Композиция «Sirius» группы The Alan Parsons Project прозвучала во время выхода команд перед первым матчем чемпионата мира по футболу 2026 года.

Трек использовали перед игрой Мексики и ЮАР, которая открыла турнир 11 июня на стадионе в Мехико. Хозяева выиграли со счётом 2:0.

«Sirius» вышла в 1982 году на альбоме «Eye In The Sky» и изначально служила инструментальным вступлением к заглавной песне. Позже композиция стала одной из самых узнаваемых спортивных тем: прежде всего благодаря Chicago Bulls, которые использовали её для представления команды в эпоху Майкла Джордана.

Пол Маккартни почтил память британского художника Дэвида Хокни, умершего 11 июня в возрасте 88 лет.

В своих соцсетях Маккартни написал, что знал Хокни с 1960-х годов и сохранял с ним дружбу до последних дней художника.

«Он был очень умным, остроумным, с ним было весело. Его картины часто излучали ощущение большой радости», — написал сэр Пол.

Музыкант вспомнил, как они с Нэнси Шевелл бывали в студиях Хокни в Калифорнии и Лондоне. По словам Маккартни, помещения были заполнены работами художника, в том числе самыми свежими. Хокни рассказывал о них и делился своими взглядами на искусство.

Сэр Пол отметил, что Дэвид считал особенно важным «правильно видеть». Он не был большим поклонником линейной перспективы и постоянно искал новые способы смотреть на мир. Маккартни также напомнил, что Хокни свободно работал в разных медиа — от живописи и рисунка до фильмов и iPad-графики.

Отдельно сэр Пол вспомнил поездку к Дэвиду в Бридлингтон, Йоркшир. Художник встретил их на станции и отвёз домой в машине, полной сигаретного дыма. По словам Маккартни, Хокни был заядлым курильщиком и считал, что человек имеет право курить — как во времена, когда они оба росли в прокуренных комнатах.

«Нам будет не хватать его потрясающей личности, его сухого остроумия и его глубоких взглядов на то, как смотреть на мир. Покойся с миром, Дэвид. Мы любим тебя», — написал Маккартни.

Дэвид Хокни был одной из ключевых фигур британского и мирового искусства второй половины XX и начала XXI века. Он прославился в 1960-е, а среди его самых известных работ — калифорнийские картины с бассейнами, портреты, фотоколлажи и поздние цифровые работы.

В нью-йоркском Гринвич-Виллидж часть West 8th Street получила дополнительное название Jimi Hendrix Way — в честь Джими Хендрикса.

Церемония прошла 10 июня, всего в квартале от Electric Lady Studios. Хендрикс задумал эту студию в 1968 году и открыл её в 1970-м, за несколько недель до своей смерти.

В открытии участвовали Стивен Ван Зандт, сестра музыканта Джени Хендрикс, звукоинженер и продюсер Эдди Крамер, работавший с Джими, а также Вернон Рид из Living Colour, Валери Симпсон, Фелиция Коллинз и представитель городского совета Нью-Йорка Харви Эпстайн.

По словам Джени Хендрикс, семья добивалась такого признания почти с момента смерти музыканта в 1970 году. Когда-то в Electric Lady Studios даже лежала петиция с просьбой назвать улицу в честь Джими, но, как вспоминает Джени, тогда это «ни к чему не привело».

Церемония стала также началом образовательного партнёрства между Experience Hendrix, Electric Lady Studios и программой TeachRock Стивена Ван Зандта. В рамках проекта подготовлен учебный модуль о Хендриксе для школьников средних и старших классов — о его пути от блюза и ритм-н-блюза к революционному влиянию на рок и концертную культуру.

В Москве состоялась премьера первой серии документального сериала «Горбушка. Сердце русского рока». Показ прошёл 11 июня в рамках Beat Film Festival.

Проект посвящён легендарному ДК имени Горбунова — «Горбушке», месту, которое в конце 1980-х и 1990-х стало одной из главных точек притяжения для московской рок-сцены, меломанов и продавцов музыкальных записей.

В центре истории — клуб филофонистов, который в конце 1980-х при дворце культуры организовали Игорь Тонких и Александр Ларин. За несколько лет небольшое объединение коллекционеров пластинок и записей выросло в крупнейший пиратский рынок, а сама «Горбушка» стала важнейшей московской рок-площадкой.

Сериал снял Тимур Фёдоров. Производством занимались онлайн-кинотеатр Okko и продюсерский центр «Мувистарт» — команда, ранее работавшая над документальным фильмом «Михаил Горшенёв. Легенда о Короле и Шуте».

Создатели делают ставку не на сухую хронику, а на личные воспоминания людей, для которых «Горбушка» была частью жизни. Среди героев проекта — Гарик Сукачёв, Сергей Галанин, Дмитрий Гройсман, Армен Григорян, Александр Ф. Скляр, Сергей Воронов, Вадим Степанцов, Евгений Маргулис, Эркин Тузмухамедов и другие музыканты и старожилы «Горбушки».

Эркин Тузмухамедов после показа написал, что создатели собрали «кучу музыкантов», в биографии которых этот зал сыграл важную роль. Он напомнил, что сам был директором групп «Монгол Шуудан» и «Тайм-Аут», а одним из самых ярких концертов тех лет назвал Новый год в «Горбушке».

Всего в проект войдут три серии.

Ди Палмер, аранжировщица, композитор и бывшая клавишница Jethro Tull, умерла в возрасте 88 лет. О её смерти сообщил Иэн Андерсон на официальном сайте группы.

По словам Андерсона, Палмер скончалась дома в Шропшире. В последние годы она болела, но ещё в начале года обсуждала планы записать с оркестром музыку к балету «The Water’s Edge», которую Палмер, Мартин Барр и сам Андерсон написали для Scottish Ballet в 1979 году.

Палмер работала с Jethro Tull с самого раннего периода группы. В 1968 году она написала и дирижировала духовыми партиями для «Move On Alone» с дебютного альбома «This Was». Позже Андерсон попросил её сделать струнную аранжировку для «A Christmas Song», вышедшей на обороте сингла «Love Story».

В последующие годы Ди оставалась для Jethro Tull важным аранжировщиком и дирижёром. Её работу можно услышать на ряде ключевых альбомов группы, включая «Aqualung», «WarChild», «Minstrel In The Gallery» и «Too Old To Rock ’n’ Roll: Too Young To Die!».

Во второй половине 1970-х Палмер вошла в состав Jethro Tull как вторая клавишница: на электронных клавишных она исполняла партии, которые раньше писались для струнных. С группой она участвовала в записи альбомов «Songs From The Wood», «Heavy Horses» и «Stormwatch».

Палмер также занималась аранжировками для Genesis, Pink Floyd, Yes и других групп. В 2018 году вышел её сольный альбом «Through Darkened Glass», в записи которого участвовал Мартин Барр.

Каждый год 7 июля, в свой день рождения, Ринго Старр проводит всемирную акцию Peace & Love — «Мир и Любовь». Традиция появилась в 2008 году: когда у бывшего барабанщика The Beatles спросили, чего он хочет на праздник, Ринго ответил просто — «Больше мира и любви». В 2026 году акция пройдёт уже в десятый раз в России.

В этот день Peace & Love охватывает весь земной шар — Россию, Великобританию, США, Аргентину, Индию, Бразилию, Новую Зеландию, Японию и другие страны. Ровно в полдень по местному времени фанаты снимают видео со своим посланием мира и любви, и ролики тут же появляются на официальной странице Ринго Старра. Так, по его задумке, по планете прокатывается волна добра.

В этом году российские поклонники соберутся в Екатеринбурге — на набережной у памятника The Beatles (ул. М. Горького, 8).

Вход свободный!

Сам Старр уверен: лучшего подарка на день рождения, чем мир и любовь, для него не существует. «Как здорово, что эта идея продолжает расти и распространяться. Спасибо всем, кто её поддерживает», — говорит он.

Дополнительно:

• Встреча ВК

Приглашаем всех битломанов и просто любителей хорошей музыки на Летний Битлзфест! Он пройдёт на летней сцене Культурного центра «Московский» — прямо во внутреннем дворе, под открытым небом.

Запасаемся отличным настроением и отправляемся в музыкальное путешествие в шестидесятые. Сразу три известные казанские группы отыграют большую программу, целиком посвящённую The Beatles. Вас ждут песни не только в авторских аранжировках, но и целый блок композиций, максимально приближенных к оригиналу.

На одной сцене соберутся главные битломаны города:

🎸 МАКС И КО
🎸 THE WITH
🎸 ТИМУР ВАЛЕЕВ И ГРУППА «ЖАНКЛОДВАНГОГ»

Когда и где: Казань, ул. Академика Королёва, 47.

В случае плохой погоды концерт переносится в зрительный зал — фест состоится при любом раскладе.

До встречи под музыку любимых ливерпульцев! 🎶

Играя на площадках меньшего размера и контролируя количество билетов, артисты превращают дефицит в ажиотаж, а спрос на вторичном рынке — в показатель успеха.

В мире инди-рока бруклинская группа Geese, без сомнения, стала главным прорывом прошлого года. После выхода альбома «Getting Killed», высоко оценённого критиками, эти не по годам талантливые зумеры отправились в тур по средним площадкам США — и каждый концерт прошёл с аншлагом.

Успех «Getting Killed» и растущий интерес к фронтмену группы Кэмерону Уинтеру резко подняли спрос на билеты. На вторичном рынке — например, на StubHub и SeatGeek — цены в некоторых городах доходили до $2000. Поскольку туры планируются сильно заранее, такой всплеск перепродаж было трудно предугадать на этапе бронирования залов — так же трудно, как заранее понять, какая группа внезапно выстрелит следующей. Но тот факт, что увидеть вживую самую обсуждаемую американскую группу почти сразу стало непозволительно дорого, сам по себе стал частью истории Geese.

Намеренно повторить такой прорыв в мейнстрим невозможно — вокруг успеха группы уже успели разрастись рассуждения почти конспирологического уровня. Но у музыкальной индустрии всё же есть инструменты, позволяющие выстроить цепочку аншлаговых концертов.

Один из них — underplay. В индустрии этим словом называют ситуацию, когда артисту бронируют площадку меньшей вместимости, чем он, как можно разумно ожидать, способен продать. Исторически underplay использовали в ситуациях, когда артисту было выгоднее сыграть камерный концерт без лишнего шума. Такие выступления могли помочь обойти радиусные ограничения — запрет выступать в определённой зоне вокруг площадки или фестиваля — или дать артисту возможность опробовать новый материал перед небольшой аудиторией.

Но в последнее время underplay стал одним из ключевых инструментов для артистов и их команд. «Когда вы очень низко опускаете потолок вместимости концерта, всё начинает выглядеть немного как ставка на будущее», — говорит Рик Лейхтунг, давний бруклинский промоутер. По его словам, так создаётся ощущение постоянного спроса и роста. Сегодняшний аншлаговый тур — это завтрашний слот на фестивале или попадание в модный фильм либо сериал. А уже потом это может стать основой для платинового альбома или прибыльного стадионного тура.

Пандемия тоже изменила правила бронирования концертов. Когда артисты начали возвращаться на сцену после локдаунов, вся индустрия не понимала, насколько быстро восстановится рынок. В октябре 2022 года заметные инди-артисты Santigold и Animal Collective отменили туры в поддержку своих альбомов, сославшись на выросшие из-за инфляции гастрольные расходы, а также на неопределённость вокруг здоровья самих музыкантов и зрителей.

Другие решили действовать осторожнее: выбирали площадки, которые уже заполняли раньше, даже если потенциально могли бы продать и более крупные залы. Появилась и новая волна молодых музыкантов, многие ещё подростки: они стали известны онлайн во время изоляции, но не имели сценического опыта, который помогает артисту понять, как держать большую площадку. Даже опытным исполнителям нужно было заново набирать форму после перерыва, поэтому осторожность казалась единственно разумной стратегией. По словам Лейхтунга, общая логика индустрии стала такой: «правильная площадка — та, которую можно распродать».

Есть и практические причины стремиться к аншлагам именно в небольших залах. «Когда у группы в соцсетях появляется целая серия аншлаговых концертов, это подталкивает продажи в других городах», — говорит Закари Сепин, агент по бронированию из High Road Touring. Ощущение срочности, конечно, помогает. Как помогает и сама картинка: небольшой забитый зал, горячая публика, съёмка этого момента и распространение видео в соцсетях.

Так было не всегда, говорит Дилан Балди, музыкант из Филадельфии, известный прежде всего как вокалист и гитарист Cloud Nothings. Сейчас ему за 30; когда он начал ездить в туры в позднем подростковом возрасте, всё выглядело иначе. «Мы просто уезжали и играли кучу концертов, — говорит он. — Некоторые проходили с аншлагом, и это было здорово, но никогда не было ощущения: если этот концерт не распродан, тур провален».

Балди принадлежит к поколению инди-музыкантов, для которых индустриальные события вроде South by Southwest в Остине и CMJ Music Marathon в Нью-Йорке работали почти как скаутский просмотр НФЛ для молодых артистов. Те, кто хотел, чтобы их заметили, впихивали в несколько дней и множество площадок абсурдное количество сетов. Негласная ставка была такой: в сумме они сыграют перед достаточным числом представителей лейблов, пиарщиков, агентов, менеджеров, законодателей вкуса и журналистов — и кто-то влиятельный поможет сдвинуть карьеру с места. Сегодня SXSW куда сильнее связан с кино- и технологической индустриями, а CMJ больше не существует.

Вместо централизованных индустриальных смотров, говорит Лейхтунг, новые артисты и их команды часто выбирают несколько ключевых концертов, которые должны показать музыканта в самом выгодном свете — независимо от размера площадки. «Главные концерты в истории артиста обычно проходят в Нью-Йорке или Лос-Анджелесе, и часто — в залах гораздо меньшего размера, чем те, где он играет в остальных городах страны», — говорит Лейхтунг.

То, что такие концерты проходят именно в городах, где живёт значительная часть музыкальной индустрии и прессы, только подчёркивает силу underplay. Вместо того чтобы использовать огромную аудиторию молодых, культурно подкованных жителей этих городов и продать сегодня как можно больше билетов, артисты предпочитают набить зал поменьше правильной публикой — чтобы максимально усилить ажиотаж и повысить шанс на большие возможности завтра.

На каком-то уровне всё это выглядит немного хитро. И дальше становится ещё хитрее. Лейхтунг отмечает, что некоторые площадки, включая Brooklyn Steel в Ист-Уильямсбурге и Union Transfer в Филадельфии, установили выдвижные сцены, позволяющие менять вместимость зала. «Можно превратить зал, где реально продать около 1800 билетов, в пространство на 1200», — говорит Лейхтунг. Площадки могут снижать вместимость ещё сильнее: грамотно развесить занавесы, закрыть доступ на балконы, использовать другие визуальные приёмы, чтобы зал казался меньше, чем он есть. Цель — получить возможность объявить sold out, если продажи перешагнули определённый порог, но интерес остановился.

Однако ставка на заполненный зал, а не на максимальные продажи билетов, может создавать конфликт интересов между артистами и площадками — особенно теми, что принадлежат гигантам вроде Live Nation Entertainment Inc., которые одновременно управляют и билетными платформами. Прошлой осенью генеральный директор Live Nation Майкл Рапино утверждал, что концертные билеты «недооценены» по сравнению со спортивными событиями. Теперь коллегия присяжных в федеральном суде признала, что Live Nation незаконно монополизировала индустрию живых мероприятий, открыв путь к возможному отделению Ticketmaster.

Похожий аргумент можно применить и к самим залам: когда площадка меняет планировку, чтобы снизить вместимость, она искусственно ограничивает не только продажи билетов, но и продажи алкоголя. А когда артист бронирует слишком маленький зал, недополученная стоимость утекает на вторичный рынок, где фанаты сталкиваются с завышенными ценами или вовсе остаются без билетов.

Искусственное создание аншлагов может снижать риск потерять деньги, одновременно помогая артисту и зрителям получить лучший возможный концертный опыт, говорит Сепин из High Road Touring. В качестве примера он приводит серию концертов, которые бронировал для легендарного автора-исполнителя Джонатана Ричмана, бывшего участника The Modern Lovers, в бруклинском Baby’s All Right.

Ричману сейчас за 70, и, вероятно, он мог бы сыграть на площадке куда крупнее, чем этот хипстерский зал на 330 человек. Но Сепин считал, что выбор Baby’s All Right станет заявлением о том, что Ричман по-прежнему актуален для молодой аудитории. «Это делает его очень крутым, — говорит он. — Наверное, не так много людей его возраста играют в Baby’s».

Чтобы Ричман не потерял возможный доход, Сепин забронировал восемь концертов в этом зале. Сначала объявили четыре, затем дождались, пока каждый из них распродастся, и только после этого открыли остальные. «Это не обязательно было задумано именно как underplay, — объясняет он. — Просто не объявляешь все восемь концертов сразу, потому что хочешь убедиться, что спрос действительно есть».

В эпоху, когда легко накрутить просмотры и стримы, когда в комментариях работают армии ИИ-агентов и ботов, а места в плейлистах можно купить, по одним данным всё труднее понять реальную популярность артиста — или даже его потенциал. А вот живой опыт, когда зритель видит артиста на сцене, подделать сложнее. Конечно, условия можно, говоря мягко, оптимизировать. Но вид переполненного зала помогает и исполнителю, и публике провести вечер как можно лучше.

«Это странная система», — говорит Балди из Cloud Nothings. Он смеётся, вспоминая, что недавно ему сказали: его группа делает underplay на площадке, которая «для нас была просто обычным концертом». И добавляет: «В каком-то смысле всё это фальшиво. Но в основе всё равно остаётся простая вещь: люди играют музыку, а другие люди получают от неё удовольствие».

Фильмы Сэма Мендеса о Битлз оказались под давлением после кассового успеха фильма «Майкл» о Майкле Джексоне.

По словам источника, команда проекта Мендеса не ожидала, что «Майкл» так высоко поднимет планку для музыкальных байопиков. Фильм уже собрал в мировом прокате около $900 млн и приблизился к результату «Богемской рапсодии», который считается самым кассовым музыкальным байопиком в истории.

Источник утверждает, что успех «Майкла» заставил создателей битловского проекта уделять больше внимания сценам живых выступлений. При этом для фильмов о Битлз это сложная задача: группа перестала выступать перед публикой ещё на пике славы, в 1966 году.

В 1963 году Маргарет было 13 лет. И, как утверждает автор, она нарушала закон.

К счастью, сама она об этом не знала.

Когда в 1994 году Битлз выпустили альбом «Live at the BBC», загадочная благодарность некой Маргарет Эшворт озадачила поклонников по всему миру.

Это имя принадлежало 13-летней фанатке, чьи любительские домашние записи спасли огромную и важнейшую часть утраченной радиоистории группы.

С помощью отцовского УКВ-приёмника, специально доработанного для записи, она в 1963 году сохранила выступления Битлз для Би-би-си в удивительно чистом качестве.

К счастью, она нажала на запись — и мир смог всё это услышать.

Радио Би-би-си: огромная дыра в архиве Битлз

В 1963 году Би-би-си не сохранила сессии «Pop Go The Beatles». Так в архиве группы образовался огромный пробел.

У Би-би-си тогда не было официальной политики архивного хранения: после выхода программы в эфир плёнки стирали и использовали снова.

Качественные катушечные записи Маргарет стали основой мирового хита и спасли от окончательного исчезновения десятки редких рок-н-ролльных каверов.

Если бы Маргарет Эшворт в 1963 году строго следовала нормам авторского права, эти исторические записи могли быть потеряны навсегда.

Каждая катушка, которую Маргарет записала у себя в комнате, по версии автора, была нарушением. Но именно её увлечённость сохранила «капсулу времени», которую официальные институции удержать не смогли.

Её история напоминает, как важны бывают любительские архивы.

И показывает важную иронию: история, которой мы сегодня дорожим, часто выживает только потому, что какой-то фанат однажды не стал соблюдать правила.

Би-би-си выбросила историю.

Маргарет Эшворт её поймала — хотя, по идее, не должна была.

Лето 1963-го: спальня суперфанатки как студия

Маргарет и её подруга Хелен были большими поклонницами Битлз. Но у двух 13-летних девочек была серьёзная проблема: они хотели снова слушать радиовыступления Битлз начала 1960-х — а такой возможности у них не было.

Отец Маргарет доработал УКВ-приёмник: у аппарата появилось гнездо для прямого подключения к катушечному магнитофону. Это давало запись высокого качества.

Такой способ был несравнимо лучше, чем поставить микрофон у динамика.

Запись шла по прямой линии, без комнатного шума, и звучала почти как сама радиотрансляция.

Премьера «Pop Go The Beatles» в Англии состоялась 4 июня 1963 года.

Специальная радиосерия Би-би-си из 15 выпусков выходила еженедельно в сети BBC Light Programme до сентября 1963-го. В ней звучали живые выступления Битлз и каверы на рок-н-ролльные хиты.

С 17 июня 1963 года Маргарет начала записывать «Pop Go The Beatles» прямо с радио. В итоге на двух катушках у неё оказалось 11 из 15 выпусков.

На этих записях были редкие выступления — в основном рок-н-ролльные каверы, которые Битлз вскоре убрали из репертуара, сосредоточившись на собственных хитах.

Со временем Маргарет остыла к Битлз и уехала из родительского дома.

Её родители 29 лет хранили плёнки на чердаке.

1992 год: возвращение плёнок

В 1992 году Эшворт, к тому времени редактор в Daily Mail, упомянула эти плёнки в разговоре с коллегой, который знал историка Битлз Марка Льюисона.

Коллега рассказал Льюисону о записях Маргарет, и тот ей позвонил.

Льюисон объяснил, что EMI уже работает над альбомом выступлений Битлз для Би-би-си.

Проблема была в качестве. Многие записи звучали так плохо, что альбом всё ещё не могли выпустить.

Маргарет хотела поделиться своими плёнками с EMI. Но сначала их надо было найти: почти 30 лет они пролежали на чердаке у её родителей.

И однажды она их нашла.

Следующая проблема: как их послушать

Когда плёнки нашлись, возник новый вопрос: как они звучат?

Маргарет купила катушечный магнитофон, чтобы проиграть свои записи.

Оказалось, что плёнки звучат так же хорошо, как в день записи.

Льюисон был в восторге: EMI уже десять лет пыталась собрать альбом Би-би-си, но у самой Би-би-си оригинальные плёнки не сохранились.

Маргарет сказала Льюисону, что записи звучат «fab» — то есть просто отлично.

EMI попросила Льюисона прислать описание находки, чтобы отправить его дальше по инстанциям.

Девятого декабря 1992 года Марк Льюисон написал в EMI:

«После выхода книги «The Complete Beatles Chronicle» со мной недавно связалась некая Маргарет Эшворт, которая в 1963–1964 годах регулярно записывала радиовыступления Битлз на Би-би-си.

Поскольку я участвовал в радиосерии Би-би-си «The Beeb’s Lost Beatles Tapes», я считаю, что хорошо знаком с материалами Би-би-си, которыми сейчас располагают Apple/EMI: часть из них отличного качества, часть — нет. Поэтому я с огромной радостью сообщаю, что плёнки Маргарет Эшворт во многих случаях превосходят лучшие копии, доступные сейчас.

Все её записи были сделаны на качественный катушечный магнитофон Philips, напрямую соединённый кабелем с УКВ-приёмником и стационарной антенной. Поэтому они звучат как сама трансляция — отличное моно.

Более того, большинство её записей полностью соответствуют эфирным версиям. То есть каждый из 11 записанных ею выпусков «Pop Go The Beatles» представляет собой полную 29-минутную программу: с объявлениями, приглашённой группой и всеми фрагментами с участием Битлз.

Это значит, если взять лишь один быстрый пример, что на её плёнке с исполнением Битлз «Ooh! My Soul» песня есть полностью, тогда как лучшая запись, доступная до сих пор, лишена первых нескольких секунд».

Испытание на Abbey Road: «Господа, мы услышали достаточно»

Через несколько месяцев после первой находки Маргарет и её мужа пригласили в легендарную студию Abbey Road, чтобы устроить плёнкам главную проверку.

Для оценки инженеры выбрали рок-н-ролльную вещь Литла Ричарда «Ooh! My Soul».

Сначала включили лучшую копию, которая уже была у EMI. Она звучала плоско: её когда-то записали через микрофон, поднесённый к радиоприёмнику.

Потом поставили запись Маргарет. Её версия была кристально чистой.

Руководители, поражённые услышанным, замолчали. Наконец один из инженеров произнёс: «Господа, думаю, мы услышали достаточно».

EMI поняла, что эти «капсулы времени» Маргарет содержат качественный материал, который компания искала десять лет, и выкупила плёнки.

Её записи стали основой альбома «Live at the BBC» 1994 года — мирового феномена, который поднялся на первое место в Великобритании и за первые шесть недель разошёлся тиражом более пяти миллионов экземпляров.

Почему «Live at the BBC» пришлось ждать столько лет

Эти конкретные выступления были записаны в студиях Би-би-си для радиоэфира, а не в студиях EMI на Abbey Road. Поэтому они оказались в юридически серой зоне.

Роль Би-би-си: у корпорации были физические плёнки с сессиями. Но коммерческого контракта на выпуск записей группы у Би-би-си не было, поэтому без разрешения она не могла продавать или распространять этот материал.

Роль EMI: Битлз были связаны эксклюзивным контрактом с EMI Records. Этот контракт не позволял группе официально выпускать записанную музыку через кого-либо ещё, включая Би-би-си.

Права на песни: композиции Джона Леннона и Пола Маккартни принадлежали компании Northern Songs, которую в 1963 году создали издатель Дик Джеймс, Брайан Эпстайн и сами авторы.

Эта сложная система прав и привела к тупику. Поэтому сессии 1963 года десятилетиями широко расходились на бутлегах.

Понадобились годы юридических переговоров между Би-би-си, EMI и компанией Битлз Apple Corps, прежде чем они смогли вместе выпустить официальный альбом «Live at the BBC» в 1994 году.

Маргарет и другие поклонники сохранили ключевые записи и тем самым подтолкнули EMI/Capitol Records к официальным релизам. Но это уже другая история.

Ринго Старр и британская благотворительная организация WaterAid представили лимитированную коллекцию мерча. Проект приурочен ко Всемирному дню океанов, который отмечался 8 июня.

Главная фраза кампании — «Change starts with water»: перемены начинаются с воды.

В основе коллекции — поп-арт-портрет Ринго с его фирменными усами и очками. Дизайн размещён на футболках, худи, сумках и других вещах. Коллекция будет доступна только восемь недель.

Сэр Ринго давно поддерживает WaterAid. В новой кампании он вновь подчеркнул, что доступ к чистой воде должен быть базовым правом для всех.

«Чистая вода — это право человека, и она должна быть у всех и везде», — сказал Старр.

Ранее Ринго уже участвовал в кампаниях WaterAid. В 2022 году он создал открытку для климатической инициативы организации, а в 2024-м представил дизайн «Peace, love and water» для благотворительных футболок и сумок.

Актёр Адам Палли, который играет Аллена Клейна в киноцикле Сэма Мендеса о Битлз, рассказал, что четыре фильма проекта будут заметно отличаться друг от друга.

По его словам, каждая часть будет отражать характер одного из участников группы. Палли отметил, что сами Битлз были «совершенно разными», и фильмы передают этот индивидуальный тон.

«Я постараюсь ответить так, насколько мне позволено, но сказал бы, что они совершенно разные. Битлз по отдельности были совершенно разными, и фильмы в каком-то смысле отражают стиль каждого из них», — сказал Палли.

Актёр добавил, что картины будут хорошо работать вместе, при этом каждая сможет существовать самостоятельно.

Пол Маккартни рассказал о песне «Momma Gets By» с нового альбома «The Boys of Dungeon Lane». По его словам, сначала она была вдохновлена его матерью Мэри, а затем стала песней в целом о женщинах, которым приходилось держать семью на себе.

Маккартни вспомнил, что его мать была главной кормилицей в семье. Отец, Джим Маккартни, работал продавцом хлопка и долго оставался без работы, а Мэри трудилась акушеркой.

«Моя мать была очень сильной. Она была главной кормилицей и как-то справлялась: растила нас и была замечательной мамой», — сказал сэр Пол.

По словам Маккартни, в песне речь идёт не только о Мэри, но и о многих матерях, которые сталкивались с похожими трудностями: «В мире много сильных женщин. Многие из них — мамы. И они просто продолжают делать своё дело».

Пол Маккартни провёл в лондонском Roundhouse вечер, посвящённый новому альбому «The Boys of Dungeon Lane». Беседу провёл актёр и комик Роб Брайдон.

Маккартни и Брайдон разбирали песни трек за треком, обсуждая их происхождение, запись, тексты и работу с продюсером Эндрю Уоттом. В течение вечера сэр Пол несколько раз брал гитару, чтобы показать, как возникали отдельные музыкальные идеи.

Говоря о «As You Lie There», Маккартни рассказал, что иногда начинает песню с незнакомого аккорда и смотрит, куда тот его приведёт. Для «Days We Left Behind» он вернулся к воспоминаниям о Спике, районе Ливерпуля, где выросли он и Джордж Харрисон, и о прогулках по Dungeon Lane.

Маккартни также говорил о ранних годах Битлз. «Как мне повезло встретить парня по имени Джон Леннон, который жил на другом конце города, встретить Джорджа, познакомить их, а потом мы узнали Ринго. Мы знали друг друга с детства — поэтому Битлз так хорошо работали», — сказал он.

Отдельно сэр Пол вспомнил Джорджа Харрисона и историю, которая легла в основу «Down South»: во время поездки автостопом на юг Джордж сидел на аккумуляторе молочного фургона и получил удар током, когда металлическая молния на джинсах соприкоснулась с контактами.

Маккартни рассказал и о записи «We Two» на классический четырёхдорожечный магнитофон Studer. По его словам, песню сделали тем же способом, каким когда-то записывали материал Битлз. Говоря о цифровых технологиях и аналоговой плёнке, он коротко объяснил свою симпатию к старому подходу: «Она теплее».

В разговоре также прозвучала история «Home to Us», первого официального дуэта Маккартни и Ринго Старра.

В финале вечера Маккартни пошутил, что происходящее похоже на концерт, но без необходимости что-либо делать: достаточно включить альбом и потом уйти домой.

В числе зрителей была и Юлия Орлова. Она опубликовала в своих соцсетях фото-отчет о мероприятии.

Новый альбом Пола Маккартни «The Boys of Dungeon Lane» дебютировал на первом месте британского Official Albums Chart.

Таким образом, Маккартни вышел на четырнадцатое место среди сольных артистов по числу альбомов №1 в истории британского чарта. Раньше он делил эту позицию с Барброй Стрейзанд, Клиффом Ричардом и Джорджем Майклом, у которых по семь таких альбомов.

Лидером среди сольных исполнителей остаётся Робби Уильямс: на его счету 16 альбомов №1 без учёта работ с Take That. У Тейлор Свифт 14 таких релизов, у Элвиса Пресли — 13. У Боба Дилана и Эда Ширана сейчас по девять альбомов №1.

Если учитывать записи Битлз, общий результат сэра Пола значительно выше. Битлз возглавляли британский альбомный чарт 15 раз, а с учётом сольных проектов, Wings и работы с Линдой Маккартни речь идёт уже о 22 альбомах №1 в Великобритании.