloverДата: 03.05.26 23:31:35
[1] Боб Палмер — музыкальный критик, работавший в журнале Rolling Stone. Он публиковал статьи, посвящённые различным музыкальным темам, включая анализ альбомов, рецензирование и обсуждение тенденций в музыке.
[2] Феррелл «Фэроу» Сандерс (англ. Farrell «Pharoah» Sanders) — американский джазовый музыкант, саксофонист, флейтист, бэнд-лидер. Один из самых энергичных представителей раннего фри-джаза.
[3] Не совсем так: отмененная 7-дюймовая версия «Fortune Teller» была впервые выпущена в январе 1964 года на сборнике "Saturday Club". На концертном альбоме'Got Live If You Want It!' (дата выхода - 10 декабря 1966 года) - этот же вариант, но с наложением шума публики. Версия №2 (без повтора последнего куплета и без гармошки) вышла на CD "More Hot Rocks".
[4] «Джонс играл на слайд‑гитаре превосходно ещё с 1964 года» - Брайан овладел техникой слайда уже осенью 1961 года.
[5] Фортепиано как блюзовый инструмент ведет свою историю с конца 19 - начала 20 века. Тогда блюзовые музыканты, в том числе пианисты, играли в кабаках, известных как "barrelhouses", в которых проводили свой досуг негры, работавшие на лесозаготовках и строительстве железных дорог. Это были заведения, отличавшиеся беспорядками и грубыми нравами. Чтобы удовлетворять их буйной атмосфере и быть слышимыми в толпе посетителей, пианисты вырабатывали агрессивную, ритмичную манеру игры, что привело к возникновению фортепианного стиля буги-вуги. Не случайно стиль первых прославившихся исполнителей блюза на фортепиано, а также буги-вуги еще именуют термином "barrelhouse". И, да - партию фортепиано в «We Love You» исполнил Ники Хопкинс.
[6] Речь идёт о "битловской" «I Wanna Be Your Man».
[7] 10 июня 1964 года, студия "Чесс" - инструментал "Stewed And Keefed" (Nanker Phelge). 11 июня 1964 года, студия "Чесс" - "Down In The Bottom" (Willie Dixon), "Hi-Heel Sneakers" (Robert Higginbotham), "Reelin' And Rockin'" (Chuck Berry), "Tell Me Baby" (William Broonzy). Все эти вещи выходили на многочисленных бутлегах "Роллинг Стоунз".
>Не купленный, а подаренный Fender. Гитара не >ахти какая, очень средняя, хотя и вся в позолоте.
Ну, возможно, но дома он играет на ней, вместо как рельсу в ног упирать.
>Это не понты, это его образ жизни.
Ну да, для публичного человека понты, или, напротив, подчёркнутая беспонтовость, майка-алкоголичка и треники с пузырями на концертах и теде - часть работы.
