DEEP PURPLE - Child in time

Toll созвучно tall - высокий! Так что пули могут собирать высоких, выделяющихся из общей толпы!

Решил оживить эту тему - песня то хорошая! К тому же 50 лет ей стукнуло уже.
По этому поводу история рождения и записи этой песни.

Роджер Гловер считает, что «Speed King» был первым треком, который они сочинили, но есть доказательства (включая собственный дневник Роджера), что «Child In Time» появился несколькими днями ранее. Песня быстро стала классическим номером для группы. Длинная композиция, она превратилась в динамичную живую витрину для группы и их певца и, возможно, подводит итог этого периода рок-музыки больше, чем любой другой трек, благодаря немного просторной лирике, нежным инструментальным пассажам, взрывным соло и окончательной кульминации. Довольно прогрессивный проект для начала 70-х, источником вдохновения для которого стала песня «Bombay Calling» американской группы It's A Beautiful Day.

Как подтверждает Роджер Гловер: «Одно из первых, что я сделал, когда присоединился к группе, это отправился в отпуск с Яном Пейсом и Ричи. Мы взяли лодку, поплыли по Темзе и слушали много записей групп, игравших в то время". Одним из альбомов, который они взяли с собой, был альбом It’s A Beautiful Day одноименной американской группы. Юридические вопросы не позволили It's A Beautiful Day выпустить этот альбом до середины 1969 года. Вышедший на Columbia Records в сентябре, альбом возглавил плейлисты радиостанций США.
Джон говорит, что он услышал альбом в Америке и был очарован струнными в песне «Bombay Calling». Ник Симпер вспоминал, что Mk 1 заприметил рифф из «Bombay Calling» еще тогда, когда Deep Purple выступал вместе с It's A Beautiful Day на американских гастролях в конце 1968 года в Fillmore West, где они, вероятно, впервые и услышали эту песню. Затем в апреле 1969 года It's A Beautiful Day снова выступал вместе с Deep Purple еще на нескольких концертах в США. Возможно, они даже передали группе копию своего нового альбома, который должен был выйти в мае 1969 года.
15 июля 1969 года, в перерыве репетиций в Ханвэлле, Ричи поднял тему этого конкретного трека. Роджер: «В перерыве кто-то сказал, помните эту песню «Bombay Calling» группы It's A Beautiful Day? Джон начал играть вступление. Мы все подхватили, чуть замедлив темп, Ян начал петь какие-то слова. Звучало интересно». Семена «Child In Time» были посеяны. Или, как сказал Роджер, в своем дневнике: «Тот самый Бомбей, но зовущий по-нашему».

Сравнивая эти два трека сегодня, очевидно, что последовательность аккордов и около 20 первых секунд мелодии, сыгранной Джоном, безусловно взяты из «Bombay Calling». Оригинальный трек – это инструментальная композиция длительностью 4 минуты 25 секунд, в котором солирует скрипка. Основная мелодия повторяется несколько раз, а в середине есть короткое гитарное соло. Тем не менее несмотря на то, что Deep Purple использовали вступительные аккорды и мелодию (а также некоторое настроение), они развили эту тему и создали свою оригинальную пьесу, которая вызывает огромное чувство, величественное и почти оркестровое напряжение повсюду.
В наши дни, конечно, такой очевидный источник вдохновения вполне мог бы сподвигнуть звукозаписывающую компанию заподозрить авторов в плагиате и проконсультироваться с руководством, но в то время в рок-музыке было очень много креативных идей, заимствованных одной группой у другой, сыгранных целиком или доработанных и переработанных. Преобладало гораздо более экспериментальное и открытое отношение к подобным случаям, и этот способ взаимного обмена идеями не был похож на те заимствования или ссылки на другие произведения, которые обычно используются в классической музыке. Взять хотя бы дебютный альбом Led Zeppelin. Честно говоря он настолько перегружен заимствованными идеями старых мастеров блюза, что позже группа вынуждена была указать настоящих авторов песен. И все же мало кто будет утверждать, что Zeppelin не использовал совершенно новый подход к этому материалу.
К тому же, прежде, чем пренебрежительно относиться к Deep Purple за подобную вольность, стоит отметить, что до сих пор существуют вопросы по поводу действительного авторства «Bombay Calling». Например джазовый саксофонист Винс Уоллес утверждает, что это он сочинил эту мелодию еще в 1962 году и показал ее будущему вокалисту и скрипачу It's A Beautiful Day Дэвиду ЛаФламму.

Дэвид ЛаФламм, в свою очередь, исполнил уже свою версию этой мелодии в составе недолго просуществовавшей экспериментальной группы The Orkustra, которая в 1966/67 годах играла некую смесь симфонической оркестровой музыки с рок-психоделией, но не оставила после себя никаких записей.

Затем ЛаФламм помог сформировать It's A Beautiful Day, которая тоже использовала эту тему, и, в конце концов, он был вынужден указать Винса Уоллеса, как соавтора этой композиции, но к тому моменту «Bombay Calling» уже прочно ассоциировалась с It's A Beautiful Day. Нужно сказать, что на самом деле, It's A Beautiful Day также использовали только первые несколько секунд вступительной мелодии и среднюю часть. В остальном же это была совершенно другая композиция.

В коне концов, когда It's A Beautiful Day с удивлением узнали, что Deep Purple «одолжили» их рифф для своей песни, они не стали поднимать шум вокруг этого, а просто «одолжили» одну из композиций Deep Purple («Wring That Neck»), и использовали ее рифф для своей композиции «Don and Dewey».

Джон вспоминал: «В Mk 2 мы расширили свой горизонт, и мы просто отпустили вожжи и решили, пусть все идет, как идет, потом посмотрим, что из этого получится. Я начал наигрывать тему из «Bombay Calling», но намного медленнее, и Ян Гиллан подхватил. Сначала он пел просто «о-о-о», потом «а-а-а» и потом этот сумасшедший крик. Все это еще до того, как появился текст. Мы играли этот кусок снова и снова по кругу, все громче и громче. Затем уперлись в тупик и стало понятно, что больше идти некуда, и тут… началось болеро. Мне кажется, это был Ян Пейс, который сказал: «Все, с меня хватит… и он сорвался в шафл, и если вы внимательно послушаете, то услышите, как болеро переходит в шафл, такая ритмическая связка. И потом эта замечательная идея – внезапная пауза… и опять: тум-тум-тум…"
Ян Гиллан так описывает свой вклад в развитие песни: «Джон Лорд дурачился (или, как говорится, «экспериментировал на тему») с мелодией из нового альбома It's A Beautiful Day. Я начал петь, и слова пришли сами собой, потому что «холодная война» была в самом разгаре, все говорили о ядерной угрозе, которая нависла над миром. Потом, через «Радио Свободная Европа» эта песня и многие другие попали за «железный занавес», и, как я узнал много лет спустя, тем, с той стороны занавеса, было очень приятно, когда они поняли, что где-то там тоже живут миролюбивые и дружелюбные люди».
Ян Гиллан был единственным из группы, кто не знал, откуда взялся вступительный риф: «Это звучало хорошо, и мы подумали, что нам стоит поработать над этим рифом, немного его изменить и сделать что-то новое, сохранив сам риф, как основу. Но я никогда не конкурировал с оригинальной версией «Bombay Calling». Песня в основном отражала настроение момента, и именно поэтому она стала настолько популярной ».
То, как Ян Гиллан пришел к написанию текста осталось загадкой для Роджера Гловера: «Не представляю откуда Ян взял эти замечательные слова. Наше с ним творчество до перехода в Deep Purple было не особо поэтичным, скорее это были незамысловатые поп-тексты, хотя в период с середины до конца 60-х, музыка, особенно пришедшая с Западного побережья, повлияла на то, что мы стали писать гораздо лучшие и более глубокомысленные тексты. Это было очень захватывающее время для творчества».
«Мы создали эту песню, используя тему «холодной войны», и написали такие строки: «Милый ребенок во времени, ты увидишь линию…». Так появились слова. У Джона была готова партия клавишных, а у Ричи партия гитары».
«В Америке песня воспринимается как песня социального или политического содержания. Мне кажется, это были размышления Яна о мире и обо всех ненормальных слепцах в этом мире. Но вы можете трактовать ее как хотите. Все зависит от вас, если вы ищите в словах какое-то глубокое значение. Нам они очень нравятся».

Доработав основную часть песни вместе с внезапной паузой посередине, они почувствовали, что необходим эпический финал композиции. Как вспоминает Джон: «Песня была не закончена, потому что мы не знали, как ее закончить, и Ян все еще не дописал слова. Ричи предложил вариант: «Почему бы нам не опуститься на Ми, а затем просто наращивать темп и тональность, как мы это обычно делаем на концерте, и играть все быстрее, быстрее и быстрее, а Ян будет выдавать все эти бессмысленные вопящие и кричащие потоки сознания».
Вообще-то окончание «Child In Time» чем-то похоже на финал песни The Beatles «A Day In The Life». Конечная хроматическая восходящая секция и, в частности, финальный аккорд из песни The Beatles звучит очень похоже на финальную версию «Child In Time». Джон подтвердил, что это не случайно: «Нам нравилось, как это звучит, поэтому мы его и «тиснули», можно и так сказать».

Дата дебюта песни на публике неизвестна, но она точно была сыграна на концерте в Paradiso в Голландии 23 августа 1969 года, а премьера, вероятно, состоялась на одном из предыдущих шоу. Песня быстро стала ключевым номером в их живых выступлениях.

Хотя основная структура песни была в значительной степени доработана еще на репетициях в Ханвэлле, на версии, сыгранной в Paradiso хорошо слышно, что группа все еще экспериментировала с некоторыми деталями, которые и сделали эту запись уникальной во многих отношениях. Джон звучит особенно вдохновенно во время вступления и выходит далеко за пределы довольно интроспективной игры в более поздних версиях, в то время как Гиллан поет более убедительно и страстно. С другой стороны, ритм секция еще очень проста, и ей не хватает динамики, которую они доработали в более поздних выступлениях. И это явный признак того, что это было все еще довольно «сырое» исполнение. Охи и ахи Гиллана тоже немного различаются: последняя фраза в последней части звучит как чередующаяся последовательность нот, а не как непрерывный крик, что на самом деле не так уж и плохо звучит. После того, как Гиллан закончил первый куплет, песня переходит в болеро, и именно Ричи начинает связующее соло, в отличие от (почти всех) более поздних живых версий, где в этой части доминировал Джон. Ричи также играет в непривычном для него в то время стиле, много отрывистых нот и быстрых повторяющихся фраз. Затем он переходит к основному гитарному соло, где, кажется, пробует ритмы, фразы и стили, а не играет что-то подготовленное заранее. В какой-то момент он просто останавливается, и Джон подхватывает его, но затем Ричи возвращается с довольно агрессивной партией, которая очень узнаваема на более поздних версиях. Он снова на короткое время возвращается к нескольким тактам экспериментов. Чувствуется, что у соло пока нет определенной структуры, и он явно пробует разные варианты, пытаясь понять, какие из них сработают. Затем все переходит в арпеджио, и Джон переходит ко второй части песни.

Четыре недели спустя, 24 сентября 1969 года, Deep Purple выступили с «Child In Time» на своем крупнейшем на тот момент шоу. Поводом послужила одна из первых новаторских работ Джона Лорда – Концерт для рок-группы и оркестра в Королевском Альберт-Холле в Лондоне.

К этой грандиозной работе был большой интерес со стороны прессы и публики. Менеджер Deep Purple Тони Эдвардс назвал затею Джона блефом, забронировал зал и назначил точную дату. Вечер был тщательно подготовлен. Открывала его классическая пьеса дирижера Малкольма Арнольда, затем короткое выступление Deep Purple, а затем главное событие вечера - сам Концерт.
Группа сыграла три номера самостоятельно, закончив выступление 12-ти минутным исполнением «Child In Time». Они звучали нервно и даже сдержанно, явно немного напуганы выступлением, особенно перед аудиторией, которая была далека от обычной рок-тусовки. Ян Гиллан, пожалуй, исключение. Его вокал безупречен. Он динамичен, и его крики мощны и душераздирающи. Джон выстраивает мост для перехода на гитарный пассаж, в то время как Ричи размеренно начинает свое соло на три с половиной минуты, быстро набирает обороты, но не совсем определился, в каком направлении ему идти (хотя это звучит более структурировано, чем в Paradiso). Он снова ищет фразы и семенит, и кажется, что он еще не решил, как все это упорядочить. Примерно на полпути гитарного соло Ян Пейс начинает молотить по барабанам, но никто его не поддержал, и он быстро возвращается к нормальному ритму. Во втором куплете Гиллану снова представляется возможность продемонстрировать свои потрясающие вокальные возможности. Затем полутоновое хроматическое нарастание звукового вала, врезающегося в финал песни, и короткая, красивая гитарная фраза Ричи поверх затухающего органного аккорда.

Последняя сохранившаяся живая запись «Child In Time» до того, как песня вышла на альбоме, это выступление в казино Монтрё (да, да в том самом казино), в Швейцарии, 4 октября 1969 года.
Спустя всего десять дней после выступления в Альберт-Холле, это выступление совершенно другое, гораздо более слабое и неуверенное. Особенно это чувствуется, когда группа начинает работать динамически в поддержку вступления и куплета, которое чрезвычайно важно для создания общей атмосферы и оказания вокалу Гиллана той поддержки, которую он заслуживает. У Яна тоже не все в порядке с голосом. Некоторые ноты срываются и чувствуется, что ему совсем непросто. Снова орган выполняет роль связующего моста с соло Ричи, и Джон справляется с этим. Соло Ричи начинается многообещающе, но у него расстроена гитара, и, как бы он ни пытался, он не может решить эту проблему. Он быстро начинает раскручивать темп и переходит к 4-х минутному соло, которое становится все более и более структурированным.
Вторая половина песни не так плоха, и, хотя расстроенная гитара немного портит финал, запись действительно показывает, как общая динамическая фразировка песни выстраивалась во время живых выступлений, что, к сожалению, изменится в последующие годы: «Поскольку песня игралась и игралась годами, кое что из динамики и атмосферы, демонстрируемой здесь, к сожалению, было утеряно. Но в том далеком 69 году Гиллан все еще мог брать высокие ноты, и динамика была под контролем. Здесь мы имеем то, что можно считать окончательно сформировавшимся Deep Purple, демонстрирующими, с одной стороны, размеренное спокойствие и уверенность в отношении их музыки, а с другой, ощущение «балансировки на грани пропасти» в средней части, искрясь от энергии, пока знакомый отрывок триплетов не ознаменует внезапная пауза, а Джон все продолжает играть, погруженный в свой собственный мир, несколько тактов после того, как все остальные остановились, прежде чем тормознуть и начать заключительную часть песни.»

4 ноября 1969 года Deep Purple вошли в студию IBC, чтобы записать окончательную версию для альбома. К этому моменту они сыграли эту классическую песню около двух десятков раз на концертах и репетициях, прежде чем записать ее на пленку, и, как сказал бы Роджер, она была «отточена» и готова к записи. Именно поэтому, даже учитывая сложную структуру и смену темпа, не удивительно, что для записи потребовалось не так уж много студийного времени. Сохранились две пленки, под номерами «Бобина №3» и «Бобина №4», которые ведут свой счет от записанных ранее «Speed King» и «Livin’ Wreck» («Бобина №1» и «Бобина №2» соответственно). Студии часто нумеровали пленки по порядку, чтобы сохранить информацию о порядке сессий записи, так что легко понять, если одна из них вдруг пропала.
Читая информацию на коробке с пленкой № 3, становится понятно, что вначале было записано 4 дубля, из которых только один был полным продолжительностью 10 с половиной минут. Однако на коробке все эти 4 дубля вычеркнуты, что означает, что они были стерты. Следующие 4 дубля были записаны поверх предыдущих на ту же пленку. Стандартная бобина с пленкой шириной в 1 дюйм (прим 2,54 см.) и общей длиной 2.400 футов (прим. 731.52 метра) могла уместить около 32 минут материала, записанного на скорости 15 дюймов /сек (38 см/сек), так что это многое объясняет. Из этих новых четырех дублей только второй дубль (№ 6) был закончен. Два из оставшихся не закончены и еще один обозначен, как фальстарт.
Использовав всю сторону Бобины №3, была установлена Бобина №4, и они решили записать еще один дубль. После двух фальстартов они наконец записали второй полный дубль (№ 11) продолжительностью чуть более 10 минут, который позже был отмечен, как «мастер». Остальные дубли были затем использованы в качестве материала для дополнительных наложений, что в совокупности и составило окончательную версию, использованную на альбоме.
Звук органа в «Child In Time» является ключевым для создания общей картины этого монументального произведения. Джон: «Сначала записали звук динамиков Leslie вместе со звуком динамиков Marshall, но то, что вошло в финальную версию это только Leslie.»
Это же подтверждено на коробке пленки. Энди Найт, работавший в то время инженером на студии IBC, рассказал про то, как он записывал звук органа Джона: «У нас были два высокочастотных микрофона Neumann U67 и два Neumann U47 на бас, мы хотели использовать U67 и для стойки Marshall тоже. Стерео-панорама была расширена вправо и влево, чтобы создать больше пространства для движения нот в стерео-картинке (большинство звукоинженеров описывают звук, как картину). «Child In Time» похоже сложился сам. Задача звукоинженера состоит в том, чтобы сложить звук так, как хочет группа, если это немного похоже на слоеный пирог и микс потрясающий, то какая разница как это сделано.» Энди вспоминает, что звук бас гитары Роджера был тоже неотъемлемой частью звуковой картины композиции, и что басовая партия была: «сыграна идеально».
Перед тем, как прийти в студию, группа уже проработала основную структуру песни на репетициях и на концертах, так что к моменту, когда они начали запись в студии IBC они точно знали, что и как делать. Единственное, что было изменено уже в студии это то, что Ричи взял на себя связующий мост в переходе к основному соло, которое на концертах обычно играл Джон.
Соло партии в подобных песнях должны максимально сохранять живую атмосферу. Как правило гитарист вовремя соло доминирует в то время, как все остальные следуют за соло гитарой, сохраняя темп и динамику и выстраивая правильную поддержку и акцентирование различных фраз в соло партии. В данном случае это было невозможно, так как сначала был записан базовый ритм трек, а соло было наложено позже. Было неизбежно что такой процесс записи существенно усложнит воспроизведение композиции на сцене, но, даже учитывая это, они стремились создать совершенный продукт. Ричи рассказывает, как он записал свое соло: «Я думаю, что это относительно среднее гитарное соло. Я записал его за два или три дубля. В то время, если требовалось записать гитарное соло, то мне отводили 15 минут на запись. В те дни этого было достаточно для гитариста. Пэйси мог стоять рядом, топая в такт, посматривая на часы и торопя: «Ну, долго еще?» И я отвечал: «Я только нашел правильный звук», а он: «Так ты еще не закончил...?».
Относительно среднее гитарное соло? Среди немногих, заслуживающих внимания, из огромного количества, это величайшее рок соло всех времен, пожалуй, наиболее узнаваемое среди других эпических соло. Энди Найт, вспоминая тот день в студии, до сих пор совершенно точно помнит и подтверждает, что это потрясающее соло было сыграно гитаристом сходу: «Ричи записывал соло для «Child In Time» в аппаратной, протянув длинный шнур к усилителю в студии. Он сыграл первый дубль, который был хорош, но не так хорош, как второй дубль, который и был использован на записи. Мы добавили ему эхо, чтобы он понимал, как это будет звучать на записи. Этот дубль был записан живьем, за один присест, без каких-либо дальнейших правок. Вся группа была в аппаратной, пока Ричи записывал свое соло, и мы все понимали, что только что было сыграно одно из величайших гитарных соло. Выражаясь литературным языком у всех волосы на загривке «зашевелились». У многих слушателей они до сих пор «шевелятся». Энди нарисовал отличную картинку работы Ричи в аппаратной студии, в окружении других участников группы, создающего свое соло сходу со второй попытки. Это соло определило эру.

После второго куплета песня завершается, пожалуй, именно так, как и должна, мощным финальным аккордом. Надпись на коробке говорит, что Джон сыграл 9 дублей этого финального аккорда на пианино, ни один из которых не устроил Энди: «Возможно ли записывать 9 дублей одного аккорда на пианино? Возможно. Много чего может пойти не так. Какие-нибудь посторонние шумы, неточные ноты, дыхание пианиста на фоне затихающего звука или он просто не звучит, как надо.»
Звукоинженер Кевин Ванберген работал над «Child In Time» для проекта Guitar Hero. Он один из немногих, кто слышал оригинальные мастер-ленты с тех пор, как они были записаны. Для этого проекта необходимо было разделить инструменты, чтобы люди могли играть «сами» с оригинальным сопровождением, но микс должен звучать, как на альбоме. Создавая новый микс Кевину пришлось повозится в поисках нужного дубля, но когда он нашел его он отметил, что: «Он звучал очень похоже на все прочие дубли, однако в нем было то, что отличало его от других - это тот непередаваемый «момент», когда что-то щелкнуло и четыре отдельных парня внезапно стали единым целым и записали историю».
«Совершенно очевидно, что ритм-трек был наполовину импровизационным и всегда был немного другим. Затем они выбрали лучший из записанных и доработали его. Мне нужно было постараться сохранить все уровни, эквализацию и эффекты. Я думал, что будет легко повторить этот микс, записанный всего на 8-ми дорожках. Как я ошибался. Я проделал огромную работу, разделив весь трек на 48 дорожек и понял, что это ухудшило ситуацию. Я попытался удалить все лишние звуки из пауз, я выставил эквалайзер и уровни максимально близко к оригиналу, но звучало по-другому. Я попытался использовать эквалайзер и пробовал снова и снова. Затем остановился и постарался понять, что я делаю не так, как на оригинальной записи. И ответом было – «улучшайзеры». Я откатил все назад: восстановил все дорожки, паузы и уровни. И все заиграло как надо. Возвращаясь в то время, как я понимаю, они не парились по поводу убирания всех этих шумов, они просто оставили все, как было. И это и есть красота несовершенства. Грубый вокал Яна Гиллана в наши дни был бы зажат и обработан насмерть, ему бы не оставили ни пространства, ни дыхания. Барабаны были бы четко выстроены по метроному, а все неточности были бы подчищены. Жаль, что в наши дни вся эта «магия» редко используется, так как инженеры все больше и больше полагаются на современные технологии. Я заметил, что малейшая попытка исправить тональность или темп сильно влияли на окончательное звучание оригинала.»

Сохранившиеся отрывки ранних дублей показывают, что Джон постоянно импровизировал в начальной части. Мы спросили Кевина про звук органа: «Звук органа уже был настроен, я не говорю, что знаю, как это было сделано, но не похоже, что был использован звук динамиков Marshall с перегрузом, он не был слишком агрессивным и потребовалась минимальная эквализация. Органная перкуссия в тихих моментах доказывает это, так как совершенно отчетливо можно слышать движение клавиш. Мало вероятно, что можно было добиться такой четкости используя Marshall.»
Наш последний вопрос был о первом дубле соло Ричи, сохранился ли он: «Отдельной дорожки для соло гитары больше нет на пленке. То, что осталось на пленке, это сочетание основного гитарного ритм трека с наложенным соло. Оригинальная гитарная дорожка была отдана под вокал. И, если внимательно прислушаться, то можно услышать наложенную соло гитару. Они тогда не озаботились тем, что нужно было бы вычистить этот артефакт. Это было не важно, потому что, так или иначе, это было звучание группы.»

2Sealteb:
>они не стали поднимать шум вокруг
>этого,
Лафламм уже в двухтысячных подал в суд на Deep Purple.
а просто «одолжили» одну из композиций
>Deep Purple («Wring That Neck»), и использовали
>ее рифф для своей композиции «Don and Dewey».
>It's a Beautiful Day...Don and Dewey
Об этом говорил Гиллан, но он не играл в то время с Deep Purple. Я верю Нику Симперу, который рассказал: «Номер «Wring That Neck» мы содрали с композиции «Stretching Out» американского коллектива Don And Dewey (его участником, кстати, был Дон Харрис (Don Harris), позднее сотрудничавший с Фрэнком Заппой и Джоном Мэйоллом, – прим. мое). Тогда мы играли вместе с группой IT’S A BEAUTIFUL DAY, у которых в репертуаре была эта песня. Она нам так понравилась, что мы решили на ее основе сделать свою композицию. «Wring That Neck», действительно, с трудом можно назвать нашей вещью. Наш вклад в нее, а вернее мой – это несколько тактов в середине. Но эта вставка настолько короткая, что нечем похвастаться. Мы эту вещицу просто украли. Хотя играли мы ее по своему, в чем большая заслуга Ритчи – он использовал эту композицию для своих гитарных импровизаций».

2Sealteb:
>Четыре недели спустя, 24 сентября 1969 года,
>Deep Purple выступили с «Child In Time» на своем
>крупнейшем на тот момент шоу.
Среди зрителей был Тим Райс, и ему так понравился вокал Гиллана в «Child In Time», что именно Иену было предложено исполнить партии Иисуса в рок-опере JCS.

Спасибо за рассказ. Очень интересно.... Сколько можно узнать всего лишь об одной песне.