Интервью Мика Флитвуда: 50 лет Fleetwood Mac
By Henry Yates ( Classic Rock ) 2021

Мик Флитвуд приехал в Лондон шестидесятых годов в качестве выпускника школы с дислексией и начинающего барабанщика – и открыл для себя мир блюза, выпивки, женщин и глобального успеха
Вы бы никогда не догадались, что у Мика Флитвуда есть главная роль в любимой рок-н-ролльной мыльной опере. Возможно, дело в островном ритме его гавайского дома или в расслабленности, вызванной пандемией, но беседа с соучредителем и барабанщиком Fleetwood Mac успокаивает не меньше, чем лежание в гамаке под тропическим бризом, а непростая история жизни его легендарной группы расходится с его веселым рассказом о ней.
Конечно, мы не должны удивляться. Хотя он и не ангел, неизменное присутствие Флитвуда в качестве судьи, миротворца и посредника на переговорах – всегда под рукой, чтобы уговорить своих более непостоянных коллег по группе сдвинуться с мертвой точки или удержать оборону, когда казалось, что все потеряно, – вот причина, по которой Fleetwood Mac сейчас перешагивают через полвека, выпустив каталог из 17 студийных альбомов. Флитвуд, возможно, и является основой, и вместе с басистом Джоном Макви он также является связующим звеном.
Он родился Майклом Джоном Келлсом Флитвудом в июне 1947 года и жил по всему миру в семье пилота-истребителя Королевских ВВС. Но школьные годы были пыткой для подростка, чей несомненный интеллект не соответствовал традиционным академическим стандартам, и сегодня он рассказывает о своем переезде в Лондон в возрасте 15 лет как о своем пробуждении.
Флитвуд был гораздо более одаренным гитаристом, чем он сам хотел бы признать, но прорыв для него наступил, когда его наставник, несравненный гитарист Питер Грин, познакомил его с Джоном Мэйоллом в группе Bluesbreakers, а затем пригласил его в 1967 году вместе с ним создать Fleetwood Mac. Быстро выпустив два одних из лучших альбомов британского блюзового бума – одноименный дебютный альбом 1968 года и третий альбом 1969 года "Then Play On", - группа, казалось, была настроена на плавный подъем. Но синглы, завоевавшие популярность в чартах, такие как "Albatross" и "Oh Well", усугубили проблемы Грина с психическим здоровьем, и гитарист ушел в 1970 году, став жертвой славы, кислоты и необъяснимых проблем в детстве.
Вскоре после ухода из группы изначального гитариста Джереми Спенсера (Jeremy Spencer) была заложена традиция состава Mac с вращающимися дверями. Но группа продолжала существовать, несмотря на недооцененный переходный период, в течение которого гитарист Дэнни Кирван обрел свой голос на таких "потерянных жемчужинах", как "Bare Trees" 1972 года, прежде чем он тоже отвалился, отказавшись выходить на сцену и был уволен лично Флитвудом.
Затем последовала слава мегазвезды с 40-миллионным тиражом альбома "Rumours" 1977 года, известного как своими хитами "Go Your Own Way", так и неудачными отношениями между влюбленными Стиви Никсом и Линдси Бакингем, а также супружеской парой Джоном и Кристин Макви. И хотя в прошлом десятилетии состав "The Rumours" воссоединился для выступлений вживую, раны все еще были незаживающими: в 2018 году Букингем был отстранен от должности, хотя причины этого разнятся в зависимости от того, кого вы спрашиваете.
Несмотря на все это, Флитвуд продолжал играть, в последний раз на концерте, посвященном Питеру Грину, на концерте all-stars, который состоялся в лондонском Palladium за несколько дней до начала эпидемии COVID, и теперь готовится к выпуску в виде концертного альбома и фильма всего через несколько месяцев после смерти великого гитариста в июле прошлого года. Кажется, это подходящее время для размышлений о 73-летнем Флитвуде. И вы не могли бы пожелать более радушного хозяина.

Какие у вас воспоминания о детстве?
В детстве я страдал дислексией, и у меня не было ни малейшей сообразительности в плане успеваемости, да и вообще какой–либо академической ценности. Я до сих пор не знаю алфавит. Если бы у вас был пистолет, и вы спросили: “Где ”Р" по сравнению с "С"?", я не знаю. Но я, конечно, никогда не чувствовал себя униженным, потому что мои отец и мать никогда не заставляли меня так себя чувствовать. Об этом даже не задумывались. Они всегда полностью поддерживали всех своих детей.
На самом деле, мы все занимались искусством. Мы были семьей, где каждый, кто подходил к двери, обнимал моего отца. Я помню, когда мой отец впервые встретил Джона Макви, он крепко обнял его. И Джон сказал мне: “Я испугался, когда меня обнял мужчина”. Я спросил: “Правда? Твой папа тебя не обнимает?”
Я думаю, мои родители были просто счастливы, что я чем-то занимаюсь, а не остаюсь совершенно бесполезным в школе. Я сам научился играть на барабанах на чердаке, подыгрывая Клиффу Ричарду, Бадди Холли и тому подобным. Я бросил школу, когда мне было пятнадцать. И это было чудесно со стороны моих родителей, потому что они с благословения отправили меня в Лондон, взяв с собой забавную маленькую ударную установку и мечту стать барабанщиком. Я не имел права думать, что вообще смогу это сделать. И когда я добрался туда, то был счастлив, как рыба в воде .

В Лондоне вы то появлялмсь в разных группах, то уходили из них. Но помните ли вы свою первую встречу с Питером Грином и как это изменило твою траекторию?
Мы все вместе играли в группе под названием Peter B's Looners. Питер Барден, благослови его господь, постучал в дверь моей сестры, потому что услышал, как я играю на барабанах в гараже. Так я добился своего первого успеха. Я никогда раньше ни с кем не играл, никогда. Итак, я был в группе, но мы потеряли гитариста. Грини недолго играл в Bluesbreakers Джона Мэйолла, когда Эрик Клэптон уехал в Северную Африку. Но Эрик вернулся и попросил вернуть ему работу. И в этот момент Питер вошел в маленькую репетиционную комнату в Ист-Энде.

Что вы думаете о Питере Грине как о гитаристе?
Что ж, сейчас я сразу признаюсь, что это моя первая ошибка в жизни. Мы уже пробовали играть с парой гитаристов. Но мы слышали о Грини. Он пришел со своим Les Paul в маленьком коричневом футляре, почти как для виолончели. Он подключился, и я помню, как сказал Питеру Барденсу: “Я не думаю, что он достаточно хорош”. Я сказал: “Он продолжает играть одно и то же”. И, конечно, я слышал о простоте игры Питера. Но я разволновался, подумав: “Неужели он сможет выучить все эти песни за три дня?”
И, слава Богу, тут же, к чести Питера Барденса, он сказал: “Мик, ты ошибаешься. У этого парня есть стиль и интонация, и он чертовски обалденный”. Конечно, Грини получил работу. И я никогда в жизни так быстро не напрягался, чтобы успеть за следующие пару недель. В итоге я застыл с открытым ртом и воскликнул: “Вот черт!” Конечно, ирония этой истории в том, что я самый ярый сторонник Питера Грина. Так что, слава Богу, меня ударили в бок и велели заткнуться.

Вы, Питер и Джон Макви были в Bluesbreakers Джона Мэйолла.
Да. У них был Эйнсли Данбар, невероятный барабанщик, просто потрясающий в техническом плане. Поэтому, когда Грини сказал, что хочет видеть меня в Bluesbreakers, я такой: “Что ты имеешь в виду? Я не могу этого сделать!” Но очень быстро Грини сказал: “Именно поэтому ты нам и нужен – потому что ты не можешь этого сделать”. У Питера Грина была избитая фраза, которую мы до сих пор используем, особенно я и Джон, как образец для подражания. Он любил повторять: “Меньше значит больше”. И это то, что он увидел во мне.

Это было незадолго до того, как Мэйолл уволил вас. Это было заслуженно?
О, определенно. Ни для кого не секрет, что мы с Джоном Макви слишком много пили. Пару раз его увольняли за нарушение общественного порядка. Но Джон Мэйалл всегда брал его обратно, потому что он отличный басист. Но мы были слишком далеки друг от друга. Мэйалл был первым парнем, который был по-настоящему организован. Он говорил, где встать на углу, чтобы его подобрали: “Тебе лучше быть там, не опаздывай”. Тебе всегда платили – у него были небольшие конверты с зарплатой. О тебе заботились. Это было похоже на то, что ты был частью братства со школьным учителем.
Я помню, как сидел на заднем сиденье старого фургона для трансвеститов. Я понял, что слишком много напортачил. Однажды ночью я был сильно пьян и подумал: “С меня хватит, это точно”. Итак, у меня был план выступлений на следующие две недели, и я сделал заметки. И под одним из концертов я написал: “Я уволен”. И почти в тот же день я был уволен. Я даже показал его Мэйоллу в автобусе и сказал: “Думаю, я закончил, верно?” И, конечно, так оно и было. Так что я недолго пробыл с Джоном Мэйоллом.

Вы, Питер и Джон Макви стали ядром Fleetwood Mac в 1967 году. По слухам, Питер попросил вас присоединиться к нему только потому, что у вас были трудные времена?
Да. Я не знал об этом до тех пор, пока несколько лет назад не опубликовал действительно замечательную книгу под названием "Love That Burns", изданную ограниченным тиражом, которая стала началом увертюры, частью которой также является концерт Питера Грина. И когда я работал над этой книгой, я поговорил с Питером, провел с ним пару часов. У меня до сих пор сохранились записи интервью. Он был удивительно проницателен. И он сказал мне по телефону: “Разве ты не помнишь, Мик, как у тебя было разбито сердце? Ты был моим другом, и я хотел, чтобы с тобой все было в порядке.”
Потому что моя тогдашняя девушка бросила меня, и я был совершенно убит горем. Я слишком много болтаю, но когда Питер сказал это, я замолчал. Он этого не знал, но я на самом деле расплакался. Потому что это было очень показательно для моих отношений с Питером. На самом деле, это не имело никакого отношения к музыке. Любой может играть на барабанах.
Он, по сути, просто сказал: “К черту все, этот парень в таком подавленном состоянии, что я должен его вытащить”. На самом деле это означало гораздо больше. Конечно, он искренне хотел, чтобы Джон Макви тоже был там. Знаете, группа называлась Fleetwood Mac. Само название свидетельствовало об отсутствии эгоизма у Грини и его щедрости.

Иногда возникает ощущение, что вы бросили Мэйолла в беде.
Многие люди всегда думали, что в рядах Bluesbreakers существует какой-то заговор. Потому что трое из четырех человек, которые сформировали Fleetwood Mac – Джонни Мак, я и Питер – вышли из этого состава. И все очень часто думают, что мы планировали бросить Джона Мэйолла и создать эту группу. Это абсолютная неправда. Мы понятия не имели. Я ушел. Вскоре после этого Питер почувствовал, что хочет двигаться дальше, и ушел. Именно тогда мы с ним основали Fleetwood Mac. Затем мы хотели, чтобы к нам присоединился Джон Макви. Но это был вовсе не заговор. На самом деле Питер вообще не собирался ничего предпринимать до того, как обратился ко мне.

Джереми Спенсер присоединился в качестве гитариста к дебютному альбому "Fleetwood Mac" 1968 года с одноименным названием. Что вы думаете о так называемом альбоме "Dog And Dustbin" сейчас?
О, мне это нравится. Мы были как рыбы в воде, делая именно то, что хотели. Питер был таким самоотверженным. Даже тогда он действительно не хотел быть "пижоном". Он не хотел быть Джеффом Беком, Эриком Клэптоном или Джимми Пейджем. Существует целое братство потрясающих гитаристов, и Питер был одним из них. Но он не хотел быть одним из тех парней, которые были супер-стрелками. Только подумайте, как сильно Питер повлиял на Джереми в работе над первым альбомом. Альбом Jeremy во многом напоминает альбом Элмора Джеймса. Питеру нравилось просто сидеть сложа руки и играть ритм.

Как развивалась группа после выхода альбома 1969 года "Then Play On"?
К тому времени, как мы записали этот альбом, Питер уже сочинял невероятные песни. Но именно тогда к нам присоединился Дэнни Кирван, и Питер отдал ему половину альбома, просто включил в него эту чувственность, даже не задумываясь об этом. Кстати, Дэнни привнес в группу невероятное количество талантов. Он обычно сидел впереди и наблюдал за нашей игрой, почти как забавный маленький школьник. У него была группа Boilerhouse, и они иногда играли с нами, и мы говорили: “Этот парень чертовски невероятен”.
Часто о нем совершенно забывают. Но у него было неповторимое звучание и невероятное вибрато, как у Джанго Рейнхардта, чистое, как снег. В тот момент я понял, что у Питера зачесалось. Джереми не собирался отказываться от своего любимого занятия - роли Элмора Джеймса. Питер продвигался вперед, начав больше писать. Так что все сложилось фантастически, когда он нашел себе напарника в лице Дэнни, который был по-настоящему креативен и проделал всю эту прекрасную работу над альбомом "Albatross", в котором главное - гармоничное звучание. Оглядываясь назад, я думаю, будет справедливо сказать, что многое из этого было новаторским.

Когда у вас впервые возникло ощущение, что Питер испытывает трудности?
Ну, я не думаю, что мы когда-либо это знали. Мы поняли это, когда было уже слишком поздно. И я не думаю, что, оглядываясь назад, мы были бы готовы что-либо предпринять, чтобы понять, как помочь ему в любом случае. Он дал понять, что с ним покончено. Мы были в туре по Америке, и он сказал: “Мы должны отдать все наши деньги”. Конечно, тогда мы не знали, что у него началась болезнь. И он отрекся от себя. Отрекся от того, что он сделал. Сказал, что он украл все, что когда-либо создавал.
Конечно, это чушь собачья. Но потом я вдруг подумал: “О, черт, он, блядь, уходит”. Мы стояли на коленях и спрашивали: “Что происходит? Как такое может быть?” Особенно я. Он ушел очень ответственно. Он нас не бросал. А потом случился настоящий скандал, о котором стало известно общественности. И новый концерт-трибьют посвящен не этому, а его чествованию, так что я не хочу слишком много говорить о том, что случилось. Я думаю, он просто не был подготовлен к тому, чтобы стать таким могущественным существом. И потом, наркотики… Он был единственным человеком, которому не нужно было ничего из этого дерьма. Он все равно был таким чувствительным.

Оглядываясь назад, что вы думаете об уходе Питера?
История Fleetwood Mac полностью посвящена выживанию. Что бы вы сказали о Питере, он не смог выжить. Я просто говорю, что он не был подготовлен. Он не был подготовлен к этому путешествию. По какой причине, я, возможно, никогда до конца не узнаю. Но, безусловно, речь шла о джентльмене, который был невероятно чувствительным и которого ранили в детстве. Знаете, ему, еврею из лондонского Ист-Энда, приходилось нелегко, даже больше, чем в тех историях, которые он мне рассказывал. Не думаю, что он когда-либо по-настоящему переживал это.

Вы сказали, что после ухода Питера группа испытывала трудности.
Теперь я вспоминаю, как мы записывали "Kiln House" [1970], первый альбом без Питера.… На самом деле, мне очень нравится этот альбом. Но на Дэнни оказывали давление. Джереми не слишком преуспел в сочинительстве. Так что мы погрузились в мир рок-н-ролла Джереми. Мы просто продолжали работать. Я был опустошен, когда Питер ушел. Это была настоящая катастрофа.
Мы смогли продолжить этот шаткий путь, а затем пригласили Кристин (Макви), и в музыкальном плане это действительно помогло. А позже, с [гитаристом] Бобом Уэлчем, это был действительно замечательный период, когда мы много работали в Америке. Мы были рабочей группой, мы выживали, и все было в порядке. Но ничего этого не случилось бы, если бы мы не усвоили этот урок. Когда Питер ушел, это была настоящая катастрофа. Но мы справились с этим и каким-то образом выкарабкались.
С тех пор столько всего произошло, люди уходили и приходили – это была наша настоящая история, – и я не думаю, что мы с Джоном продолжали бы поддерживать компанию, если бы в самом начале у нас не было по-настоящему жестокого урока выживания. Когда все это случилось, мы просто подумали: “Что ж, мы делали это раньше, значит, сделаем это снова. Нет ничего хуже, чем потерять Питера”. Вот как, я думаю, мы выжили. И мы всегда были рядом, я и Джон. Когда-либо.

В 1973 году все снова пошло наперекосяк, когда вы отменили турне по США, узнав, что у вашей жены Дженни роман с гитаристом Бобом Уэстоном. Насколько это было болезненно?
Я уверен, это было болезненно для всех. Но вы должны взять на себя ответственность. Я даже не рассматриваю это как предательство. Многое из того, чего мы касаемся, произошло потому, что мы не были готовы к этому. Я не был готов к тому, что Питер попал в беду. Я не был готов к тому, чтобы подумать: “Ты слишком много веселишься и не уделяешь внимания своей семье”. Мы с Дженни снова были вместе. Мы смогли продолжать жить дальше.

Как вы думаете, почему в составе "Rumours" была такая невероятная музыкальная химия, но такие ужасные личные проблемы?
В течение многих лет все было относительно нормально, со всеми своими взлетами и падениями. Но у нас было четыре человека, которые были очень увлечены друг другом. Джон и Крис были женаты. Стиви и Линдси тоже могли бы быть такими. И трудности, с которыми мы столкнулись в этом путешествии, были преодолены. Я думаю, что многие предопределенные проблемы, с которых все начиналось, были просто обнажены.
Интересно, если бы не Fleetwood Mac, Джон и Крис, вероятно, не расстались бы. Но у нас были потрясающие времена, даже когда все были в ссоре. Линдси сказал бы, что ни у кого из нас не было возможности оплакать расставание. И это было чистой правдой. И я думаю, что в конечном итоге это сказалось на наших отношениях. Но в музыкальном плане мы были очень преданы друг другу. Дело было не в том, “Давайте заработаем много денег”. Была настоящая страсть, и это не остановило то, что мы делали.

Какой была обстановка во время создания "Rumours" на заводе звукозаписи в Саусалито?
Ну, мы с Дженни расстались. Так что все пятеро участников группы были в полном дерьме. Эмоционально они были в полном дерьме. Но я не помню, чтобы было что-то мрачное или еще что-то отвратительное. Поверьте, я чертовски чувствительный человек, я бы знал. Это никогда не происходило в таком ключе. Как отец-исповедник, которого я, вероятно, представлял в группе, особенно в то время, я никогда не испытывал такого чувства, когда до меня доходили слухи об этих схватках, и я обделывался, думая: “Нам конец”. Однако для посторонних все выглядело именно так.
В то время я был кем-то вроде менеджера группы, и Уорнер Бразерс часто звонили мне. Мы были похожи на золотого гуся, который вот-вот снесет очередное золотое яйцо. Они были ошеломлены. И я сказал: “Нет, мы не собираемся расставаться”. Любой, у кого есть план, сказал бы: “Эти люди ни за что не переживут это. Все рухнет”. Но у меня никогда не было такого [чувства]. Я знал, что ситуация неловкая, и поднимался и опускался, но никогда не было такого, чтобы я сказал: “С меня хватит, я, блядь, ухожу”.
На следующий день мы всегда возвращались в студию. Опять же, никто из нас не был готов к психоанализу происходящего. Я думаю, чем больше было эмоционального недовольства, тем больше все цеплялись за то, что мы делали. вот

Вашим золотым правилом было никогда не связываться с коллегами по группе. Но, связавшись со Стиви, вы нарушили это правило.
Я думаю, мы все нарушили. Вот почему Джон придумал такое замечательное название для альбома "Rumours." Он сказал: “Это как гребаная мыльная опера”.

В основном вы писали о своих собственных неудачных отношениях, не так ли?
Я не думаю, что Линдс пел вокал в студии "Go Your Own Way" до самого выхода альбома. Там были какие-то другие слова или что-то в этом роде.

Как ты думаете, почему именно вам всегда приходилось брать на себя роль миротворца?
Я думаю, это из-за того, как меня воспитали. Мой отец действительно хорошо ладил с людьми, и мне нравится думать, что я унаследовал кое-что из этого. Кроме того, я думаю, дело в том, что Джон всегда говорил – и до сих пор говорит – “Разберись со всем этим, дай мне знать, когда они все успокоятся, и я приеду и проведу тур”.
Я думаю, что во многом это происходит из-за неуверенности в себе. Если у тебя на плече сидит маленький зеленый гремлин и спрашивает: “Что еще ты собираешься делать, Мик?”, то ты ответишь: “Ну, я лучше прослежу, чтобы это не прекращалось”. Так что дополнительные усилия, вероятно, были вызваны неуверенностью в себе: “А что, черт возьми, мне еще остается делать?”

Насколько сложно было оправиться от банкротства в середине восьмидесятых?
На самом деле это не так уж и сложно. На самом деле это ничего не изменило в моей жизни. На самом деле это не так. И я объясняю это тем, как меня воспитывали. Мой отец всегда говорил: “Не забывай, Майкл, что ты, как и любой другой человек, встаешь утром и идешь посрать”. А еще он говорил: “Жаль, что все в Организации Объединенных Наций не просто сидят там голые, а начинают разговаривать друг с другом.” Я никогда не чувствовал, что моя жизнь закончилась. Думаю, в тот период я был в достаточной степени под наркозом. Думаю, я просто взял себя в руки и продолжал жить.

К тому времени, когда вы добрались до таких пластинок, как "Tango In The Night" 1987 года, вас никогда не беспокоило, что Fleetwood Mac слишком далеко отошли от первоначального видения Питера?
Нет. Это странно, когда смотришь на это на бумаге. Но это происходило так постепенно, что у нас с Джоном не возникло ощущения, что мы что-то предаем или что-то нам нравится больше. Сказав это, я хочу сказать, что мне нравится все, что мы сделали. Но если бы вы действительно поставили меня в тупик и спросили: “Ты должен определиться – что для тебя было важнее всего?” Я бы сказал, что это был период общения с Питером Грином. И причина этого в том, что именно там я научился делать свое дело.

Вы позволили Биллу Клинтону использовать песню "Don't Stop" в ходе его президентской кампании в США в 1993 году.
Ну, они использовали ее, не спрашивая разрешения. Но он нам понравился, и песня стала национальным гимном. И до сих пор остается. Но мы этого не планировали. Мы вообще не имели к этому никакого отношения. Но мы не хотели в конечном итоге подавать на них в суд или что-то в этом роде. Мы пошли и сыграли на его вечеринке. Один из участников группы не проголосовал за него, но остальные проголосовали.

Последним студийным альбомом Fleetwood Mac был "Say You Will" 2003 года. Почему их нет больше?
Мы просто остановились. Кристин ушла. На тот момент все сводилось к тому, что группа развалилась. Может ли быть еще один альбом? Я думаю, что тысячу и один раз ответ всегда был бы ‘Да’. Я, конечно, хотел бы, чтобы это было так. Я думаю, что сейчас интересный период. Каждый занимается своим делом. Так что я не знаю. Но, глядя на состояние страны, или называйте как хотите Fleetwood Mac, я не испытываю ни угрызений совести, ни сожалений.
Если это закончится, я думаю, мы справимся, и оставим после себя много замечательной музыки. Группа есть. Мы не распались. Есть невероятно талантливые люди. Но время идет. Я не знаю, захочет ли Джон продолжать в том же духе. Но он уже делал это пару раз. Он скажет что-то вроде: “О, мне до смерти скучно...”

Как вы думаете, можно было бы лучше наладить отношения с Линдси в 2018 году, когда ему пришлось покинуть группу?
Нет, я действительно не понимаю. Я поддерживаю связь с Линдси, и у нас состоялся отличный разговор, и стало понятно, что, по сути, отношения как у Стиви, так и у него самого были настолько напряженными… это была действительно неприятная ситуация, и она не идет на пользу ни одному из них. Мы не могли продолжать. И в этот момент, поверьте мне, даже я подумал: “Между нами все кончено”. И это лучший способ описать это. Там было так много неизлечимого эмоционального наполнения.
Опять же, никто не был готов к тому, чтобы это продолжалось. Это было уже слишком. Вот и все. Одно можно сказать наверняка: работа Линдси с Fleetwood Mac безупречна, и она играет важную роль. По-своему, как и Питер Грин, он невероятно талантлив и вкладывает в это дело огромные силы. Кроме того, у каждого своя история. За исключением меня и Джона, нет никого, кто не покидал бы группу на протяжении многих лет. Линдси уходил примерно на двенадцать лет – и вернулся. Они все это делали.

Кажется, в вашей карьере было на удивление мало демонов.
В принципе, да, я так думаю. Я действительно не думаю, что я страдаю от того, что меня обвиняют в чем-то или я просто в отчаянии. Я думаю, что в моей личной жизни может быть небольшая доля безрассудства, особенно в личной жизни. Я немного сожалею о том, что моя неугасимая преданность делу отвлекла меня от того, что было мне близко, от отношений и времени, проведенного с партнерами. Но мне всегда нравилась жизнь, которой я живу, и я продолжаю любить ее до сих пор, со всеми взлетами и падениями. Итак, ответ таков: я все еще я, я все еще Мик, и вот мы здесь.

Почему для вас было так важно почтить память Питера трибьют-концертом?
Что ж, я действительно давно хотел это сделать. Но это то появлялось, то исчезало из поля зрения. Время шло, и я действительно чувствовал, что зарождение Fleetwood Mac потихоньку угасает. Потому что группа действительно сильно изменилась. Что касается The Stones, то, несмотря на некоторые изменения, во многом это по-прежнему the Rolling Stones, главные музыканты и энергия, стоящие за группой. Мы изменились настолько сильно, что, как мне казалось, зарождение этой группы было на грани того, чтобы незаметно кануть в лету.
Я хотел, чтобы люди знали, что те дни были действительно временем становления. Я хотел сделать это, чтобы действительно сказать: “Вот так все начиналось”. Так что я действительно счастлив, что мы смогли это осуществить. Если бы концерт состоялся на пять дней позже, этого бы не случилось. Музыканты даже не сели бы в самолет, летевший в Англию. И тогда, вероятно, этого бы никогда не случилось.

Фильм о концерте, должно быть, добавил остроты, учитывая, что Питер умер вскоре после этого в июле?
Да. Питер скончался очень внезапно, без каких-либо видимых проблем со здоровьем. Он скончался во сне, он не был болен или что-то в этом роде. Он просто ушел из жизни. Это было очень печально, но в то же время типично для Питера. У него совсем не было эго. Он знал, что я готовлю шоу. Он сказал: “О, это круто”. А я, как маленькая домашняя собачка, спросил: “Разве ты не в восторге?” Он просто пожелал нам удачи.

Была мысль, что он может появиться.
Мы приготовили ему место на случай, если он передумает. Всякий раз, когда я играю в Англии, я всегда говорю: “Ну, приходи, если хочешь, Питер”. И он приходил. Пару раз он приходил на концерты Fleetwood Mac на Уэмбли. Он не пришел на это шоу. Но ему не терпелось увидеть отснятый материал. К сожалению, этого не произошло.

Каково это было - снова оказаться на сцене с легендарным Gibson Les Paul в исполнении Питера?
Кирк Хэмметт купил гитару Питера около двух лет назад. Он живет в Гонолулу, поэтому на репетиции концерта он приехал сюда, на Мауи, и привез с собой гитару Питера Les Paul. Он использует ее как рабочую гитару, и это здорово. Мой племянник сказал: “Дядя Мик, меня только что осенило. Ты хоть понимаешь, что не выходил на сцену с этой гитарой больше пятидесяти лет?” И я воскликнул: “О черт!”
Это было так похоже на Питера, и гитара у него такая знаменитая, и тембр, как у Питера Грина. И, должен сказать, Кирк играл на полную катушку. На репетициях мы решили, что его исполнение "The Green Manalishi" с Билли Гиббонсом должно завершить шоу. После этой песни пути назад не будет, понимаешь?

Вы чувствуете себя семидесятилетним?
Нет. И я беспокоюсь об этом. Потому что в коридоре есть зеркало, и я смотрю на себя и говорю: “Черт”. Клянусь Богом, ты думаешь, что тебе около тридцати двух лет. И я думаю, что это может вызвать некоторое беспокойство. Потому что мне семьдесят три. Я здоров, на ощупь как дерево. Но это моя ментальная и эмоциональная часть. Я не буду называть их, но я знаю нескольких людей примерно моего возраста, и они похожи на детей. И я думаю, что я один из них.
Не все время. Но мне так комфортно общаться с людьми восемнадцати-девятнадцати лет от роду. Так что я думаю, что, возможно, в чем-то ошибаюсь, я очень молод душой. Я могу совершить переходный период, когда буду держать себя в руках. Но мне не нравятся те моменты, когда я себя сдерживаю. В целом я, наверное, чувствую себя так, будто мне около тридцати двух лет.

Что вы чувствуете, когда вспоминаете историю Fleetwood Mac?
Это экстремальная история. Мы могли бы разговаривать еще двадцать часов, и у нас бы все равно ничего не вышло. И если бы вы изложили это на бумаге, вы бы сказали: “Это неправда, этого просто не может быть”.

Это довольно необычно. Довольно необычно найти историю о такой группе, как эта, которая связана с партнерством, женщинами и трагедиями. Но, несмотря на все перипетии, это того стоило. И музыка звучит громко и отчетливо.
Мик Флитвуд и его друзья празднуют музыку Питера Грина.… Шоу будет выпущено на физческих носителях на лейбле BMG. Шоу также будет транслироваться по запросам.

«Теневое доверенное лицо» — Нил Эспинелл
TBS 2021

Среди поклонников Битлз по всему миру продолжаются споры о личности настоящего «Пятого битла». Однако, погружаясь в историю и эпоху Битлз, сложно выделить кого-то одного. Видите ли, Битлз были «великолепной четвёркой», и совершенно справедливо, но их успех разделяют и многие другие, кто помогал им на этом пути.
Тур-менеджер, ставший генеральным директором Apple Corp., Нил Эспинелл был вовлечен во все аспекты деятельности The Beatles и их восхождения к мировой славе. Вот его история...
Нил родился в Престатине в 1941 году и познакомился с Полом и Джорджем в Ливерпульском институте, городской гимназии для мальчиков. Хотя Джордж был на год младше их обоих, Нил помнит их первую встречу.
"Моя первая встреча с Джорджем произошла за школьным бомбоубежищем. Эта огромная копна взъерошенных волос показалась мне на глаза, и задыхающийся голос попросил меня быстро затянуться «Вудбайном». Это была одна из первых сигарет, которые мы выкурили. Мы храбро, но с радостью, выкурили её. После этого мы втроём вытворяли много нелепых вещей. К тому времени, как мы были готовы к экзаменам GCE, к нашей компании «Безумцев» присоединился Джон Леннон…"
– Нил Аспиналл
После школы Нил поступил на бухгалтерский учёт и два года проработал стажёром. Он увлекался музыкой и был членом кофейного клуба Casbah Coffee Club, которым управляла Мона Бест, где The Beatles, какими мы их знаем сегодня, сначала играли под названием The Quarrymen, а затем под названием The Silver Beatles с Питом Бестом на барабанах. Нил стал близким другом семьи Бестов и в конце концов снял комнату в их доме. Именно Пит Бест попросил Нила в 1961 году стать их гастрольным ассистентом, и с тех пор его отношения с The Beatles стали крепнуть.
В конце концов, Нил бросил учёбу и стал штатным тур-менеджером The Beatles. В это же время у него завязались романтические отношения с Моной Бест, и в 1962 году у них родился ребёнок. Когда Брайан Эпштейн уволил Пита Беста с поста барабанщика, Нил испытывал к нему огромную преданность и дал понять, что собирается уйти. Благодаря поддержке Пита и вере в успех The Beatles, Нил продолжил работать с ними, сохраняя при этом дружеские отношения.
По мере того, как The Beatles продолжали расти, и их команда увеличивалась, Нил стал скорее личным помощником группы, тесно сотрудничая с Брайаном Эпштейном. Он всегда оставался вне поля зрения камеры, сопровождая группу повсюду. Он был отличным другом, помогал им запоминать тексты песен, давал советы по отношениям и даже заменял во время репетиций, если кто-то болел, как это было во время репетиций шоу Эда Салливана, когда Джордж подхватил тонзиллит. Как отмечает биограф The Beatles Хантер Дэвис, он был одним из «платных приятелей», которым великолепная четвёрка доверяла безоговорочно.
Бухгалтерское образование Нила не пропало даром: в 1967 году ему предложили возглавить Apple Corps – должность, которую он официально занимал более 30 лет. На протяжении всех этих лет он играл ключевую роль в управлении многочисленными коммерческими интересами группы. В частности, он курировал различные судебные иски и, что особенно важно, продюсировал альбом "The Beatles Anthology", за который его друг Пит Бест наконец-то получил гонорар за то участие, когда он играл в первые годы существования группы.
Нил Аспинелл, к сожалению, скончался после борьбы с раком лёгких в 2008 году. У него остались жена Сьюзи Аспинелл, три дочери и два сына. Его помнят как ярого защитника наследия группы, всегда желавшего им добра. Будучи человеком, который был в курсе всех событий, он никогда не публиковал мемуаров, но его история запечатлена в выставке «История The Beatles» и будет открыта посетителям со всего мира.

"В начале дня мы были четырьмя отдельными парнями, а к концу вечера превратились в группу": Пол Роджерс о жизни с Free, Bad Company, The Firm и Queen

By Mark Blake ( Classic Rock ) 2023

Пол Роджерс оглядывается на свою жизнь, времена и сольную карьеру, размышляет о трагедии Пола Коссоффа и признается, что он обязан своей жизнью боевым искусствам
- Да-а-а!… ладно, ладно... Это выступление вне времени: Пол Роджерс с группой Free, выступающей сейчас на фестивале на острове Уайт летом 1970 года. Когда группа начинает играть рифф, Роджерс принимает позу, приподняв одно колено и протянув руку, как будто он собирается произнести один из сонетов Шекспира, а не "There she stood, in the street, smiling from her head to her feet’.
В тот день Роджерс пел не в один, а в два микрофона. Дублирование было вызвано требованиями звукорежиссера, но также усиливало его имидж человека, чей голос не мог быть услышан только одним микрофоном. Пол Роджерс породил тысячи подражателей, но человек с безупречной речью (которого его бывший коллега по группе Джимми Пейдж называет “Сэмом Куком рока”) - настоящий оригинал.
Родившийся 17 декабря 1949 года Роджерс был сыном докера из Мидлсбро, который проигнорировал совет своего отца “найти профессию” и вместо этого сбежал в Лондон, чтобы попытать счастья в музыкальном бизнесе. Роджерс воплотил свою любовь к Уилсону Пикетту, Отису Реддингу и Мадди Уотерсу в хитах "All Right Now" и "Wishing Well" вместе с блюз-рокерами Free.
Когда в 1973 году группа Free распалась, Роджерс сформировал Bad Company и покорил хит-парады радиостанций Америки песнями "Can't Get Enough", "Feel Like Makin’ Love" и "Rock'n'roll Fantasy". С тех пор он записал сольные альбомы и трибьют-альбомы, создал супергруппу The Firm с Джимми Пейджем и гастролировал по миру в качестве приглашенного вокалиста с Queen.
"Midnight Rose" - первый альбом Роджерса с 2000 года с совершенно новыми песнями, записанный с участниками его сольной группы, выпущенный на историческом лейбле Sun Records и спродюсированный Бобом Роком, основателем Bon Jovi и Metallica, и женой Роджерса Синтией Керелюк. “Да, она дает мне пинка под зад во всех отношениях”, - говорит ее муж.
Новые песни, такие как "Living It Up" и "Highway Robber", либо воспевают музыку юности Роджерса, либо отсылают к преступникам и головорезам эпохи Bad Company, но переосмыслены глазами их 73-летнего автора. Блистательный в голубой гавайской рубашке и бейсболке, Роджерс наслаждается классическим роком в тихом уголке своего дома в Британской Колумбии. “Я живу в долине Оканаган, но здесь достаточно английского языка, на мой вкус”, - говорит он.
В то время как 1970-е были эпохой излишеств и “размытия кулачных боев”, современный Роджерс излучает спокойствие, похожее на дзен, и очень много говорит о мире и любви. На самом деле, в некоторых его ответах “fucking” превращается в “effing”, даже если блеск в его глазах говорит о том, что в нем все еще слышны прежние нотки раздражения. Этот голос, конечно, знаком, как никогда.

Каково это - быть на легендарном Sun Records? Это что-то вроде воплощения подростковой мечты?
- Кто бы мог подумать? Когда я рос, это был дом Элвиса Пресли и всех других великих артистов. Хотя, по-моему, я никогда не предполагал, что окажусь на Sun Records.

Это ваш первый альбом с абсолютно новыми песнями со времен "Electric" 2000 года. Что вас задержало?
- У меня даже не было намерения записывать новый альбом. Но из-за Ковида все резко остановилось, и я был вынужден играть на акустической гитаре. Мне не оставалось ничего другого, как работать над материалом, который я наработал. Через некоторое время я сижу и думаю: “Интересно, смогу ли я пойти в студию...”

Некоторые из этих песен звучат как любовное письмо Америке.
- Если бы я не слушал американскую музыку – джаз, блюз, соул и рок–н-ролл, - моя жизнь сложилась бы совсем по-другому. Скорее всего, не было бы ни Free, ни Bad Company. Я многим обязан уникальным музыкантам, создавшим эту музыку.

Вы записали "Straight Shooter" с Bad Company, теперь здесь есть песня под названием "Photo Shooter".
- Речь идет о самых разных местах, в которых оказываются фотографы, от модных показов до зон военных действий, а также о местах и пространствах, находящихся между ними. Все это время мы соревнуемся за место на первой полосе. Я сравниваю это с тем, какой может быть жизнь: всегда стремиться быть лучшим, и мне интересно: “Какое это имеет значение?

Давайте вернемся в 1960-е годы. Ваша подростковая группа The Roadrunners переехала с северо-востока в Северный Лондон, и вы все жили вместе. Насколько все было плохо?
- Мы были Roadrunners, но стали Wildflowers [в 1967 году], и нас познакомили с барабанщиком по имени Энди, чьи родители были в отпуске и позволили нам пожить у них. Мы были четырьмя подростками, оставшимися без присмотра, и мы съели все, что было в холодильнике и превратили квартиру в руины. Но Косс [Коссофф, будущий гитарист группы Free] жил за углом и пришел к нам попеть.

Какими были ваши первые впечатления о Поле Коссоффе?
- Мне нравился стиль Косса. Его игра и его юмор. И я восхищался им, потому что у него были самые длинные и красивые волосы – как львиная грива. Еще у него были расклешенные джинсы Levi's, которые нельзя было купить в магазинах. Он каждый раз покупал две пары джинсов Levi's и вырезал у одной из них боковые стороны, чтобы сделать букву "V". Я такой: “Вау, это так круто”.

Wildflowers разошлись, но вы остались в Лондоне. Вы старались больше, чем другие?
- То, что я остался, укрепило наши с Коссом отношения. Когда другие Wildflowers вернулись в Мидлсбро или сделали что-то еще, я остался один с кучей сломанного оборудования. Мне нужно было, так сказать, перезагрузить свою карьеру. У меня было четыре микрофона Shure SM57. Я продал три, оставил себе один и купил себе 50-ваттный усилитель Selmer. Так, я вернулся к бизнесу.

Что произошло дальше?
- Я присоединился к блюзовой группе Brown Sugar и играл в пабе, когда появился Косс и попросил сыграть джем. Он хотел, чтобы я присоединился к его группе [Black Cat Bones], но я хотел, чтобы мы создали новую группу.

Перенесите нас на первый совместный джем Free: 19 апреля 1968 года, в The Nag's Head в Баттерси.
- Там я впервые встретил [басиста] Энди Фрейзера и Кирки [барабанщика Саймона Кирка]. Энди нам порекомендовал Алексис Корнер [наставник Роджерса, британский блюзмен]. Мы просто играли блюз, потому что каждый мог сразу сыграть его. В середине дня мы исполняли "Moonshine", одну из песен, которые мы с Коссом написали вместе, и как раз в тот момент, когда она начинается, [поет] “I-I-I-I-I-I sit here alone", вошел Алексис, сел и сказал: "Ты звучишь как будто вы теперь группа”. В начале дня мы были четырьмя отдельными парнями, а к концу вечера превратились в одну группу.

Это правда, что Island Records, которые подписали контракт с новой группой, хотели назвать вас the Heavy Metal Kids?
- Да. Алексис сказал нам, что раньше у него была группа под названием Free At Last, так что нам понравилась идея ‘Free’. Затем, перед тем как мы подписали контракт с Island Records, они сказали, что хотят назвать нас the Heavy Metal Kids. Я сказал: “Ни за что на свете мы не станем этого делать”, даже если это будет означать потерю контракта. Энди записал названия и разложил их рядышком на каминной полке, чтобы посмотреть, какое из них лучше всего смотрится. Мы все переглянулись и подумали: “Это должно быть "Free", не так ли?”

В те ранние годы Free не останавливались, и в 1969 году вы выпустили два альбома, "Tons Of Sobs" и "Free", с разницей в семь месяцев.
- Знаете, я даже не осознавал, что записываю два альбома за год. Это то, что мы сделали? Название "Tons Of Sobs" было идеей [продюсера] Гая Стивенса. Гай был замечательным сумасшедшим. Мы записывали альбом во время гастролей: отыграли четыре или пять концертов, а затем остановились и поработали над альбомом пару дней. Но в студии было так много народу, что снаружи сидела другая группа, а исполнитель на конгах постукивал по стеклу, ожидая, когда он войдет.

Сингл Free "All Right Now" достиг второго места в Великобритании в мае 1970 года и до сих пор регулярно крутится на радио. Но Энди Фрейзер сказал, что ему никогда не нравилась единственная правка этого трека, сделанная боссом и продюсером Island Крисом Блэкуэллом. Как вы к этому отнеслись?
- Я плыл по течению. Я был не против сократить ее, потому что мы хотели приспособиться к радио и телевидению, при условии, что это не нарушит целостность песни. Но мы настояли на том, чтобы сохранить более длинную версию на альбоме. Однако я помню, как (ТВ шоу) Top Of The Pops отправили команду в студию, потому что, когда я спел: "‘Let’s move before they raise the parking rate", они были убеждены, что я действительно пел: "‘Let’s move before they raise the effing rate’ [смеется]. Инженерам пришлось записать все треки, так что их убедил только вокал.

После выхода "All Right Now" и третьего альбома "Fire And Water" аудитория Free изменилась. Как вы отнеслись к тому, что вы больше не андеграундная блюзовая группа?
- У нас всегда были отличные слушатели. Но, честно говоря, с этого начался спад. Мы стремились к успеху, как и все группы, и вдруг он у нас появился, и... это было не так уж здорово. Было приятно быть андеграундной группой, незаметной. Думаю, мне это очень нравилось.

Free распались в мае 1971 года, но воссоединились в январе 1972-го. О чем вы думали в то время?
- Я не хотел, чтобы мы становились поп-группой. Именно этого хотела от нас звукозаписывающая компания. Free гастролировали по Америке с Blind Faith, и это было действительно тяжело, потому что мы были такими незначительными, и нас постоянно пинали. Мы очень страдали, потому что у нас не было правильного менеджмента. Я всем говорил, что не хочу возвращаться в Америку, пока у нас не будет правильного менеджмента и мы не будем готовы. Но они все равно забронировали Америку, и тогда я ушел. В то время я думал, что все, между нами все кончено.

Говорят, что Пол Коссофф тяжело воспринял расставание. Это правда?
- Он так и сделал, и я чувствую некоторую ответственность за это, потому что его состояние очень резко ухудшилось после произвольной программы. Я основал другую группу под названием Peace, где пел и играл на гитаре с барабанщиком Миком Андервудом и басистом Стюартом Макдональдом. Мы гастролировали с Mott The Hoople, где я познакомился с [будущим гитаристом Bad Company] Миком Ральфсом, а остальное уже история.

Именно тогда у вас с Ральфсом возникла идея создать Bad Company?
- Да. Перед выступлениями нас с Миком тянуло друг к другу, и мы шли в комнату настройки со всеми усилителями и гитарами. У меня была песня "Rock Steady", а у Мика - "Ready For Love" и "Can't Get Enough Of Your Love". Я думал, в "Ready For Love" есть все – текст, припев, сюжетная линия… Он уже делал это с Mott The Hoople, но я сказал, что это не имеет значения, давай сделаем это снова.

Но до этого Free воссоединились, и их хит "Wishing Well" попал в десятку лучших.
- Значит, это был еще не конец. У нас был успех с "Wishing Well", но в тот момент Косс сильно пострадал. Он принимал наркотики в студии и заснул посреди сольного выступления. Боже, мы не могли с этим справиться. Мы старались, мы действительно старались. Я помню, как играл на концерте в Ньюкасле, а он подошел к своему усилителю и не смог найти выключатель. Я подумал: “О боже, что же он принял?” Фанаты говорили: “Давай, Косс, ты можешь это сделать”. Но это была настоящая борьба. В конце концов я подумал: “Я должен покончить с этим”, что я и сделал.

Что вы имели в виду под Bad Company?
- Мик Ральфс приехал ко мне в загородный коттедж, и я подумал, что мы соберем группу, а он подумал, что мы будем дуэтом, как братья Эверли [смеется]. Забавно, как группы могут собираться вместе и не понимать друг друга.

Были ли уже задействованы Саймон Кирк и (бывший вокалист/басист King Crimson) Боз Баррелл?
- Я не взял с собой Кирки из Free. Потом он позвонил в коттедж и спросил, можно ли ему приехать, потому что у нас не было барабанщика. Все прошло хорошо. Мы хотели, чтобы Алан Спеннер сыграл на бас-гитаре, потому что видели его с Джо Кокером в фильме "Woodstock". Алан был великолепен, но появился на три дня позже, просто забрел в паб. Мы сказали: “О, мы разочаровались в тебе”. Он ответил: “О, я хочу этого”. Мы сказали: “О, мы так не думаем”. Это позор.

Я слышал, вы не были уверены насчет Боза Баррелла.
- Мик любил Боза, но я был немного не в восторге от Боза, даже годы спустя. Но когда мы записывали песню "Bad Company", он играл на бас–гитаре - а вам нужен басист, который бы еще и немного играл на гитаре. После Free мне больше всего понравилось то, что у меня была по-настоящему крутая, сплоченная группа, которая смогла добиться успеха.

Как получилось, что менеджером Bad Company стал Питер Грант (менеджер Led Zeppelin) ?
- Клайв Коулсон (который стал гастрольным и повседневным менеджером Bad Co) работал с Free до того, как присоединился к команде Zeppelin. Клайв сказал: “Позвони Питеру Гранту, он заинтересован”. Питер обычно называл Клайва (зажимает нос и гнусавит, как Питер Грант) "Клайви". Но Питер был великолепен. Все было на пять звезд, и обо всем позаботились. По правде говоря, мы были ужасно избалованы.

В 1974 году Bad Company дебютировали в США на разогреве у Edgar Winter Group, ведя себя как звезды покрупнее, чем хедлайнеры, летая между штатами на частном самолете и приезжая на концерты в лимузинах.
- О да [смеется]. Нас словно катапультировало в Америку, и Питер Грант поставил нас на уровень Led Zeppelin в плане самолетов и лимузинов. Мы сразу же отправились на концертные площадки.

Таким образом, вы смогли сделать с Bad Company то, чего не смогли бы сделать с Free в Америке.
- Америка всегда принимала эволюцию вещей - групп, компаний, людей. Они очень спокойно относились к Bad Company, потому что у нас были все возможности. Но я знал, что нам нужно и в Америке, потому что наблюдал за Blind Faith со стороны сцены и видел, как Джинджер Бейкер запустил ногой в затылок полицейскому, затем поднял другую и продолжил [смеется]. Питер и Led Zeppelin добились всего – и американской сцены, и всего связанного с этим бизнеса, – и мы извлекли из этого выгоду.

Первые три альбома Bad Company – "Bad Company", "Straight Shooter" и "Run With The Pack" – стали хитами в Великобритании и США. Но вы когда-нибудь беспокоились о том, что находитесь в тени Zeppelin?
- Нет. Честно говоря, у меня не было проблем с тем, чтобы попасть на Swan Song [лейбл Led Zeppelin]. Я думал, что это абсолютно идеально. Время от времени я заходил в офис Swan Song, расположенный на Кингз-роуд, напротив паба World’s End, и сталкивался с Джимми [Пейджем] и Робертом [Плантом].

В то время у вас с Робертом Плантом были отношения как с чванливым фронтменом, богом рока, Пэтом.
- Ха-ха. В нем было много чванства. Роберт был хорошим парнем. Zeppelin были настоящими богами. Они были такими большими, что это казалось астрономическим, но они были очень практичными и добрыми к нам.

Роберт Плант вертел задницей больше, чем вы, вы ведете себя очень скромно.
- Что ж, спасибо, приятно, что ты это говоришь. Я просто копировал таких людей, как Отис Реддинг, Рэй Чарльз – мне очень понравился альбом Рэя Чарльза "Crying Time", Уилсона Пикетта, Стиви Мэрриотта и Рода Стюарта. На самом деле, Род Стюарт с группой Джеффа Бека записали "Rock My Plimsoul" на альбоме "Truth".

После такого позитивного старта, что же пошло не так с Bad Company?
- Для записи четвертого альбома, "Burnin’ Sky" [1977], мы сразу после тура, где исполняли свои хиты, отправились в студию. Мы были не готовы, у нас не было нужных песен. Мы с Миком решили, что если у нас не получится достаточно хороший альбом, то мы даже не будем его выпускать.

Что случилось?
- Мы записывались во Франции [в студии Château d'Herouville, известной как "Honky Chateau"]. Мы работали в течение недели, но брали выходные, и я отправлялся в Париж и останавливался в отеле. Я подумал, что если мы заработаем столько денег, то я остановлюсь где-нибудь в хорошем месте, потому что в студии было немного неуютно. У меня был только припев для заглавного трека – “The sky is burnin’, I believe my soul’s on fire”, – но однажды на выходных я написал куплеты и аккорды, вернулся в студию и сказал: "Ладно, у меня есть одна". Они включили красный свет, а у меня вообще не было текста, и я просто сочинил его на месте. Но, как оказалось, песня получилась хорошей.

Вы всерьез думали о том, чтобы не выпускать альбом?
- Нет, это само собой разумеющееся. Звукозаписывающая компания и менеджмент не позволили бы нам не выпустить его. Но наша энергия была не такой, какой должна была быть. Все шло своим чередом, и мы просто продвигались вперед. Мы всегда продвигались вперед.

А на обложке альбома вы изображены в форме каратиста?
- На самом деле, это хаппи (традиционное японское пальто), похожее на халат. Мне просто понравилось, как оно выглядит. Но Питеру Гранту это совсем не понравилось. Полагаю, все было по-другому.

Но в то время вы занимались боевыми искусствами.
- Конечно. Я занимался вадо-рю [стиль каратэ], что означает "путь мира". Сузуки-сенсей был замечательным парнем, и я многому у него научился.

Вы также занимались боксом. Правда ли, что вы спарринговали с будущим чемпионом мира в супертяжелом весе Корнелиусом Боза-Эдвардсом?
- Да, и с [чемпионом Великобритании по боксу] Джон Конте. Я бывало ездил в спортзал в Восточном Лондоне. Он принадлежал отцу нашего охранника. Все, что я помню о спаррингах, - это череду кулачных боев. Эти парни такие быстрые, что вы даже не успеваете этого заметить. Вы, наверное, думаете: “Я сейчас убегу, потому что я ни за что не смогу с этим справиться”.

На дворе были 1970-е, музыкальный бизнес был наводнен выпивкой и кокаином, так был ли вадо-рю вашей здоровой альтернативой?
- Да. И я делал все вышеперечисленное. Много кокаина, много выпивки, просто много всего. Сузуки-сенсей привил мне чувство дисциплины, и я перестал принимать кокаин. Вот почему я все еще жив по сей день. Я думаю, что "Burning Sky" был последним разом, когда я пробовал кокаин. Но потом мне часто снились кошмары, в которых мне снилось, что я снова его принимаю.

Такая перемена образа жизни, должно быть, потребовала определенной дисциплины, которую я должен был поддерживать во время гастролей.
- Да. Я брал с собой в дорогу одного из своих учителей каратэ. Мы обычно выносили мебель из гостиничного номера, чтобы у нас было больше места. У меня это никогда не получалось, но я научился дисциплине, медитации и важности растяжки.

Не вбило ли ваше воздержание клин между вами и остальными Bad Company?
- Да. На самом деле это было началом конца, потому что они все еще делали это. Я не знаю, может быть, я говорю не к месту… Но я обычно говорил им: “Меня не волнует, что вы делаете. Меня волнует только то, что я делаю. Мое спокойствие - это мое дело, ваше спокойствие - это ваше дело. Меня это устраивает”. Но они делали это тайком. Я бы сказал: “Ребята, вам не обязательно прятаться”. Но это разделило нас.

Следующий альбом Bad Company, "Desolation Angels", был больше, чем "Burning’ Sky", но в Великобритании появился панк. Вы знали, что музыка меняется?
- Да. В тот момент мы стали динозаврами в глазах многих людей, и нам это совсем не нравилось. Я помню рецензию на сингл [1979 года] "Rock'N'Roll Fantasy", которая начиналась словами: “Гроб открывается… и на свет появляется эта музыка”. Я подумал: “Боже мой”. Но я до сих пор исполняю "Rock'N'Roll Fantasy" со своей группой.

Вы расстались с Bad Company после выхода в 1982 году "Rough Diamonds" и записали сольный альбом "Cut Loose". На что вы надеялись в то время?
- Я отказался от гастролей с Bad Company, потому что их становилось слишком много. Когда Джон Бонэм умер [в сентябре 1980 года], я подумал, что и с нами что-то случится. Люди умирали, и умирали такими молодыми, потому что переусердствовали. Поэтому я решил записать альбом в студии у себя дома, в одиночку, но не выезжать на гастроли.

Джимми Пейдж говорит, что, когда вы с ним основывали The Firm в 1984 году, вы никогда не собирались выпустить вместе больше двух альбомов.
- Совершенно верно. Но случилось так, что Джимми подошел и спросил: “Что ты задумал?” Я сыграл ему несколько песен. И мы начали писать песни вместе. Но как только вы начинаете писать песни вместе, это становится ядром группы.

Что вы думаете об этих альбомах, "The Firm" (1985) и "Mean Business" (1986), сейчас?
- [Долгая пауза] Я уже некоторое время не слушал The Firm, но, думаю, из этого вышло несколько хороших вещей – "Midnight Moonlight", "Radioactive", "Satisfaction Guaranteed", которые я долгое время играл со своей сольной группой.

В 1990-х годах вы возобновили свою сольную карьеру, один из ваших альбомов был номинирован на "Грэмми" как трибьют блюзу Мадди Уотерса, вы снова гастролировали с Bad Company... а затем в 2005 году удивили всех, присоединившись к Queen.
- Это был очень интересный опыт [смеется]. В семидесятые годы Bad Company и Queen были как бы отдельными группами. Я думал, что между ними нет никакой связи. Затем, когда мы играли вместе и записали песню "We Will Rock You"и "We Are The Champions", я понял, что между нами есть связь. Это был классический рок.

Перед тем, как выступить на первом концерте Queen + Paul Rodgers, вы сказали одному интервьюеру, что не будете выходить на сцену в трико, как Фредди Меркьюри.
- Ха. И я этого не делал!

Queen и Пол Роджерс гастролировали по миру, выступали на различных аренах и даже записали альбом ("The Cosmos Rocks", 2008). Как вы теперь оцениваете это сотрудничество?
- Это было хорошее время. Но, начнем с того, что Брайан [Мэй] и Роджер [Тейлор] хотели записать гораздо больше песен в стиле Free и Bad Company, потому что они были большими фанатами. Я сказал: “Послушайте, мир ждал вас и ваших песен, так что давайте оставим их в стиле Queen”. Так что мы исполнили только несколько моих песен: "All Right Now", "Feel Like Makin’ Love" и "Bad Company" – а когда Queen выступают в "Bad Company", они знают, как устроить шоу.

Каким образом?
- Раньше мы играли в Bad Company, где было много дыма и огней, а я сидел за пианино, которое торчало на возвышении из–под сцены - все это было очень драматично. Однажды вечером я играл в гостях и понял, что пианино не достает до верха сцены. Вместо этого Брайан упал в яму и приземлился на крышку рояля, но как солдат, с целым грифом гитары, который все еще был настроен. Роуди спрыгнули в яму и вытащили Брайана. Я сидел и думал: “Что, черт возьми, мне теперь делать?”

Что вы думаете об Адаме Ламберте?
- Я не слишком внимательно к нему присматривался, но из того, что я видел, я думаю, что они хорошая пара. Я думаю, он тот, кто им нужен. Когда я стал частью Queen, я очень уважал Фредди, но когда я ушел, то почувствовал еще большее уважение, потому что теперь я знаю, через что ему пришлось пройти.

Боз Баррелл умер в 2006 году, а Мик Ральфс перенес инсульт, изменивший его жизнь в 2016 году. Вы все еще поддерживаете связь с Миком?
- Мы стараемся ухаживать за Миком на расстоянии, через Атлантику. Мы делаем все, что в наших силах. Я люблю Мика, он прекрасный парень.

Вы могли бы представить себя снова отправляющимся в турне?
- У меня нет никаких планов. Я вроде как отошел от гастролей. И я не возражал против того, чтобы сидеть взаперти, потому что это давало мне возможность спать в своей постели. Три вещи, которые мне не нравятся в гастролях: недосып, недостаток чистого кислорода, потому что в гостиничном номере или самолете нет воздуха, и недостаток питания, потому что приходится есть то, что есть, например, пиццу в четыре часа утра. Теперь, наконец, я обрел покой [смеется].

Кажется, теперь это главная тема в вашей жизни и музыке.
- На новом альбоме есть песня “Living It Up”, и это длинная трехминутная история о том, как я был дома и искал три вещи: свою любовь к блюзу, соулу и, конечно, рок-н-роллу, а также "спасибо" странам, которые подарили мне это. мне нужно было все это пережить и обрести душевный покой.

Окружение The Beatles: Норман Смит
TBS 2021

Норман «Нормал» Смит был звукорежиссёром на всех студийных записях The Beatles на EMI до осени 1965 года, когда он был повышен с должности звукорежиссёра до продюсера. Группа ласково называла его «Нормал», намекая на его неторопливый, спокойный и обаятельный характер. Последним записанным им альбомом был «Rubber Soul», и за свою карьеру Норман работал звукорежиссёром почти над сотней песен «Великолепной четвёрки».
Норман, родившийся в Мидлсексе, Англия, во время Второй мировой войны служил пилотом планера в Королевских ВВС. После непродолжительной карьеры джазового музыканта он присоединился к EMI в качестве стажёра-звукорежиссёра в 1959 году, в возрасте 36 лет.
Норман был дежурным звукорежиссёром, когда The Beatles впервые пришли в студию EMI для звукового теста в 1962 году. Согласно политике компании, он мог оставаться с группой на протяжении всего выступления. Это привело к тому, что The Beatles и Норман вскоре подружились, хотя всё началось не так гладко.
В интервью журналу Recording the Beatles, полному студийному сборнику записей группы, составленному Брайаном Кью и Кевином Райаном, Норман отметил: «Первое впечатление о группе, когда мы пришли в студию, было не очень хорошим. Я имею в виду: „Вот ещё одна разношёрстная группа“. Но должен сказать, что меня покорили их причёски, потому что мы никогда не видели ничего подобного».
Работая с продюсером Джорджем Мартином, Норман смог тщательно подобрать оборудование и техники для записи отдельных звуков в студии перед их преобразованием в готовую запись. Это помогло The Beatles добиться более уникального звучания, отличающегося от того, что обычно можно услышать в плейлистах популярных радиостанций.
Интересно, что Норман выстраивал The Beatles в студии так, как будто они играли вживую. Другие звукорежиссёры всегда использовали экраны, чтобы обеспечить хорошее разделение микрофонов, но Норман хотел, чтобы они выглядели так, как они выглядели, в соответствии с их манерой и подходом к работе.
Несмотря на предупреждения руководства Abbey Road, он убрал все экраны, и The Beatles выступили так же, как и на сцене. Хотя разделение микрофонов было не очень хорошим, оно всё же внесло свой вклад в общее «мерси-звучание».
Песня оказалась популярной, и Норману стали звонить и писать из Америки, спрашивая, как ему удалось записать такой уникальный звук на пленку.
Подход Нормана оказался успешным: с 1962 по начало 1966 года появилось множество хитов, в том числе «Help!», «A Hard Day's Night» и «We Can Work It Out»
Позже, в начале 1970-х годов, он сам оказался в центре внимания, достигнув 3-го места в американском чарте Billboard с песней «Oh Babe, What Would You Say», исполненной под псевдонимом Hurricane Smith.
Норман был страстным автором песен, и одна из его песен чуть не попала в сборник «Help!» Марка Льюисона «The Complete Beatles Recording Sessions». Норман сказал:
«Я писал песни с самого детства, и в 1965 году написал одну, думая о Джоне Ленноне. Альбом "Help!" подходил к концу, и им нужна была ещё одна песня. Мы с Джорджем Мартином были в аппаратной, ждали, пока они определятся, и я сказал: «Я знаю, они всё это уже слышали, но у меня как раз есть одна песня в кармане». Джордж ответил: «Включайся на связь и расскажи им». Но я слишком нервничал, поэтому Джордж крикнул: «Пол, ты можешь подняться? У Нормана есть для тебя песня». Пол выглядел потрясённым. «Правда, Нормал?» — это было одно из их прозвищ для меня. — «Да, правда». Мы пошли в студию три, я сел за пианино и наиграл песню. Он сказал: «Это очень здорово, я прямо слышу, как Джон это поёт!» Мы подняли Джона, он услышал и сказал: «Это здорово. Мы сделаем это». Пол попросил меня сделать демо-версию, чтобы все могли её выучить. Дик Джеймс, музыкальный издатель, был там всё это время, и перед тем, как мы разошлись по домам, он предложил мне 15 000 фунтов стерлингов за полную покупку песни. Я не мог говорить, но посмотрел на Джорджа, и его взгляд метнулся к потолку, словно говоря: «Проси ещё». Поэтому я сказал: «Слушай, Дик, я поговорю с тобой об этом завтра».
Я записал демо, но на следующий день The Beatles пришли, выглядя немного смущёнными, с вытянутыми лицами. «Привет, Норм». Я подумал: «Хм, они не так воодушевлены, как я, что случилось?» И конечно же, Пол и Джон позвали меня в студию и сказали: «Слушай, нам определённо нравится твоя песня, но мы поняли, что у Ринго нет вокала на пластинке, а он должен быть. Мы запишем твою в другой раз, а?» Мои 15 000 фунтов стерлингов улетели в мгновение ока. К следующему альбому они так продвинулись, что моя песня даже не рассматривалась».
В начале 1967 года Норман начал работать с новой группой Pink Floyd, записав их первый, второй и четвёртый студийные альбомы. В 2007 году он также опубликовал автобиографию под названием «Джон Леннон назвал меня «Нормал». Он умер от рака в 2008 году в Восточном Суссексе, Англия.

Интервью с сэром Родом Стюартом

Род Стюарт выступил перед своим туром, рассказав нам о том, как он продолжает работать после 60 лет работы в этом бизнесе…

Не хочу показаться невежливым, упоминая ваш возраст, но в свои 74 года вы, очевидно, все еще не собираетесь уходить на пенсию или немного отступать, как многие ваши сверстники. Что заставляет вас продолжать в том же духе?
Вовсе нет – я горжусь своим возрастом… И большинство моих сверстников умерли, а не вышли на пенсию. Мне это нравится, вот к чему это приводит. Я уверен, что придет время выйти на пенсию, и я уже ближе к этому, чем был много лет назад. Выход на пенсию - не самое приятное слово. Люди всегда говорят о том, что "с нетерпением ждут выхода на пенсию", но для меня это ужасная мысль. Мне повезло, что у меня блестящая работа, которую я люблю, и пока она мне нравится и люди толпами приходят на концерты, я буду продолжать. У меня есть тренер, и я занимаюсь три раза в неделю. Я много играю в бильярд, играю в футбол со своими мальчиками, занимаюсь греблей, и это, по сути, все. Я всегда сравниваю это с футболом, в который я играл всю свою жизнь, это отвратительная игра, если ты не в форме, и все бегут мимо тебя, оставляя позади. Но если вы продолжаете в том же духе, то это прекрасно.

Вы когда-нибудь представляли, что спустя столько времени у вас все еще будут распродаваться арены и футбольные стадионы?
Когда я только пришел в этот бизнес, я подумал: “Я буду счастлив, если это продлится пару месяцев”. Хотя я не знаю, в чем секрет того, что я все еще здесь. Может быть, у меня хорошее шоу, выразительный голос, армия песен и несколько очень преданных поклонников, и пока люди все еще хотят их слышать, я буду с ними.

Сесть за сочинение и запись новой музыки в студии - это одно, но в этом году у вас плотный график гастролей. Как вы к этому готовитесь и чего фэны могут ожидать от нового шоу?
Полная куча перевернутого мусора… (громко смеется). Я могу только делать то, что делаю, - спеть коллекцию замечательных песен: новые, старые, несколько сюрпризов, и получится совершенно новый визуальный ряд. Я не собираюсь снимать брюки, не в этот раз, может быть, когда я совсем отчаюсь, я это сделаю. Когда ты забываешь надеть брюки, может быть, самое время это сделать.

Тур включает в себя закрытые и открытые площадки – какие из них вы предпочитаете и чем они отличаются с вашей точки зрения как исполнителя?
Всегда приятно, когда выдается солнечный вечер, когда на дворе выходные и публика собирается выпить и посмеяться, но у меня нет особых предпочтений. И, честно говоря, разницы нет, мы проверяем звук и настраиваем его в соответствии с местом проведения. Кроме того, единственное, что нужно сделать, – это начать работу при дневном свете или в сумерках и пройти волшебную фазу с наступлением темноты - тогда начинается по-настоящему интересное.

С каждым новым альбомом у вас появляется еще около 10 треков, которые вы можете включить в свой сет-лист. Как вы решаете, что включить, и, возможно, что еще сложнее, как вы решаете, какие треки исключить?
По опыту мы знаем, что есть определенные песни, которые люди, конечно, любят слушать. Но мне нравится приводить песни из "давних времен", и их будет немало, возможно, две из "Blood Red Roses" и пара из двух альбомов, выпущенных до "That Time" и "Another Country". Люди хотят услышать песни типа "I Don't Wanna Talk About It", и это удерживает их в шоу. И на самом деле мы не бросаем треки, мы меняем программу каждый вечер; из сет-листа, состоящего примерно из 20 песен, например, 15-й трек, каждый вечер мы будем менять его и решать, каким он будет, чтобы у каждой публики было немного другое шоу. Это заставляет группу быть в тонусе, и меня – в тонусе! Это большая группа, шесть девушек и шесть мужчин, и они очень веселые, хорошо, когда вокруг молодежь.

Последний альбом, "Blood Red Roses", был написан для ваших "друзей", и вы говорили о том, что он больше подходит для вашего возраста. Такие песни, как "Do Ya Think I'm Sexy" или "Hot Legs", по-прежнему звучат на концертах? Это классика, которую люди все еще любят слушать, неужели настанет время, когда вы не будете ее включать?
Нет. "Hot Legs" звучит не всегда, но "Do Ya Think I'm Sexy" – людям нравится. В том-то и дело, что музыка напоминает вам о прекрасном периоде вашей жизни. Мне нравятся The Temptations и Сэм Кук, и я помню, где я был, когда услышал эти песни, и в этом прелесть музыки и воспоминаний о тех моментах.

В последние годы, после выхода серии альбомов "American Songbook" вы вернулись к написанию музыки. Что побудило вас к этому? И что же будет дальше…
Я написал свою книгу "Rod: The Autobiography", и это пробудило во мне осознание того, что у меня еще есть истории, которые я могу рассказать, о моем раннем детстве, о моем отце, и эта книга подтолкнула меня к написанию, она вернулась ко мне. Я думал, что это ушло и оставило меня, но на самом деле это не так, это не физическая вещь, просто нужно подумать об этом. Я снова объединился с Кевином Савигаром, моим нынешним соавтором сценария и продюсером, и он снова разбудил во мне это чувство.

"Blood Red Roses" стал вашим 30-м студийным альбомом. Что придает ему свежести и заставляет тебя возвращаться в студию?
Был момент, когда я не хотел идти в студию. Я не мог смириться с мыслью о том, что придется идти в темное студийное пространство. Но, опять же, именно Кевин вернул меня к жизни, он стал моим сопродюсером, и мы начали работать над этим на наших компьютерах. Он писал мелодию, присылал ее мне, я "ла-ди-диддли-дах" над ней и отправлял обратно. Мы бы добавили драм-машины или что-то еще, посмотрели, как это звучит, а потом, если бы почувствовали, что для этого нужен барабанщик, мы бы наняли барабанщика и украсили его настоящими музыкантами… И все это время я бы наслаждался дневным светом и свежим воздухом. Я не думаю, что поддаюсь на уговоры, может быть, немного увлекаюсь диско и "Do Ya Think I'm Sexy", но в основном я следовал своим инстинктам и рад видеть перемены в индустрии, и она немного развивается. Рок-н-ролл - это такая невинная форма музыки, в которой снова и снова используются одни и те же аккорды и темы, но она остается свежей.

Очевидно, что технологии повлияли на то, как вы работаете как музыкант. Какие еще изменения в индустрии повлияли на вашу карьеру?
Синглы сейчас не так важны из–за стриминга - музыка стала доступной, она так быстро распространяется. Но на меня это не влияет, мои поклонники немного старше и по-прежнему покупают компакт-диски, а не стриминг. Последний альбом занял первое место в британском чарте, и это было самое приятное ощущение; мы очень обрадовались, когда узнали об этом. У меня была отличная карьера, и я не могу желать большего.

Окружение The Beatles: Дик Джеймс

TBS 2021

Дик Джеймс — противоречивая фигура в истории «Великолепной четверки»; деловые отношения The Beatles с Диком Джеймсом в конечном итоге лишили Джона Леннона и Пола Маккартни пра на свои собственные песни.

Сын польских еврейских иммигрантов, Дик родился под именем Реджинальд Леон Исаак Вапник в декабре 1920 года в Лондоне.
После Второй мировой войны Дик добился определённого успеха как артист с оркестром Сирила Стэплтона, а в 1955 году выпустил несколько британских хитов с вокальной группой The Stargazers. Он также написал запоминающийся детский хит Макса Байгрейвса «I'm A Pink Toothbrush, I'm A Blue Toothbrush» , а в 1956 году подписал контракт с Джорджем Мартином на лейбле Parlophone. Джордж Мартин спродюсировал самый большой хит Дика — музыкальную тему для британского телесериала 1950-х годов «Приключения Робин Гуда» .
Когда его певческая карьера пошла на спад, Дик занялся издательским бизнесом в сфере музыки и в 1961 году основал компанию Dick James Music. Спустя пару лет с ним связался Брайан Эпштейн по рекомендации Джорджа Мартина, который искал издателя для «Please Please Me».
Дик положительно отреагировал на альбом "Please Please Me", но во время первой встречи Дика и Брайана последний спросил, что он может сделать для The Beatles такого, чего не смог сделать отдел по связям с общественностью EMI. Дик тут же позвонил Филипу Джонсу, продюсеру популярного шоу Thank Your Lucky Stars, который согласился впервые дать выступить The Beatles на национальном телевидении. Этого оказалось достаточно, чтобы заключить сделку.
Дик предложил им с Брайаном основать новую компанию — Northern Songs. Именно это название появилось на втором сингле The Beatles «Please Please Me» и во всех последующих хитах Леннона и Маккартни.
Первоначальный акционерный капитал Northern Songs составлял 100 фунтов стерлингов акциями номиналом 1 фунт стерлингов. Дик Джеймс получил 25% акций, как и его бухгалтер и финансовый партнёр Чарльз Сильвер. Джон и Пол получили по 20%, а Брайан — 10%. Администрирование Northern Songs осуществляла компания Dick James Music под руководством Брайана Эпштейна и Дика Джеймса.
Внешне сделка казалась справедливой, но у Дика и Чарльза было на одну долю больше, чем у Джона, Пола и Брайана. Это имело дорогостоящие последствия в последующие годы.
Когда «великолепная четверка» основала собственную компанию — Apple, они весьма пренебрежительно отнеслись к работе Дика Джеймса, а когда стало ясно, что дни The Beatles сочтены, он продал свои акции Northern Songs, не посоветовавшись ни с Джоном Ленноном, ни с Полом Маккартни, в результате чего эта парочка потеряла контроль над собственными композициями.
Дик Джеймс получил от этой продажи большую финансовую выгоду, но это означало, что The Beatles больше никогда не имели прав на свои собственные песни.
В 1969 году он основал лейбл DJM Records, где работал с Элтоном Джоном и Берни Топином. Дик умер в 1986 году.

Питер Гэбриэл: "Если бы мы были по-настоящему умны, мы могли бы создать Искусственный Интеллект, который сделал бы нас мудрее и, надеюсь, сострадательнее"

Mary Varvaris 7 December 2023

Питер Гэбриэл, вдохновленный созданием своего нового альбома "i/o", рассказал The Music* (*онлайн-журнал об австралийской музыке) в эксклюзивном интервью в Австралии: "Забвение о том, откуда мы пришли, заставило нас поверить, что мы можем выжить, независимо от того, что мы делаем с планетой. Становится совершенно ясно, насколько глупым это было на самом деле".
С поклонниками в лице Дэвида Боуи, Элтона Джона, R.E.M., Radiohead, Брюса Дикинсона и Стива Харриса из Iron Maiden, Готье, The Killers, Сары Маклахлан, группы TV On The Radio и многих других, а также с огромным списком соавторов: Шинейд О'Коннор, Кейт Буш, Элизабет Кокто из Cocteau Twins, Фрейзер, Трент Резнор из Nine Inch Nails, Стюарт Коупленд из The Police и бывший коллега по группе Genesis Фил Коллинз - его влияние на музыкальную индустрию, несомненно, огромно.
Тем не менее, означает ли это, что его преданные поклонники последуют его примеру и начнут выпускать новые песни в каждое полнолуние? Мы не можем сказать, насколько это вероятно.
У Габриэля также есть настоящая современная икона, считающая себя его давним поклонником: популярный Гарри Стайлс появился на шоу Говарда Стерна SiriusXM в начале марта 2020 года и записал кавер на чрезвычайно успешный хит Габриэля 1986 года "Sledgehammer".
Назвав эту песню одной из “лучших смешанных песен” всех времен, Стайлз и его талантливые коллеги по группе превзошли ее и преуспели в том, чтобы перенести песню 80-х годов в 2020-е. Кавер получил одобрение Габриэля, который несколько раз похвалил его в своем аккаунте в сети X (бывшем Twitter).
В эксклюзивном интервью The Music в Австралии Гэбриэл объясняет, что, хотя он и его команда знали, что клип на песню "Sledgehammer" был экстраординарным, они понятия не имели, какое влияние это окажет на их творчество.
“Мы знали, что это видео особенное, но понятия не имели, насколько далеко оно может зайти”, - признается он. “Мне действительно понравилось работать с некоторыми замечательными новыми артистами, использующими искусственный интеллект и Stability Diffusion для создания своих собственных видео. Мне нравится, что технологии позволяют каждому увидеть себя в качестве художника и что барьеров для входа становится все меньше”.
Будучи одним из основателей и оригинальным вокалистом британской группы Genesis, Гэбриэл и его товарищи по группе стали пионерами прогрессивного рока, популяризировав этот жанр и завоевав поклонников по всей Британии задолго до того, как их музыка стала практически доступной.
От выступлений в драматических костюмах до борьбы с боязнью сцены в Genesis и достижения совершенства в поп-музыке в своем сольном альбоме 1986 года "So", музыкальные и личные пути Габриэля начали пересекаться: он обратился к гуманитарной деятельности, в том числе к давним отношениям с Amnesty International, WITNESS, а также к выступлениям против апартеида, гражданской войны в Сирии и поддержку признания Геноцида армян.
В 2015 году Университет Южной Австралии наградил Питера Гэбриэла за его вклад в создание WOMAD* (*международный фестиваль мировой музыки, искусств и танца), музыку и права человека.
“Питер - пример того, что значит быть успешным на многих уровнях”, - сказал вице-канцлер UniSA профессор Дэвид Ллойд. “Отличный коллаборационист, а также музыкант и композитор со своим собственным неповторимым стилем, его звездная карьера была отмечена новаторскими разработками в области производства музыкальных клипов, а также в области записи и распространения.
“Помимо хитов, возглавляющих чарты, многочисленных наград MTV и ”Грэмми" за свою групповую и сольную музыкальную карьеру, Питер внес огромный вклад в развитие мирового сообщества и применил свои значительные навыки, чтобы изменить ситуацию к лучшему".
Ллойд продолжил: “Его усилия по созданию возможностей для торжества справедливости и соблюдения прав человека были безграничными. Он работал с Ричардом Брэнсоном и горячо любимым Нельсоном Манделой, бывшим президентом Южной Африки, а также доктором Университета Южной Австралии, над созданием в 2007 году организации "The Elders" – сети высококвалифицированных международных лидеров, способных предложить стратегии миротворчества и ведения переговоров, а также мудрость везде, где возникают глобальные конфликты.
“Его приверженность делу укрепления мира, поддержки обездоленных людей, поощрения социальной справедливости и взаимопонимания была отмечена в 2006 году лауреатами Нобелевской премии мира, когда ему была вручена премия "Человек мира", а в 2008 году журнал Time назвал его одним из 100 самых влиятельных людей в мире.
“Университет очень рад приветствовать его в качестве почетного доктора, и мы верим, что пример его работы и жизни послужит источником вдохновения для многих наших студентов и выпускников”.
На прошлой неделе Габриэль совершил еще одно важное достижение, выпустив свой первый альбом с совершенно новым материалом за 21 год. И что это за альбом!
"I/o" - это сочный, нежный, вызывающий воспоминания альбом, наполненный эмоциональными моментами, такими как соло виолончели на "And Still", неотразимая природа "Panopticom" и мрачная атмосфера "The Court". "I/o" следует за альбомом Габриэля 2011 года "New Blood", его проектом по перезаписи оркестра. "New Blood" вышел через год после его кавер-версии "Scratch My Back". Его последним сольным альбомом, написанным в 2002 году, был "Up", выпущенный спустя целое десятилетие после "Us" 1992 года.
"I/o" - это необычный альбом, поскольку каждая песня состоит из двух стереомиксов: светлого микса, которым занимается Марк “Спайк” Стент, и Темного микса, которым занимается Чад Блейк.
Гэбриэл объяснил в пресс-релизе: “У нас есть два лучших микшера в мире - Чад и Спайк, и они определенно привносят в песни разные характеры. Чад в значительной степени скульптор, создающий путешествие с помощью звука и драмы; Спайк любит звук и создает эти картины, так что он больше художник”.
Габриэль рассказывает The Music о выпуске новых песен в каждое полнолуние: “Меня гораздо больше интересует астрономия, чем астрология, но одной из тем, которую я хотел исследовать, было воссоединение с природой.
“Забвение о том, откуда мы пришли, заставило нас поверить, что мы можем выжить, независимо от того, что мы делаем с планетой”, - поясняет он. “Становится совершенно ясно, насколько глупым это было на самом деле. Воссоединение с природой, осознание своего места во Вселенной и роли, которую солнце и луна играют в нашей жизни, кажется простым способом начать этот процесс. Отсюда и лунные релизы.”
В своем амбициозном и потрясающем по звучанию новом проекте, в который вошли песни, находящиеся в разработке с 1995 года, а также более свежие треки, Габриэлю каким-то образом удалось собрать целостную коллекцию песен, которая не будет забыта в ближайшее время.
“Несмотря на то, что я работал над множеством других немузыкальных проектов, я все это время продолжал экспериментировать с музыкальными идеями”, - признается Габриэль. “Так что выбирать было из чего. Я выбрал песни, которые, по моему мнению, могли бы подойти друг другу или имели какое-то отношение к тому, что я пытался сказать этим альбомом”.
Габриэль гастролирует в поддержку альбома "i/o" с июня 2023 года, путешествуя по Европе, Соединенному Королевству и Соединенным Штатам Америки, эффективно тестируя новые песни за несколько месяцев до их выхода. На своем последнем концерте в Хьюстоне, штат Техас, в октябре он исполнил одиннадцать из двенадцати песен на "i/o", и он с самого начала знал, что это решение будет “непростым”.
Он объясняет: “С самого начала тура я знал, что исполнение всего нового материала будет сложной задачей для некоторых людей, но все получилось на удивление хорошо”. Назвав визуальные эффекты в туре "i/o" “красивыми и мощными”, он добавляет: “Поскольку каждая новая песня была выпускаемый в каждое полнолуние, он становился все более привычным для аудитории, и мы могли бы сказать, что это вызвало у нас лучшую реакцию”.
Ранее в этом году Габриэль в партнерстве со Stability AI объявил конкурс DiffuseTogether, чтобы поклонники могли создавать музыкальные клипы на его музыку с помощью искусственного интеллекта.
Участники должны были представить на конкурс, который проводился на Discord, одно анимационное видео, созданное с помощью искусственного интеллекта и вдохновленное музыкой Питера Гэбриэла.
В видеороликах использовалась технология Stability AI, разработанная компанией Stable Diffusion, ее ведущей в отрасли набор моделей обработки изображений с открытым исходным кодом, а также такие приложения, как DreamStudio (фотореалистичная визуализация), Stability for Blender (3D) и AnimAI (анимация).
Питер Гэбриэл прокомментировал этот шаг в интервью PR-изданию Newswire: “Эти мощные, преобразующие инструменты искусственного интеллекта впервые доступны всем нам. У нас есть шанс сплести новые реальности из нитей нашего собственного воображения и креативности”.
Он продолжил: “Я построил свой мир из звука, и теперь я прошу сообщество визуальных искусств создать свои собственные неизведанные аудиовизуальные пейзажи мечты с ковром из моей музыки. Благодаря вашему творчеству и опыту, а также преобразующей силе Стабильного распространения, мы можем создать множество новых необычных и любопытных приключений. Давайте воспользуемся светом полной луны и запустим это судно в плавание.”
Использование ИИ в своих интересах и открытое использование его как “нового мощного инструмента” - непопулярное мнение среди музыкантов, так как Ник Кейв называет песни с ИИ “чушью собачьей”, а ChatGPT - “гротескной насмешкой над тем, что значит быть человеком".
Между тем, 26% австралийских независимых артистов, опрошенных в недавнем отчете GYROstream, заявили, что использовали искусственный интеллект в своей работе. Те, кто использовал искусственный интеллект в своей карьере, в основном использовали его для помощи в маркетинге и PR, мастеринге и для вдохновения при написании текстов.
Из числа респондентов, которые до сих пор не использовали искусственный интеллект в своей карьере, 71,1% были категорически против его использования, в то время как 5,2% заявили, что будут использовать его в будущем, а 23,7% затруднились ответить.
Возвращаясь к теме, Габриэль с пониманием относится к артистам, которые боятся распространения искусственного интеллекта и возможности потерять средства к существованию, но он верит, что если мы будем умны (и быстры), ИИ можно будет использовать в наших интересах.
“Я понимаю и уважаю опасения многих художников и творческих людей по поводу потери средств к существованию”, - говорит он. “Согласен, качество многих материалов, основанных на искусственном интеллекте, сегодня довольно низкое, но и первые летательные аппараты были не слишком хороши. Скорость, с которой ИИ обучается, потрясающая, и предстоит ответить на множество сложных вопросов, прежде чем ИИ освоится в человеческом обществе.
“Джинна невозможно загнать обратно в бутылку, поэтому мы можем просто наслаждаться поездкой, сделать ее как можно более безопасной и изучить весь тот необычайный спектр улучшений, которые она может привнести в нашу жизнь в области здравоохранения, образования, работы и всех видов творчества, а также создать новые мощные решения". инструменты борьбы с бедностью и изменением климата”, - добавляет он. “Если мы действительно умны, мы могли бы создать искусственный интеллект, который сделал бы и его, и нас мудрее и, надеюсь, более сострадательными”.

Женщины в музыке и их влияние на The Beatles
TBS 2022

С тех пор, как The Beatles более 50 лет назад распались и оставили наследие, которое навсегда изменило музыку, тема влияний бесконечно обсуждается. Каких исполнителей слушали и у кого черпали вдохновение эти четверо парней из Ливерпуля? Какая музыка вдохновила их собственный уникальный стиль, который вознес их к мировой славе? Мы часто слышим имена рок-н-ролльщиков, таких как Элвис Пресли, Чак Берри, Литтл Ричард, Бадди Холли и Карл Перкинс, — и это справедливо. Но слишком часто имена культовых исполнительниц исключаются из обсуждения. В ранние годы The Beatles изучали каталоги певиц и девичьих групп, и их песни неоднократно использовались на их живых концертах и ​​в альбомах. Даже к 1965 году, когда The Beatles в целом прекратили исполнять каверы, звучание «девичьих групп» можно услышать в их собственных песнях, особенно в их гармониях и бэк-вокале. В индустрии, где женщины были недостаточно представлены и находились в тени, мы в огромном долгу перед культовыми женщинами, которые пополняли хит-парады еще до появления «Великолепной четверки».

The Shirelles

Образованная в 1957 году, группа Shirelles была одной из первых крупных женских вокальных групп рок-эры, и ей часто приписывают запуск жанра гёрлс-групп. В январе 1961 года, ещё до того, как The Beatles дебютировали в клубе Cavern, The Shirelles впервые достигли первой строчки в чарте Billboard с песней «Will You Still Love Me Tomorrow». Но The Beatles зацепились за менее известную песню «Boys», которая была на стороне «Б» этого сингла. Она, наряду с другим суперхитом The Beatles «Baby It's You», стала неотъемлемой частью сценического выступления The Beatles с 1961 по 1963 год, и обе эти песни вошли в их дебютный альбом "Please Please Me" , сделав их единственными артистами, удостоенными чести быть дважды на этом альбоме. В интервью журналу Playboy в 1980 году Джон Леннон сказал, что считает «P.S. I Love You» интерпретацией Полом «Soldier Boy» — хита Shirelles, занявшего первое место в чартах в начале 1962 года.
Влияние The Shirelles было колоссальным – они не только задали тон будущим звездам женского пола, но и их вклад в расовое разнообразие в США и Великобритании, опередивший других артистов Motown, считается отражением раннего успеха Движения за гражданские права. С тех пор они были удостоены множества наград за свой вклад в музыку, включены в Зал Славы Рок-н-ролла в 1996 году и включены в список 100 величайших артистов всех времён по версии журнала Rolling Stone в 2004 году.

The Ronettes

Несмотря на то, что группа Ronettes образовалась за шесть лет до того, первого большого успеха она добилась в 1963 году, выпустив свой суперхит «Be My Baby». Когда в 1964 году они впервые гастролировали по Великобритании, выступая на разогреве у Rolling Stones, The Beatles познакомились с группой, увидев их выступление в лондонском «Палладиуме», и обе группы стали близкими друзьями. Позже The Beatles пригласили Ronettes выступить на разогреве во время своего мирового турне 1966 года, став единственной женской группой, которая когда-либо делала это. В 1967 году группа распалась.
"Помню, как они впервые приехали в Нью-Йорк, и Джон Леннон позвонил мне и сказал: «Ронни, мы не знаем, что делать. Мы здесь пленники. Ты должна приехать и вытащить нас отсюда». Они никого не знали в Америке."
– Ронни Спектор
Девять песен Ronettes попали в чарт Billboard Hot 100, пять из которых вошли в топ-40. Помимо номинации на премию «Грэмми» в 1965 году, группа была включена в Зал славы «Грэмми» в 1999 году за песню «Be My Baby» и в Зал Славы Рок-н-ролла в 2007 году. Помимо The Beatles, группа вдохновила множество поклонников, в том числе и других известных артистов, таких как Брайан Уилсон из Beach Boys, Билли Джоэл и Брюс Спрингстин, которые все отмечали влияние Ронни Спектор на их музыку. К сожалению, Ронни скончалась в январе 2022 года.

The Marvelettes

Написанная в соавторстве с оригинальной солисткой Джорджией Доббинс, песня «Please Mr. Postman» была дебютным синглом американской женской группы Marvelettes и первой песней Motown, которая достигла первого места в чарте поп-синглов Billboard Hot 100, ещё до того, как группа окончила среднюю школу. Наряду с несколькими другими женскими группами, Marvelettes были ещё одной, чья музыка привлекла внимание The Beatles. «Please Mr. Postman» стала неотъемлемой частью их концертного репертуара в начале 1960-х и вошла в их второй студийный альбом "With The Beatles" в 1963 году. Несмотря на большой успех в США, трек не попал в британский топ-50; это означало, что мало кто в Великобритании знал эту песню, и это позволило The Beatles сделать её своей на ливерпульской музыкальной сцене.
Несмотря на проблемы со здоровьем, из-за которых численность группы сократилась, а состав менялся на протяжении многих лет, The Marvelettes выпустили несколько хитов в 1960-х. В 2017 году Billboard поместил «Please Mr. Postman» на 22-е место в своём списке «100 величайших песен женских групп всех времён».

Rosie Hamlin

Как лидер группы Rosie & The Originals, Rosie Hamlin наиболее известна своим синглом 1960 года «Angel Baby». Песня дебютировала в Billboard Hot 100 в декабре того же года, когда ей было всего 15 лет, и оставалась в чартах 13 недель. Несмотря на то, что у Rosie Hamlin не было другого хита, попавшего в Top 40, она произвела неизгладимое впечатление на Джона Леннона. В интервью 1969 года журналу Life он назвал Rosie одной из своих любимых певиц и записал собственную версию «Angel Baby» в 1973 году для своего альбома "Rock 'n' Roll" , хотя она была выпущеан только в 1986 году, уже после его смерти. Во вступлении к ремикшированной версии трека, выпущенной в 2004 году, Леннон называет оригинал «одной из своих любимых песен» и говорит: «Передай мою любовь Рози, где бы она ни была». Рози Хэмлин стала первой латиноамериканкой, удостоенной чести быть включенной в Зал Cлавы Рок-н-ролла, и первой латиноамериканкой, выступившей на Американской эстраде Дика Кларка в 1961 году.

Helen Shapiro

В 1960-х годах Хелен Шапиро была одной из самых успешных британских певиц. В 1961 году, когда ей было всего 14 лет, Шапиро записала два хита, возглавивших британские чарты — «You Don't Know» и «Walkin' Back to Happiness». The Beatles присоединились к Шапиро в её английском туре 1963 года, где они были четвёртыми в одиннадцатиактном концерте, хедлайнером которого была тогда 16-летняя Хелен Шапиро. Это был их первый тур. После того, как её продюсер обратился к The Beatles с этой идеей, The Beatles написали песню «Misery» специально для джазового вокала Шапиро, но позже записали её сами для своего альбома "Please Please Me", когда её команда решила не использовать эту песню. После успеха своей поп-музыкальной карьеры в 1960-х годах Шапиро добилась дальнейшего успеха как киноактриса, исполнительница мюзиклов и джазовая певица, прежде чем уйти на пенсию в 2002 году.

Хотя на протяжении всей истории The Beatles на их музыку влияли и другие удивительные женщины, эти пять артисток — лишь некоторые из самых заметных в годы их становления. Альбом "Please Please Me" сам по себе не существовал бы без женщин в музыке. Помимо «Baby It's You», «Boys» и «Misery», две другие легендарные композиции с дебютного альбома были популяризированы женщинами: «Devil In Her Heart» группы Donays и «Chains», написанная легендарной Кэрол Кинг и записанная группой Cookies. Альбом "Please Please Me" занял первое место в британском чарте и продержался там 30 недель, принеся The Beatles мировую славу.
Несмотря на то, что в 1960-х годах появилось новое поколение певиц, авторов песен и музыкантов, индустрия оставалась преимущественно мужской, и это продолжается до сих пор: женщины составляют всего 22% артистов, 12% авторов песен и 2% продюсеров. Так что, это посвящается женщинам, которые 70 лет назад преодолели барьеры индустрии и помогли сформировать культовое звучание рок-н-ролла – «Thank You Girl».

Rory Storm & The Hurricanes были одной из самых популярных и технически подкованных групп Ливерпуля в конце 1950-х — начале 1960-х годов. Они были ключевой частью андеграундной сцены города и главными конкурентами набирающих силу The Beatles.

Основание и участники:

• Рори Сторм (наст. имя Алан Кэлдуэлл) — вокалист и фронтмен. Харизматичный и эксцентричный шоумен, известный своими яркими нарядами и энергичными выступлениями.

• Эл Кэссиди — соло-гитара.

• Джонни «Гас» Бернс — бас-гитара.

• Тай Брайан — ритм-гитара.

• Ринго Старр (наст. имя Ричард Старки) — ударные. Именно в этой группе он взял свой знаменитый псевдоним и считался одним из лучших барабанщиков города.

Взлет и зенит славы

Группа образовалась в 1959 году и быстро завоевала репутацию благодаря мощному звучанию и невероятной работоспособности. Они были постоянными резидентами в знаменитом ливерпульском клубе «The Casbah» и одними из первых британских групп, отправившихся на гастроли в Германию, в Гамбург.

Именно в Гамбурге в 1960 году их пути тесно переплелись с The Beatles. Обе группы играли в одних и тех же клубах, таких как «Kaiserkeller», и между музыкантами завязалась крепкая дружба. Ринго Старр иногда подменял за ударными заболевшего Пита Беста, а Пол Маккартни и Джон Леннон высоко ценили вокальные данные Рори Сторма.

Ключевые моменты:

• Название: Имя «Hurricanes» (Ураганы) идеально отражало их бурный сценический стиль.

• Сценическое шоу: Рори Сторм был пионером рок-шоу. Он залезал на стойки, разбрасывал блестки и вел себя как настоящая рок-звезда, что было новаторством для того времени.

• Звук: Их звучание было громче, агрессивнее и более «стоковым», чем у многих конкурентов.

Почему группа не добилась мировой славы?

Несмотря на талант и популярность в Ливерпуле, Rory Storm & The Hurricanes так и не прорвались на национальный уровень. Причин тому несколько:

1. Отсутствие хитового материала. У группы не было сильного менеджмента и продюсера, который бы помог им с записью качественных и коммерчески успешных песен. Их единственный сингл «America» / «Since You Broke My Heart» провалился.

2. Случайность и невезение. Исторически сложилось так, что менеджер Брайан Эпстайн сосредоточил свои усилия на The Beatles. Шанс быть «открытыми» им был и у Hurricanes, но судьба распорядилась иначе.

3. Уход Ринго Старра. В августе 1962 года Брайан Эпстайн пригласил Ринго Старра занять место ударника в The Beatles, заменив Пита Беста. Это был сокрушительный удар для Hurricanes. Ринго был не просто барабанщиком; он был важной частью их сценического имиджа и музыкального ядра.

Связь с The Beatles: Ринго Старр и не только

Судьба Rory Storm & The Hurricanes навсегда вписана в историю The Beatles:

• Звездный час для Ринго: Группа стала для Ринго Старра трамплином в мировую славу. Здесь он отточил свое мастерство, приобрел сценический опыт и знаменитое чувство юмора.

• Песня «In My Life»: Существует популярная, хотя и не подтвержденная, версия, что Джон Леннон написал строчку «In my life I've loved them all» в том числе и о членах этой легендарной ливерпульской группы.

• Общее наследие: Обе группы были продуктом одной и той же среды, и их взаимное влияние несомненно. Атмосфера соревнования и дружбы помогла сформировать звучание мерсибита.

Закат и наследие

После ухода Ринго группа так и не оправилась. Они продолжали выступать с разными барабанщиками, но былого успеха уже не было. В 1972 году Рори Сторм и его мать были найдены мертвыми в своем доме. Обстоятельства их смерти остаются трагической загадкой.

Однако наследие Rory Storm & The Hurricanes живет:

• Они остаются культовой фигурой для поклонников эпохи бит-бума.

• Их история — обязательная глава в любой биографии The Beatles и Ринго Старра.

• Они являются символом целой эпохи и напоминанием о том, что на сцене мирового успеха всегда есть место для талантливых «почти».

Rory Storm & The Hurricanes — это больше, чем просто ответ на вопрос «в какой группе играл Ринго до Битлз?». Это история яркой и самобытной команды, которая могла бы достичь больших высот, но осталась в тени величайшей группы всех времен. Их вклад в формирование ливерпульского звука и рок-н-ролльной культуры неоценим, а их история — вечное напоминание о том, насколько хрупкой может быть грань между забвением и мировой славой.

The Nashville Teens — британская рок-группа, оставившая неизгладимый след в истории музыки 1960-х годов. Несмотря на название, отсылающее к американскому городу музыки, коллектив сформировался в Англии и стал одним из ключевых игроков в эпоху "британского вторжения". Их энергичный звук, сочетающий ритм-энд-блюз, рок-н-ролл и бит, завоевал сердца поклонников по обе стороны Атлантики.

История создания и расцвет группы

Группа была основана в 1962 году в городе Уэйбридж, графство Суррей, Англия. Ядро коллектива составили пианист и вокалист Джон Аллен (John Allen) и гитарист Артур Шарп (Arthur Sharp). Название "The Nashville Teens" было выбрано как дань уважения американским корням рок-н-ролла и ритм-энд-блюза.

Пик популярности группы пришелся на середину 1960-х. Их самый известный сингл "Tobacco Road" (1964) стал международным хитом, достигнув высоких позиций в чартах Великобритании, США и Европы. Эта мощная, блюзовая композиция с характерным хриплым вокалом и драйвовым саундом до сих пор считается классикой эпохи.

Ключевые достижения:

• Мировой хит "Tobacco Road" (1964)

• Участие в легендарном британском турне с Чабби Чекером (1964)

• Аккомпанемент американским блюзменам, таким как Карл Перкинс, во время их европейских туров

• Появление в культовом музыкальном фильме "Pop Gear" (1965)

Музыкальный стиль и влияние

The Nashville Teens создавали уникальный звук, который сочетал в себе:

• Энергичный ритм-энд-блюз: основа их музыкальной идентичности

• Британский бит: влияние современников, таких как The Animals и Rolling Stones

• Ранний гаражный рок: сырая, необработанная энергия выступлений

• Психоделические нотки: в более позднем творчестве

Их музыка оказала влияние на множество групп как в Великобритании, так и за ее пределами. The Nashville Teens были частью той самой музыкальной революции, которая навсегда изменила поп-культуру.

Дискография: Главные хиты и альбомы

1. "Tobacco Road" (1964) — визитная карточка группы, кавер на композицию Джона Д. Лаудера.

2. "Google Eye" (1964) — второй крупный сингл, также добившийся успеха в чартах.

3. "Find My Way Back Home" (1965)

4. Деbut-альбом "Tobacco Road" (1965) — включал как хиты, так и сильные кавер-версии блюзовых стандартов.

5. "The Nashville Teens" (1966) — второй студийный альбом, показавший эволюцию группы.

Наследие и влияние на современную музыку

Хотя пик коммерческой популярности группы был относительно кратким, их вклад в развитие рок-музыки трудно переоценить. The Nashville Teens:

• Были мостом между американским блюзом/ритм-энд-блюзом и зарождающейся британской рок-сценой.

• Вдохновляли будущих музыкантов своей энергией и аутентичностью.

• Их хит "Tobacco Road" стал стандартом, который исполняли сотни артистов, от Дэвида Ли Рота до Эдгара Уинтера.

Группа продолжала выступать в разных составах на протяжении десятилетий, сохраняя верность своему классическому звучанию для преданных поклонников.

Интересные факты о The Nashville Teens

• Изначально группа выступала в качестве аккомпанирующего состава для гастролирующих американских звезд, таких как Джерри Ли Льюис и Карл Перкинс.

• В ранние годы с группой иногда выступал молодой Джимми Пейдж (будущий гитарист Led Zeppelin) в качестве сессионного музыканта.

• Композиция "Tobacco Road" звучала в саундтреках к нескольким фильмам и сериалам, что свидетельствует о ее вневременной притягательности.

Больше нет "Misunderstood": Интервью с Эриком Бердоном (Animals, War, solo)

By Tina Benitez-Eves 2025

Вскоре после переезда в Грецию во время пандемии в 2021 году Эрик Бердон начал сотрудничать с греческими артистами Алексом Сидом и Квазамодо в работе “Don’t Ever Leave”, которая была показана в греческой телевизионной драме Η Παραλία (Тhe Shore/Paralia) в феврале 2024 года. Во время записи у Бердона были некоторые проблемы со здоровьем, и вскоре после записи вокала он был госпитализирован с пневмонией, что, по его словам, “отражает серьезность темы песни”.
“Оглядываясь назад, кажется почти нереальным думать о том, насколько точно мой опыт отразил эмоции и интенсивность трека”, - говорит Бердон. “Несмотря на трудности, совместный процесс был глубоким, и я верю, что подлинность того момента отразилась в конечном продукте. Это свидетельство того, что музыка способна преодолевать обстоятельства и соединять нас на более глубоком уровне”.
”Don't Ever Leave" стала первой новой записью Бердона за более чем десятилетие, прошедшее после "Til Your River Runs Dry" в 2013 году, но не последней. “Я постоянно пишу и исследую новые музыкальные направления, позволяя вдохновению направлять меня на этом пути”, - рассказывает 83-летний Бердон American Songwriter* (*журнал посвящённый созданию песен). “Писательство остается неотъемлемой частью моего творческого самовыражения, служа очищающим средством для моих мыслей, эмоций и переживаний”.
Помимо новой музыки, он также готов вернуться на сцену — чего он не делал со времен гастролей в 2018 году и нескольких концертов в 2019 году — на фестивале "Fool in Love Fest" в Инглвуде, Калифорния, в августе 2024 года, вместе с Дайаной Росс, Сантаной, Смоки Робинсоном, Лайонелом Ричи, Элом Грином, и многих других. В этом году также отмечается 60-я годовщина одноименного дебюта The Animals в 1964 году и их хита “House of the Rising Sun”, который отмечается переизданием первых четырех альбомов группы, а также ретроспективным сборником.
Бердон нашел время поболтать с American Songwriter о своих размышлениях о работе с The Animals, войне и не только, жизни в Греции, “интроспективном” написании песен и о том, почему он все еще пишет музыку спустя почти 65 лет.

AS: Каверы для вас не новость, но поскольку “Don't Ever Leave” была написана Квазамодо и Алексом Сидом специально для Η Παραλία, как вы смогли найти свою связь с этой песней?
ЭБ: Несмотря на то, что песня была написана специально для фильма, контекст, в котором она была написана для сцены смерти, вызвал у меня глубокий отклик. Когда мы вместе работали над проектом, я углубился в текст и мелодию и обнаружил, что меня привлекает их трогательное повествование. Темы потерь, тоски и быстротечности жизни задели меня за живое, особенно учитывая мои собственные проблемы со здоровьем в то время.
Во время процесса записи я направил эти эмоции в свое исполнение, позволив себе полностью погрузиться в характер и сюжетную линию песни. Это был глубоко захватывающий опыт, который стер границы между вымыслом и реальностью, когда я боролся с собственной смертью, воплощая песню в жизнь.
В конце концов, моя связь с “Don't Ever Leave” вышла за рамки своих истоков и превратилась в глубоко личное путешествие, отражающее мой собственный опыт и эмоции, что в конечном итоге обогатило процесс совместной работы и придало конечному продукту подлинность.

АС: Возвращаясь мыслями к 60-м годам и The Animals, а позже к War и вашей сольной карьере, как вы сейчас относитесь к некоторым из этих старых песен?
ЭБ: Песни эпохи Animals вызывают чувство ностальгии, а ностальгия по мне служит напоминанием о необузданной энергии и страсти моей юности. Они также несут в себе дух бунтарства и общественного сознания, которые определили ту эпоху, - темы, которые продолжают резонировать со мной по сей день. Аналогичным образом, мое участие в (группе) War привело к слиянию музыкальных стилей и влияний, которые отразили дух времени 70-х. Песни той эпохи не только отражают культурный ландшафт своего времени, но и служат свидетельством силы музыки объединять людей, невзирая на границы.
Когда я занялся сольной карьерой, я продолжал опираться на эти музыкальные корни, исследуя новые звуки и жанры. Моя связь с этими старыми песнями остается сильной, поскольку они служат для меня ориентиром в моем музыкальном наследии, а также вдохновляют меня на расширение творческих возможностей.
Каждый этап моей музыкальной эволюции представляет собой главу в моей жизни, отмеченную уникальным опытом, сотрудничеством и творческим ростом. По сути, каждая песня из моего прошлого представляет собой моментальный снимок, отражающий эмоции, переживания и стремления как меня, так и слушателей. Они по-прежнему занимают особое место в моем сердце, служа напоминанием о преобразующей силе музыки, способной преодолевать поколения и соединять нас на более глубоком уровне.

АС: Что касается, в частности, Animals, то многие из этих песен изначально были написаны для определенного места и времени. Какие из них приобрели для вас новое значение сейчас?
ЭБ: Конечно, в моем репертуаре есть несколько песен, которые со временем находят во мне отклик совершенно по-новому и неожиданным образом. “House of the Rising Sun”, фирменный трек из моего времени, проведенного с The Animals, с годами приобрел для меня более глубокий смысл. Когда я впервые записал ее в 60-х, она была мощным выражением юношеского бунта и непокорности. Однако по мере того, как я взрослел и переживал жизненные взлеты и падения, эта песня стала представлять собой нечто более глубокое — размышление о последствиях сделанного человеком выбора и течении времени.
Точно так же такие песни, как “We Gotta Get Out of This Place” и “Don’t Let Me Be Misunderstood”, приобрели новое значение по мере того, как я становился старше. Теперь они служат напоминанием об универсальных темах стремления, жизнестойкости и поиска смысла жизни, которые находят отклик у людей всех возрастов и происхождения.
Как артист, я обнаружил, что моя интерпретация этих песен продолжает меняться с каждым годом, отражая мое личное путешествие и меняющуюся динамику окружающего мира. Это свидетельство непреходящей силы музыки преодолевать время и говорить о человеческом опыте во всей его сложности.

AS: Вы занимаетесь этим уже почти 65 лет. Как изменилось для вас написание песен сейчас?
ЭБ: С годами процесс написания песен во многом менялся для меня, отражая как личностный рост, так и изменения в окружающем мире. На заре моей карьеры в качестве автора песен этот процесс часто подпитывался необузданными эмоциями и ощущением необходимости самовыражения. Было ли это воспроизведение бунтарского духа 60-х с помощью The Animals или обращение к социальным и политическим проблемам с помощью War, мои песни глубоко укоренились в духе того времени.
По мере того как я взрослел как артист, я стал более интроспективно подходить к написанию песен, черпая вдохновение из более широкого спектра влияний и опыта. Вместо того чтобы просто реагировать на внешние события, я стремлюсь глубже проникнуть в универсальные темы и эмоции, которые находят отклик у людей на более глубоком уровне.
Кроме того, сотрудничество играет все более важную роль в процессе написания моих песен. Работа с другими талантливыми музыкантами и авторами песен позволила мне открыть для себя новые перспективы и идеи, обогатив творческий процесс и подтолкнув меня к исследованию новых музыкальных территорий.
Технологии также изменили мой подход к написанию песен. Имея доступ к множеству цифровых инструментов и ресурсов, я могу экспериментировать со звуками и аранжировками способами, которые раньше были немыслимы. Это открыло новые возможности для творчества и инноваций, позволив мне раздвинуть границы моего музыкального самовыражения.
В целом, хотя суть написания песен остается неизменной — желание общаться с другими через музыку, — сам процесс продолжает развиваться, отражая постоянно меняющуюся природу искусства и человеческого опыта.

АС: Был ли какой-то особый поворотный момент, когда у вас изменились взгляды на написание песен?
ЭБ: То, как песни приходят ко мне, безусловно, менялось с годами, под влиянием как личного опыта, так и изменений в моем творческом процессе. В прошлом я не уделял особого внимания написанию собственных песен, поскольку с гордостью интерпретировал песни других авторов. В мире так много талантов, и мне нравилось придавать новую жизнь песням других людей, используя свой голос. Однако, когда в моей жизни появилась моя жена [Марианна Бердон], она все изменила. Она научила меня важности написания песен и тому, что мои поклонники хотят услышать мою точку зрения и мои песни. Она убеждала меня писать больше, что я и сделал, выпустив такие альбомы, как "My Secret Life" (2004) и "Til Your River Runs Dry" (2013).
Сегодня я более дисциплинирован в своей творческой практике, выделяя время для написания песен и оттачивания своего мастерства. Это позволило мне подойти к написанию песен с большей сосредоточенностью и целеустремленностью, что привело к созданию более отточенных композиций.
Кроме того, мое сотрудничество с разными исполнителями и музыкантами из разных слоев общества не только расширило мои творческие горизонты, но и побудило меня расширить границы моего собственного творчества. В целом, хотя процесс написания песен развивался для меня на протяжении многих лет, страсть и стремление создавать музыку остаются неизменными. Каждая новая песня - это свидетельство продолжающегося путешествия к самопознанию и художественному самовыражению, отражающее постоянно меняющийся ландшафт моей жизни и переживания.
Но я по-прежнему считаю себя хорошим интерпретатором песен других людей. Есть что-то особенное в том, чтобы привнести свой взгляд на хорошо написанное музыкальное произведение.

АС: Что такого есть в Греции, что до сих пор удерживает вас там?
ЭБ: Греция занимает особое место в моем сердце по множеству причин, которые в совокупности повлияли на мое решение сделать ее своим домом. Во-первых, это богатое культурное наследие и неподвластная времени красота греческого ландшафта, от залитых солнцем островов до древних руин, погруженных в историю. Чувство безмятежности и единения с природой, которое пронизывает греческую сельскую местность, стало для меня источником вдохновения и утешения.
Греция - это динамичное и гостеприимное сообщество, которое приняло меня с распростертыми объятиями. Теплота и гостеприимство греческого народа помогли мне почувствовать себя как дома, укрепив чувство сопричастности, которое поистине бесценно.
И, наконец, в Греции есть нечто неосязаемое, что трудно выразить словами, но, несомненно, мощное. Это место, где время, кажется, замедляет свой ход, позволяя погрузиться в размышления и самоанализ, которые становятся все более редкими в современном быстро меняющемся мире. В Греции я обрел чувство покоя и удовлетворенности, которым я глубоко дорожу, что делает это место местом, которое я с гордостью называю своим домом.
На личном уровне мое решение поселиться в Греции также связано с моей семьей, поскольку моя жена гречанка. Будь то поддержка близких или возможность провести время с самыми близкими людьми, Греция обеспечила благоприятную среду как для моей личной, так и для профессиональной жизни.

АС: Прошло уже больше десяти лет с момента выхода вашего последнего сольного альбома "Til Your River Runs Dry". Будет ли еще один?
ЭБ: Я знаю, что прошло уже немало времени с тех пор, как вышел "Till Your Rive Runs Dryr", но творческое пламя все еще ярко горит во мне. Я постоянно пишу и исследую новые музыкальные направления, позволяя вдохновению направлять меня на этом пути. Писательство остается неотъемлемой частью моего творческого самовыражения, служа очищающим средством для моих мыслей, эмоций и переживаний.
Работа над альбомом - это процесс, требующий глубокого погружения, требующий времени, самоотдачи и четкого видения. Так что, хотя конкретных планов пока нет, будьте уверены, что творческий процесс запущен, и я с нетерпением жду, куда приведет меня это путешествие дальше.

АС: Однажды вы процитировали Уинстона Черчилля: “Старайтесь не бояться делать или говорить то, что вы считаете правильным”. На данном этапе вашей жизни все страхи рассеялись?
ЭБ: Хотя эта цитата Уинстона Черчилля глубоко резонирует со мной и служит руководящим принципом как в моей личной, так и в профессиональной жизни, я должен признать, что страх - это естественная и неизбежная часть человеческого опыта. Однако, преодолевая жизненные трудности и добиваясь успехов, я научился противостоять страху с мужеством и стойкостью.
С годами у меня появилось больше уверенности в себе и убежденности в своих убеждениях и действиях. Это позволило мне встретиться лицом к лицу со страхом, восприняв его как катализатор роста, а не позволив ему сдерживать меня.
Хотя я не могу утверждать, что полностью избавился от страха в своей жизни, я выработал такое мышление, которое позволяет мне признавать его присутствие, не позволяя ему диктовать мои решения или препятствовать моему прогрессу.
В конечном счете, я стремлюсь жить в соответствии со словами Черчилля, бесстрашно следуя тому, что я считаю правильным, даже перед лицом неопределенности или невзгод. Это непрерывное путешествие, которое неизмеримо обогатило мою жизнь и позволило мне уверенно и убежденно прокладывать свой собственный путь.

Взаимоотношения между черной музыкой и The Beatles.
BHM 2022

Часто высказывалось предположение, что не может быть совпадением то, что британская группа, так сильно повлиявшая на американскую чёрную музыку, была родом из города, который был также морским портом. Многие ливерпульские юноши просили своих отцов/дядей-моряков купить им из-за рубежа американские пластинки с чернокожими артистами; пластинки, которые они не могли купить в Великобритании и могли услышать только по радио. Конечно, никто из ливерпульцев не делал этого чаще, чем ливерпульские музыканты, которые были частью того, что стало взрывом Мерсибита (например Gerry & The Pacemakers, The Searchers, Billy J. Kramer, Rory Storm, The Big Three и т. д.). Такие группы старались первыми выучить любые треки с альбомов или би-сайды, которые они получили от своих родственников-моряков, и, как только они исполняли эту песню, они претендовали на неё (даже если они не были её авторами). Хорошим примером этого является песня «The Hippy, Hippy Shake» (хотя The Beatles и ее исполняли), которая в Ливерпуле воспринималась как «принадлежащая» группе The Swinging Blue Jeans).
Тем не менее, The Beatles были одной из немногих ливерпульских групп, которые на своих концертах фактически заявляли, какие чернокожие артисты изначально записали песню, которую они исполняли. Эта практика «белые британские артисты, исполняющие каверы песен чернокожих американских артистов» одновременно мешала и помогала последним. Это мешало американским чернокожим артистам, потому что их оригинальные версии часто продавались лучше, чем каверы белых артистов. Однако такая практика также привлекла внимание к тем чернокожим артистам, о которых британская публика, покупающая пластинки, могла бы и не услышать. Что сделало The Beatles великими, так это то, что они сообщали своей публике в клубе The Cavern, кого они исполняют, еще до того, как у них появился контракт на запись, что, в свою очередь, может побудить молодых ливерпульцев просить своих друзей-моряков покупать альбомы оригинального исполнителя во время поездок за границу.

Чернокожие артисты в исполнении The Beatles
Даже на первых пяти альбомах Beatles 1963-1965 годов почти все каверы изначально были записаны чернокожими американскими соул-исполнителями (а именно: «Anna (Go To Him)» Артура Александра , «Chains» The Cookies , «Boys» и «Baby It's You» The Shirelles , «Twist & Shout» The Top Notes , «Please Mr. Postman» The Marvelettes , «You Really Got A Hold On Me» The Miracles , «Devil In Her Heart» The Donays , «Money (That's What I Want)» Барретта Стрэнга и «Dizzy Miss Lizzy» Ларри Уильямса ).
Что касается влияния звёзд чёрного рок-н-ролла (в отличие от звёзд соула), часто говорят, что на Джона Леннона большее влияние оказал Чак Берри, в то время как Пол Маккартни был практически одержим Литтл Ричардом (каверы на песни Чака Берри и Литтл Ричарда слишком многочисленны, чтобы перечислять их все). Считалось негласным правилом, что Джон всегда брал на себя вокал в каверах на песни Чака Берри, а Пол — в каверах на песни Литтл Ричарда.
На самом деле, в фильме 1994 года «Backbeat» (посвященном пребыванию The Beatles в Гамбурге) есть мимолетная сцена, где актёр, играющий Леннона, поёт песню Литтл Ричарда «Long Tall Sally». Маккартни заявил, что это единственная ошибка фильма.

Влияние черной музыки на творчество Леннона и Маккартни
Влияние ритм-энд-блюза можно услышать в некоторых композициях The Beatles (особенно в сочинениях Джона), в таких песнях, как «Yer Blues», «Oh! Darling» и даже в их самом первом сингле «Love Me Do».
Говоря о соул-музыке 1960-х годов , Джон указывал на свою песню «You Can't Do That», на которую сильно повлиял Уилсон Пикет, в то время как Маккартни признал, что «Got To Get You Into My Life» и «She's A Woman» были попыткой написать песню в стиле Motown.
Поскольку регги и ска быстро набирали популярность в Великобритании, Джон заявил, что средняя инструментальная часть его песни «I Call Your Name» была проверкой того, смогут ли The Beatles сыграть ритм ска, в то время как в песне Маккартни «Ob-La-Di, Ob-La-Da» явно прослеживается влияние регги.

Влияние The Beatles на чернокожих артистов
Многие исполнители афроамериканского соула исполняли каверы песен Леннона/Маккартни, некоторые из них более известны, чем другие. «Day Tripper» Отиса Реддинга и «We Can Work It Out» Стиви Уандера — вот лишь некоторые из них. Альбом 1995 года под названием «The Soul Of Lennon & McCartney» содержит прекрасную коллекцию каверов песен The Beatles, исполненных чернокожими исполнителями, таких как «Let It Be» Ареты Франклин, «Hey Jude» Уилсона Пикета , «Get Back» Эла Грина, «I Want You (She's So Heavy)» Сары Воан , «In My Life» Ричи Хэвенса, «And I Love Her» The Detroit Emeralds, «Dear Prudence» The Five Stairsteps , «A Hard Day's Night» Дионн Уорвик, «Fool On The Hill» The Impressions, «Can't Buy Me Love» Эллы Фицджеральд , «Ticket To Ride» Гвен Гатри , «Long & Winding Road» Сисси Хьюстон и «Yesterday» П. П. Арнольд . (Последняя песня стала самой перепетой в истории музыки). В некоторых случаях песни The Beatles исполняли артисты того самого жанра, которому они изначально пытались подражать. Например, упомянутую ранее «Got To Get You Into My Life» перепели Earth, Wind & Fire, а Фэтс Домино записал «Lady Madonna», на написание которой сам Фэтс повлиял.
Наконец, многие исполнители регги обратились к каталогу Леннона/Маккартни: например, «Yesterday» Джеки Эдвардса, «I Will» Джона Холта , «My Love» Кена Бута, «Give Peace A Chance» The Maytals, «World Without Love» Дела Дэвиса, «You Won't See Me» Эрни Смита , «She's A Woman» Шаббы Ранкса и «Blackbird» Десмонда Деккера .
Итак, можно сказать, что влияние «Black-Music: Beatles» замкнуло круг. Хотя всё началось с того, что такие группы, как The Beatles, слушали записи чернокожих исполнителей и делали на них каверы, The Beatles затем добавили свою собственную интерпретацию этой музыки в свои собственные композиции, которые, в свою очередь, были позже перепеты (или, по крайней мере, оказали влияние) чернокожими исполнителями. Не следует забывать, что у The Beatles был свой собственный стиль, который повлиял на более поздних чернокожих исполнителей (например, Джими Хендрикса, Принса и Ленни Кравица), плюс на самих The Beatles повлияли белые исполнители (например, Элвис Пресли), которые, в свою очередь, находились под влиянием предыдущих чернокожих исполнителей. В конце концов, музыку создают все и для всех.

Брайан Ферри: Интервью SDE

О 50-летии его музыки и новом альбоме
By Paul Sinclair 2025

Недавно SDE встретился с легендой Roxy Music Брайаном Ферри, чтобы обсудить его ретроспективный сборник и более чем 50-летний опыт работы в музыке. К Брайану присоединился его давний друг и продюсер Ретт Дэвис, когда мы обсуждали их рабочие отношения, сведение Dolby Atmos и новый партнерский альбом Брайана "Loose Talk", который был недавно анонсирован.

SDE: Брайан, кому пришла в голову идея сделать эту ретроспективную подборку, и какова была цель?
Брайан: Кто-то в BMG подумал, что это была бы хорошая идея. Мы только что отпраздновали 50-летие Roxy, так что мы были в архиве и подумали, что, конечно, никогда не было по-настоящему полной коллекции сольных работ; во многих отношениях они были недооценены. И кому-то из BMG пришла в голову отличная идея разделить это на категории. Я подумал, что это действительно классный способ сделать это; это сделало работу более кураторской. Поэтому я связался с Реттом и всей командой. Первый диск было довольно легко записать, потому что это хорошо известные песни, синглы и хиты, так что, по сути, это именно то, что нужно. Затем они распределили это по разным категориям: песни, собственноручно написанные, каверы, более редкие и неслышанные вещи, а затем и джазовый материал. Мы подумали, что было бы неплохо сделать подборку из того, что мы уже сделали. Я думаю, что в итоге все это очень хорошо сочеталось друг с другом.

Что вы чувствовали, оглядываясь на 50-летний опыт работы? Это долгий срок!
Брайан: Я вспотел. И, оглядываясь назад, на разные периоды, я задумался, почему я записал так много записей в тот год, или почему я так мало сделал в другой год? Потому что я люблю работать и мне нравится быть продуктивным. На то, чтобы сделать это должным образом, ушло гораздо больше времени, чем я себе представлял. Мы изучили фотографии и архивы и получили все необходимые разрешения. Это было непросто, но, в конце концов, оно того стоило.

Я знаю, что для вас всегда очень важна презентация, не так ли? Полагаю, вы были вовлечены в эту часть работы?
Брайан: О, очень сильно. Но лучше так, чем безразлично.

Ретт, я заметил, что на главной компиляции, первом диске из 20 треков этого конкретного комплекта, есть довольно много правок 2023 года. Было ли это чем-то таким, во что ты был вовлечен? Это была попытка втиснуть все это в программу?
Ретт: Нет, речь шла всего лишь о сведении с Бобом [Клирмаунтейном], а Брайан слушал: “Это продолжается слишком долго!” [смеется]
Брайан: [Временами] Я подумал: “Почему мы не отредактировали это тогда? Припев там повторяется слишком часто...”

Это интересно. Я думал, что это нужно было сделать только из соображений выбора времени, но это было более художественно.
Ретт: Это были художественные соображения. Я думаю, Боб даже предложил один или два варианта.
1973 год был для меня по-настоящему плодотворным

Я полагаю, что это дает преимущество в том, что у вас есть эксклюзивные версии для поклонников! Брайан, вы выпускаете свои сольные альбомы довольно регулярно. У вас есть любимые эпохи или альбомы?
Брайан: Ну, а мне нравится начало. 1973-й был хорошим годом. Мы записали свой первый альбом год назад, и нам это понравилось, я говорю о Roxy, но на самом деле первый альбом был просто исполнением всей музыки, которую мы репетировали, и мы играли на нескольких крошечных площадках. Мы отправились в студию Command Studios с Питом Синфилдом [который продюсировал альбом Roxy Music], которого нам поручил его менеджмент, и который также был нашим менеджментом, потому что он работал с [King] Crimson, и Пит просто руководил нашей записью. Но второй альбом - это совсем другое дело, когда мы вдруг подумали: “О, это действительно интересно, мы записываем альбом, и как мы можем это сделать?” И с этого момента мы стали гораздо активнее участвовать в работе. И тот год был действительно плодотворным для меня. Другим по-настоящему важным моментом был период работы над "Flesh + Blood", "Avalon" и "Boys and Girls", когда я очень тесно сотрудничал с Реттом, и мы использовали драм-машины в координации с настоящими барабанщиками и обрисовывали все с помощью барабанных грувов.
Ретт: Это были студийные альбомы, а не альбомы группы
Брайан: И мне это понравилось. Я снова люблю работать в студии
Ретт: Не могу его оттуда вытащить!

Те альбомы, о которых вы упомянули, Брайан, они великолепно звучат, потому что в них есть многоуровневая утонченность и продюсирование, но они не устарели так, как это было во многих произведениях 80-х. И мне просто интересно, Ретт, в чем был секрет того времени, потому что они все еще звучат очень свежо.
Ретт: Я думаю, это был Колин Гуд, с которым я работал, и он сказал, что единственное, что замечательно в тот период, - это то, что ни одно из синтезаторных звучаний не кажется устаревшим; мы использовали очень сочные, утонченные звуки. Я имею в виду, что в 80-е было так много синтезаторного материала, который я ненавидел, но я думаю, что наш подход помог сохранить его вне времени.
Брайан: Просто ради интереса, 10 минут назад мы играли отрывок, несколько черновых миксов с альбома "Boys and Girls", и 18-летняя стажерка, которая находится в соседней комнате, подумала, что это новая работа. И она подумала, что это звучит так свежо. А мы сказали, что этому уже 40 лет! Всегда приятно, когда кто-то сейчас это подтверждает.

Не могли бы вы двое, прежде чем приступить к работе над конкретным альбомом, сесть и провести интеллектуальную дискуссию о том, какое звучание вы хотели бы получить? Каким был ваш подход к созданию нового проекта?
Ретт: Нет, я думаю, мы [просто] заходили в студию. Брайан делал наброски в своем доме на пианино. И если бы в тот день я ехал на работу и мы собирались провести сессию, я бы слушал радио и мог подумать: “Эй, этот ритм Talking Heads звучит неплохо”. Итак, я заходил и пытался воспроизвести ритм Talking Heads, а Брайан заходил и спрашивал: “Что это?” И у него был свой небольшой эпизод, который он принес из дома. Так что это был бы [вариант] “давай попробуем это с помощью этого”. Я не думаю, что у нас был какой-то генеральный план.
Брайан: Нет, мы обо все спотыкались!

Сравнивая альбом "Girls and Boys" с "Avalon" – очевидно, что один из них был записан Roxy Music, а другой - Брайаном Ферри. Что это изменило для вас, Брайан? Вы почувствовали себя немного свободнее, потому что это был ваш альбом и вы могли делать все, что хотели?
Брайан: Я так и сделал. Возвращаясь к 1976-му или 77-му году, я сначала поработал с парой американских музыкантов, действительно хороших сессионных музыкантов, и это немного открыло мне глаза на другой стиль игры. Я до сих пор считаю, что тот альбом ["The Bride Stripped Bare"], кстати, был действительно хорош, и в нем сочетались великие английские музыканты и эти американские парни. Это было очень интересное сочетание взглядов и навыков. И это заставило меня задуматься о том, чтобы работать с американцами, проводить больше времени в Америке, и благодаря Бобу Клирмаунтейну мы познакомились с Нилом Роджерсом, а затем с Фонзи Торнтоном и всеми лучшими сессионными певцами Нью-Йорка, а также с [саксофонистом] Дэвидом Санборном и Нилом Джейсоном, басистом. Я вовлек в орбиту Roxy одного или двух человек, но возможности для этого были ограничены, потому что Фил [Манзанера] и Энди [Маккей], очевидно, хотели попасть на пластинку. Но что касается "Girls and Boys", то это был еще один шаг в этом направлении - иметь открытую книгу о том, кому ты можешь позвонить. И мы сказали: “Что ж, давайте позвоним этому парню”. В Нью-Йорке было так много отличных специалистов, и нам нравилось работать там. Мы начинали записывать треки здесь, в Англии, а затем в Нью-Йорке хотели их доработать и, в конечном счете, свести там. Мы потратили на это много времени, и особых проблем не возникло.

Но как вы узнаете, когда нужно остановиться, Брайан?
Брайан: Когда тебе это надоест. И ты доходишь до того, что начинаешь думать, что любое изменение, которое я сейчас сделаю, скорее изменит ситуацию, чем сделает ее лучше. И это трудно понять. И иногда у меня все еще не очень хорошо получается…
Ретт: Крайний срок помогает! Вам нужен крайний срок, чтобы на самом деле закончить работу.
Звукозаписывающая компания, вероятно, предоставила бы вам этот срок?
Ретт: Или, может быть, если Брайан был приглашен в тур или что-то в этом роде, то это был крайний срок

Когда над разными треками работают разные люди, очевидно, что не хочется, чтобы слишком много поваров испортили бульон. Как это сработало?
Брайан: В тот момент у нас не было достаточного количества поваров. Мы использовали одну фразу одного гитариста, а затем другую - другого. И только что мы слушали и думали: “Кто это был?” И никак не могли понять, кто именно
Ретт: это был настоящий "плавильный котел".
Брайан: Это было похоже на оркестр рок-музыкантов!

А деньги в те дни не имели значения?
Брайан: Мы просто были погружены в свои мысли и хотели сделать отличный альбом. Наверное, я хотел выпустить хит, я хотел выпустить сингл, и у нас это получилось, в том числе с "Slave to Love" и "Don't Stop the Dance". Хотя, пожалуй, мой любимый трек - ‘Windswept’.

Итак, когда этот альбом ["Girls and Boys"] стал коммерчески успешным, вы, должно быть, почувствовали себя очень, очень довольными?
Брайан: Я был слишком измучен, чтобы быть довольным.
Ретт: Я был так измучен, что уволился!

Вообще-то, я собирался перейти к этому, но, Брайан, очевидно, что вы работали с другими продюсерами, Патриком Леонардом, Робином Троуэром и им подобными, но большая часть вашей работы за последние 25 лет или около того была связана с Реттом. Что особенного в этих отношениях и какими они были для вас, когда вам приходилось работать с другими людьми?
Брайан: Ну, начнем с того, что у нас с Реттом неплохое чувство юмора. Мы смеемся над разными вещами. И я думаю, Ретт находит мои выходки довольно забавными, а мне нравятся его остроты. И еще, я знаю, что Ретт надежный в том смысле, что я знаю, что ему нравится. И если я отбиваю мяч от его стенки, я знаю, что он отскочит обратно, как настоящий рикошет. Вот что интересно. Я могу захотеть что-то сделать, а он скажет: “О, нет, я не думаю, что тебе следует это делать”, и я буду просто вести себя агрессивно, пока однажды не признаю, что он был прав, или не скажу: “О, я думаю, что в данном конкретном случае я был прав”, но я знаю, к чему стремлюсь, поэтому все основано на доверии и честном подходе.
Ретт: Самое неприятное, с моей точки зрения, то, что в 99 случаях из 100, когда мы можем не соглашаться, он прав! (В этот момент Брайан искренне смеется). Раньше я всегда приходил в студию каждый день – и прихожу до сих пор – и думал: "Ладно, какими будут пять крутых шаров, когда я войду в дверь?" Потому что Брайан определенно не спал всю ночь или думал о чем-то своем, и он будет кидать в меня мячи.
Брайан: Я думаю, нам обоим нравится процесс записи. Мы оба ценим музыку. Я впервые встретил Ретта, когда он был кассетным оператором на Бейсинг-стрит [студии, которая позже стала SARM West] на своей первой студийной работе. И это было на альбоме "Another Time, Another Place" в 1974 году. Так что это давняя история.

Ретт, каково это было, когда ты слушал некоторые альбомы, над которыми не работал? Наверное, это был интересный опыт?
Ретт: Очень интересно. Да. Я имею в виду, что мне нравится альбом "Mamouna" [спродюсированный Брайаном и Робином Троуэрами]. Я думаю, что это действительно хороший альбом. И в "Bête Noire" [спродюсированном совместно с Патриком Леонардом] есть свои треки.
Брайан: Это был небольшой беспорядок. Было неспокойно.
Ретт: ‘Limbo’ великолепен. А теперь микширование в Dolby Atmos, которое мы только что сделали с Бобом (Клирмаунтейном]. Это был любимый фильм Боба, и он проделал над ним выдающуюся работу [он вышел на blu-ray-диске "Retrospective"].

Брайан, вы работали с Дэйвом Стюартом, не так ли? Каким он был в качестве соавтора?
О, он замечательный. Но больше похож на человека, который "зачинатель процесса". Ему нравится начинать, но он не очень любит доводить дело до конца. Дэйв всегда делает так много вещей одновременно. “О, мне нужно зайти в соседнюю комнату, я работаю над фильмом”, - или же он скажет что-нибудь [безумное] вроде “О, у меня сейчас лимонадная компания”. Он реальный персонаж. Но у него очень нестандартный подход… в то время как я хочу довести до конца. Когда мы записывали "You Can Dance", она начиналась как трек в стиле кантри и вестерн, и я превратил ее в нечто совершенно иное. Но он такой энтузиаст, Дэйв, и хороший парень, и он Джорди из Сандерленда... всего в паре миль от меня [Брайан вырос в Вашингтоне, графство Дарем].
В "Olympia" я предпочел работать с безграничными возможностями, а не с одними и теми же ребятами.

Этот альбом, альбом "Olympia", вы можете поправить меня, если я ошибаюсь, но, насколько я понимаю, изначально этот альбом задумывался как, возможно, новый альбом Roxy Music, но в итоге стал вашим сольным альбомом. Так вот как это произошло?
Брайан: Я не могу вспомнить дат, но, возможно, это сработало. Но тогда я не чувствовал этого по-настоящему, и просто предпочитал другой способ работы с бесконечными возможностями, а не с теми же ребятами. Я не получал той энергии, которую хотел.

Несмотря на то, что с коммерческой точки зрения альбом Roxy, вероятно, был бы весьма удачным, вас это не соблазнило?
Брайан: Я чувствовал, что это было бы слишком тяжелой работой. Честно говоря, я пытаюсь собраться с мыслями. Я думаю, что Фил великолепен. У него потрясающее звучание гитары, и он уникален, как и Энди. Мне нравится гобой, как вы понимаете. И когда Энди играет на гобое, это действительно прекрасно. И когда он играет на саксофоне. Он играет с чувством, у него особый тембр и отличное чувство юмора.
Ретт: У Фила тоже много энергии.
Брайан: Да, у Фила очень хорошая энергетика.

Мне нравится ваша кавер-версия "Johnny and Mary", песни Роберта Палмера на этом альбоме. Это такая фантастическая песня. Что привлекло вас к исполнению этой кавер-версии?
Брайан: Айзек, мой сын, друг [норвежского диджея и автора песен] Тодда Терье, и он хотел, чтобы мы сделали что-нибудь вместе. И я сказал: “Как насчет того, чтобы спеть эту песню?” И на самом деле, это была в основном его работа. Я был немного под кайфом, но он действительно хорош. У него большой талант, просто потрясающий. И мне нравится эта песня. Я встречался с Робертом Палмером только однажды, когда был в Compass Point [студии в Нассау на Багамах], где он жил. Я помню, как он вбежал в студию и сказал: “О, мне это нравится” – это была песня "Limbo". Но он сказал, что вам следует назвать ее "Down in Limbo’. И я сказал: “Хм, я не знаю, мне кажется, ”Limbo" мне нравится больше" [смеется].

Брайан [обращаясь к Ретту]: Ты работал с Робертом?
Ретт: Да, я работал с Робертом, я был помощником звукорежиссера в "Sneaking Sally Through The Alley".
О, ничего себе, это возвращает в прошлое.
Ретт: Это было здорово. Каждый раз, когда я был в Compass Point, будь то с B-52 или Talking Heads, я натыкался на него.

Он был великолепен. У него был очень эклектичный вкус и к тому же отличные музыкальные познания, не так ли?
Брайан: Он был другом Джона Портера, который является моим большим другом, и в некотором роде невоспетым героем. Мы учились в колледже, и он вроде как присоединился к Roxy. Он играл в "For Your Pleasure" и помог мне спродюсировать первый сольный альбом. Так что он действительно важная фигура в моем развитии. И он был большим другом Палмера и Литтл Фита, у них были общие интересы. Ричи Хейворд, барабанщик, был большим другом Джона, и Джон на самом деле не хотел присоединяться к Roxy в качестве басиста, потому что хотел играть в Little Feat. Это больше нравилось Джону. И он все еще жив. Он играл со мной в этом году. Иногда мне нравится, когда есть преемственность, но также и молодые таланты. Мне нравится находить баланс между ними.

Давайте поговорим о Dolby Atmos, потому что это то, что меня лично очень интересует. Брайан, что вы думаете об этом новом иммерсивном аудио? У вас в студии есть аппаратура, где вы можете его прослушать?
Брайан: Забавно, что ты это говоришь. Мы получили его только в прошлую пятницу. Сейчас мы его устанавливаем. На самом деле, мы спустились вниз, и он включился сам по себе, по какой-то странной причине. Кажется, он живет своей собственной жизнью! Но приятно иметь возможность снова встретиться с Бобом (Клирмаунтейном] и поработать с ним – наблюдать за его работой, участвовать в ней и комментировать. Я никогда особенно не увлекался объемным звуком, но когда он сыграл мне "Avalon", это прозвучало невероятно. И я подумал: ух ты! И [обращаясь к Ретту] мы сейчас постепенно составляем каталог, не так ли?
Когда Боб Клирмаунтейн микшировал альбом "Avalon" в стерео, он сказал: “У меня недостаточно динамиков для всего этого материала”, и это правда!

Ретт, "Retrospective", должно быть, была непростой задачей для вас с Бобом, потому что это не просто один альбом, как "Avalon". Это альбом, выпущенный за целое десятилетие. Итак, расскажите мне немного о том, как сложно было собрать кассеты и подготовить все это вместе с Бобом?
Ретт: У Брайана здесь есть сотрудники [штаб-квартира Брайана в Западном Лондоне]. Есть парень по имени Миллер, который отлично справляется с архивированием, поиском и сведением всего этого воедино. Так что, когда я приехал сюда, с поиском кассет все было в основном улажено. Бобу очень нравится этот формат. Он без ума от Dolby Atmos. Когда он микшировал альбом "Avalon" в стерео, он всегда говорил: “У меня недостаточно динамиков для всего этого”, и это правда! Так что от возможности услышать все это в Dolby Atmos просто захватывает дух. Собрать воедино некоторые записи было непросто. В поисках некоторых вещей мы не смогли найти "A Waste Land" [для "Girls and Boys"]. Но в конце концов мы нашли ее в середине ‘Valentine’. Но это увлекательный процесс, и просто невероятно наблюдать за тем, как Боб это делает, и помогать ему собрать все воедино. И у него есть способ работать в студии, где он слушает пластинку. Он так хорошо знает эту пластинку, но потом вдруг просто щелкает выключателем, и это волшебство.

Конечно, поздравления уместны, потому что микс "Avalon" Atmos был номинирован на "Грэмми", не так ли?
Ретт: Скрестим пальцы. Хотя, кажется, все убеждены, что мы не выиграем. Боб говорит: “Я никогда не выигрываю в таких вещах”.

Брайан, вы по-прежнему покупаете обычную музыку? Или вы перешли на потоковое вещание и прослушивание музыки онлайн?
Брайан: Я все еще иногда проигрываю на виниле, но не регулярно. Проблема в том, что если ты весь день занимаешься музыкой по работе, то вечером я предпочитаю пойти поужинать и перекусить, так что я на самом деле не слушаю или могу посмотреть американский футбол и просто отключиться от музыки. Но мне нравится просматривать свои записи.

Это очень распространенное времяпрепровождение... люди любят просматривать свои записи!
Брайан: Мне по-прежнему нравятся физические продукты и новая пластинка, о которой мы здесь собрались не для того, чтобы говорить, но я очень рад, что мы записываем ее как альбом, и мы также сделали микширование в Dolby Atmos. Я в восторге от этого.

Брайан, я хотел спросить вас, в частности, о том, что дает возраст такому музыканту и автору песен, как вы, который в наши дни становится пожилым джентльменом, и что он отнимает, если вообще что-то отнимает? Каковы плюсы и минусы того, что ты становишься старше и продолжаешь заниматься музыкой?
Брайан: Ну, минусы в том, что ты скоро умрешь, поэтому переживаешь, что не успеешь завершить определенные проекты. В некотором смысле, я работаю усерднее, чем когда-либо, пытаясь наверстать упущенное. У меня все еще есть много музыки, отрывков, которые я храню в архиве, которые никто никогда не слышал, и которые я хочу, чтобы люди услышали. Некоторые из этих отрывков вошли в мою новую работу.
И это также помогает, если вы работаете с молодыми людьми. Мой соавтор по этому [новому] альбому ["Loose Talk"] - молодая девушка [Амелия Барратт], ей чуть за 30, она работает автором текстов, и это было действительно замечательное новшество. Это первый раз, когда я работаю со словами кого-то другого, кроме каверов на песни. Она отличный автор, и она поет эти слова, но это моя музыка. Это отличается от всего, что я делал раньше, и это здорово - находить что-то новое. Важно найти что-то новое. Мой инженер Джеймс работает здесь уже восемь лет, с тех пор, как он был подростком, и он действительно великолепен, полностью погружен в работу и делает все то, что молодые люди делают с компьютерами. То, что я предлагаю, - это опыт и определенный музыкальный вкус.
Ретт: Я не думаю, что за все годы, что я тебя знаю, твоя трудовая этика изменилась. Ты трудоголик. Тебе нравится работать в студии, ты любишь все контролировать и исследовать все возможные пути. Опять же, это всего лишь часть вашей ДНК.
Брайан: Приятно чувствовать, что ты готов к приключениям. Пробуешь то, чего не пробовал сам или никто другой.

Вы проводите в студии большую часть времени, Брайан?
Брайан: С понедельника по пятницу

С вами там команда?
Брайан: Ну, приходит Ретт. Он приходит за специальной критикой и по некоторым вопросам помогает нам с мастерингом или, может быть, с миксом, с которым возникли проблемы. Или с Бобом, чтобы сделать миксы для Atmos. Мы собираемся снова в апреле, чтобы поработать с ним [после этого интервью студия Боба Клирмаунтейна, к сожалению, сгорела во время лесных пожаров в Калифорнии]. Здесь отличная команда. А еще внизу есть три парня, которых мы взяли с собой после музыкальной школы, или, скорее, продюсерской школы.

Как вы думаете, Брайан, вы снова отправитесь в турне, или вы уже отошли от живых выступлений?
Брайан: Очень сомневаюсь. Посмотрим, как сложится работа над новым альбомом. Мы могли бы провести несколько концертных презентаций, но я не уверен.

Так что, на этом новом альбоме вы тоже поете?
Брайан: Не совсем. Возможно, вы услышите меня на заднем плане в паре вещей. Но нет.

И последний вопрос. Первый альбом Roxy Music вышел в виде роскошного бокс-сета еще в 2017 году, и все были от него в восторге. Но я думаю, что фанаты ждут вашего удовольствия, и мне просто интересно, произойдет ли это в ближайшее время. Вы знаете?
Брайан: Ну, мы надеялись это сделать, но на это уходит так много времени и усилий.
Ретт: это время придет.

Спасибо Брайану Ферри и Ретту Дэвису, которые дали интервью Полу Синклеру для SDE.

Интервью с Дэвидом Бедфордом, автором книги "Liddypool: Birthplace of The Beatles"

Дэвид Бедфорд родился в 1965 году и вырос в ливерпульском районе Дингл, в конце Мадрин-стрит, где родился Ринго Старр. Когда болезнь вынудила Бедфорда уйти на пенсию, врач посоветовал ему найти себе занятие по душе. Бедфорд начал поиски, чтобы узнать как можно больше об истории Битлз в Ливерпуле. В результате почти десять лет спустя появилась книга "Liddypool: Birthplace of The Beatles", великолепная книга-подарочное издание, изданная издательством Dalton Watson Fine Books с предисловием барабанщика Пита Беста.
“Чтобы понять Битлз, вы должны понять Ливерпуль", - пишет Бедфорд, который является экскурсоводом, а ныне одним из самых выдающихся экспертов по ранней истории Битлз.

В: Дэвид, что впервые пробудило в вас интерес к Битлз?
ДБ: На самом деле, Битлз всегда были большой частью моей жизни. Я был поклонником Битлз с самого раннего возраста, поскольку вырос в захолустье в конце улицы, где родился Ринго Старр. Я даже ходил в ту же начальную школу, что и Ринго. Когда я в возрасте 10 лет научился играть на гитаре и по-настоящему начал развивать свои музыкальные навыки, я почерпнул информацию из книги "The Beatles Complete". После того, как я женился на своей жене Эли, мы переехали в район Пенни-Лейн. Позже трое (моих) детей были зачислены в школу Довдейл, где много лет назад учились Джон Леннон и Джордж Харрисон. Когда в 2000 году Йоко Оно любезно пожертвовала школе 30 000 фунтов стерлингов на проект, над которым мы работали, и я рассказал об этом лондонскому фан-клубу Beatles. Это совпало с тем, что мой врач уволил меня с работы из-за заболевания, от которого я страдал в течение двух лет: фибромиалгии. Мне сказали, что я больше никогда не смогу работать. Мне было 35 лет, у меня было трое маленьких детей. Мне сказали, что физически я буду быстро деградировать, но важно было поддерживать активность моего ума. Мой врач спросил меня, чем я увлекаюсь, и я ответил: Битлз. По сути, он прописал мне Битлз в качестве терапии. Я прочитал "John Lennon Encyclopedia" Билла Харри и начал составлять список городских мест, связанных с Битлз. Однако, когда я читал другие книги о Битлз, то обнаружил расхождения между информацией, приведенной в различных книгах. Я начал изучать книги в поисках информации, но из-за моего состояния здоровья у меня возникли проблемы с кратковременной памятью, поэтому я мог прочитать 25 страниц и забыть прочитанное. Я начал делать заметки, которые помогали мне. Тогда я понял, что у меня было много листков бумаги с заметками, но они не совпадали. Я решил посетить и сфотографировать эти места, а также записать нужную информацию, которую, по предложению моей жены, я решил собрать в небольшую книгу, которую я мог бы написать. Это было девять лет назад, и посмотрите, что получилось!

В: В своем предисловии вы пишете, что большинство людей, которые пишут книги о Битлз, не понимают Ливерпуль или никогда в нем не бывали. Почему читателям “Liddypool” важно это понять?
ДБ: Я читал книги, написанные авторами из других городов или стран, которые, в некоторых случаях, никогда не были в Ливерпуле. Я читал их книгу и думал: "Погоди, приятель, ты пишешь о моем городе, рассказываешь мне анекдоты и исторические факты и все неправильно понимаешь". Это меня по-настоящему разозлило, и через некоторое время меня осенило: “Чтобы понять Битлз, ты должен понять Ливерпуль". Я бы и не мечтал написать книгу о детстве в Нью-Йорке, потому что я никогда не был в Нью-Йорке и мог бы только пересказывать истории, написанные другими людьми. Понять Ливерпуль можно, только погрузившись в город с головой, ощутив его душу и выросши в нем. Только тогда вы сможете понять особенности этого уникального места, которое сыграло основополагающую роль в формировании the Fab Four. Если вы не имеете представления о том, что представляет собой этот город, вы не сможете в полной мере понять, почему только Ливерпуль мог породить Битлз.

В: Как вам пришла в голову идея посвятить книгу только их годам в Ливерпуле (1940-1964)?
ДБ: У меня в буквальном смысле около 100 книг о Битлз, и, когда я мысленно составлял эту книгу, я понял, что для поиска информации мне нужно обратиться к множеству разных книг. Не было ни одной книги, которая служила бы для меня справочником. Именно тогда я решил, что должен написать о местах, которые я знаю – в Ливерпуле и его окрестностях. Я мог бы рассказать историю становления The Beatles, но я не хотел выходить за пределы этого района, потому что это было хорошо задокументировано. Как поклонник Битлз, я мечтал о книге о Ливерпуле и Битлз. К моему большому удивлению, такой книги не оказалось. Я нашел свою нишу и решил сконцентрироваться на Ливерпуле. Я также хотел закончить повествование на пике их популярности в Ливерпуле 10 июля 1964 года, когда 200 000 фанатов выстроились вдоль улиц, чтобы поприветствовать своих любимых сыновей и оказать им общественный прием. Это был невероятный момент в их жизни, и, хотя они, вероятно, не до конца осознавали это, это был один из последних моментов, когда Ливерпуль видел их. На мой взгляд, это было логичным завершением книги.

В: Только в Ливерпуле ходило так много слухов, полуправды и домыслов о группе. Как вы думаете, почему это так?
ДБ: Такова природа этого чудовища – люди хотят быть как можно ближе к истории. Для этой книги я решил обращаться непосредственно к первоисточникам, где только мог, потому что было так мало книг, на которые я мог положиться. Я брал интервью у The Quarrymen, Аллана Уильямса, Пита Беста, Джулии Бэрд, Билла Харри, Алистера Тейлора, Сэма Лича и многих других. Я обнаружил, что снова и снова читаю одни и те же истории в разных книгах, правильные или неправильные, как будто существует один источник, которым пользуются все, независимо от точности. Но когда я разговаривал с этими очевидцами, они иногда рассказывали мне разные истории. Это беспокоило меня, потому что, как и в случае с теорией "испорченного телефона", согласно которой истории меняются каждый раз, когда их рассказывают, воспоминания с годами тоже тускнеют. К тому же, как и в случае с любым явлением, некоторые люди, вовлеченные в него на периферии, внезапно видят возможность и рассказывают о своей роли для собственного эго, что затем переходит в фольклор. Я был полон решимости исследовать все, что мне говорили, и подтвердить это как можно большим количеством источников. Похоже, у каждого в Ливерпуле есть своя история о Битлз, и они горят желанием рассказать ее вам. Будьте начеку!

В: Какой самый большой слух вы исправили в книге?
ДБ: Возможно, Пита Беста уволили, потому что он был никудышным барабанщиком. Существует так много теорий, которые можно легко опровергнуть, например, о том, что он не сменил прическу! Поскольку Питу так и не было дано никаких объяснений, нам пришлось собрать мнения тех, кто был там в то время, поскольку однозначного ответа на этот вопрос не было. Меня не удовлетворила ни одна из предложенных теорий, и в конце концов я выдвинул свою собственную. В истории группы были разные музыканты, от которых отказывались по ходу дела, часто не по их собственному выбору. Когда было необходимо, Джон, Пол и Джордж принимали решение уволить одного из участников группы, что, по их мнению, было на благо группы. Один из конкретных случаев был связан с тем вечером в клубе The Casbah, когда Кен Браун не смог сыграть с The Quarrymen из-за болезни. Джон, Пол и Джордж играли без него. Когда Мона Бест заплатила группе деньги, Джон захотел узнать, почему деньги все еще делились на четверых, ведь Кен в тот вечер не играл. Джон, поддержанный Полом и Джорджем, потребовал у Кена его долю денег, иначе они больше не будут играть в Касбе. Мона не собиралась отступать, поэтому Джон, Пол и Джордж ушли без Кена. Когда я проанализировал события, произошедшие с июня 1962 по август 1962 года, стало ясно, что Джордж Мартин не собирался использовать Пита Беста для записи пластинок. Однако Мартин не видел необходимости в замене Беста. Если вы посмотрите на причину, по которой Ринго присоединился к группе, то поймете, что он был нанят на испытательный срок за фиксированную плату в неделю и не получал гонораров, начисляемых на какие-либо записи в то время. Таким образом, выручка от записи, по одному пенни с каждой пластинки, была разделена на троих – между Джоном, Полом и Джорджем, а Ринго денег не получил. Это напомнило мне о ситуации с Кеном Брауном, и это послужило основой для моей теории. Чем больше я вникал в детали, связанные с увольнением Пита, тем больше это мне казалось логичным. До сих пор никто не смог опровергнуть мою теорию, потому что никто не хочет об этом говорить. По сей день Пит до сих пор не знает, почему его уволили. К сожалению, я не думаю, что он когда-нибудь узнает настоящую правду.

В: Я был поражен, узнав, сколько было воплощений этой группы. Расскажите о том, сколько раз они распадались или превращались во что-то другое, и как судьба сыграла свою роль во всем этом.
ДБ: Как и многие фанаты, вы с самого начала интересовались Битлз, зная, что ими были Джон, Пол, Джордж и Ринго, которыми руководил Брайан Эпштейн. Затем вы узнаете, что менеджер Аллан Уильямс отдал их, и что раньше они назывались The Quarrymen. Я начал читать больше о том, как Джон основал The Quarrymen, и о том, как упоминались разные имена, и я решил найти каждого музыканта, который когда-либо играл в этих разных группах, и о том, как менялись названия. Я полагал, что это простая задача. Это оказалось одним из самых сложных аспектов книги. История “Великолепной четверки” со временем превратилась в “Великолепные 27” и включает в себя разовые выступления таких людей, как Рон Тед и Рори Шторм, перед более важными музыкантами, такими как Айвен Воган и Стюарт Сатклифф, которые являются неотъемлемой частью этой истории. Я обнаружил, что до того, как они стали называться The Quarrymen, их называли Тhe Blackjacks, что также совпадало с названием первой группы Кена Брауна и Пита Беста. Самым большим сюрпризом было узнать, что, когда в составе Quarrymen остались только Джон, Пол и Джордж, они распались в январе 1959 года, когда Джордж Харрисон ушел, чтобы присоединиться к The Les Stewart Quartet. Когда в августе 1959 года должно было состояться открытие (клуба) Casbah, на премьеру был приглашен The Les Stewart Quartet с Джорджем Харрисоном на гитаре. За несколько недель до этого события Лес Стюарт – или, точнее, его девушка – решили, что им не стоит выступать! Кен Браун и Джордж Харрисон выбежали из зала и пообещали Моне Бест, что соберут группу для открытия клуба. Джордж позвонил двум своим старым друзьям – Джону Леннону и Полу Маккартни – и они переформировали The Quarrymen, чтобы открыть клуб как Джон, Пол, Джордж и Кен. Что было бы, если бы The Les Stewart Quartet открыл клуб?

В: "Liddypool" также отдает дань уважения Моне Бест и клубу Casbah, которые сыграли важную роль в развитии группы. Расскажите об этом клубе и о том, почему его не замечали на протяжении многих лет?
ДБ: Самым большим сюрпризом для фаната Битлз, выросшего в Ливерпуле, было открытие "скрытой жемчужины" - Casbah. Все, о чем я знал - это легенда о The Cavern, где они выступили более чем в 300 концертах. Но было ли это “местом рождения Битлз"? Я предположил, что так оно и было. Я не поверил своим глазам, когда обнаружил Касбу в книге "The Beatles: the True Beginnings". Это было на самом деле? Мне нужно было это выяснить, поэтому я связался с Роугом Бестом, который провел для меня экскурсию. Здесь было настоящее место рождения The Beatles. Его открыла в августе 1959 года Мона Бест, которая была настоящим провидцем. Этот клуб был словно перенесен в прошлое, потому что он все еще оставался таким, каким был, когда закрылся в 1962 году. Потолок расписан вручную Джоном Ленноном и Полом Маккартни, а звезды нарисованы Джоном, Полом, Джорджем, Кеном Брауном, Питом Бестом и Стюартом Сатклиффом. Просто войдя в это место, вы почувствуете невероятный кайф. Когда были написаны первые книги о Битлз, Мона и Пит Бест не стремились обсуждать успех группы, которая уволила Пита на пороге славы, потому что, и это было справедливо, они были озлоблены. И поэтому в этих книгах Casbah просто не упоминалась. Это восходит к причине, по которой я начал писать эту книгу: не полагаться на книги других людей, чтобы пересказывать одну и ту же старую историю. Если у вас есть книга, в которой утверждается, что она рассказывает реальную историю The Beatles, но не упоминается важность Casbah, значит, вы читаете не настоящую историю. Именно здесь они впервые выступили за пределами Германии как The Beatles, еще до того, как стали знаменитыми, и до появления The Cavern. Вот почему Касбе посвящена целая глава: это феноменальное место.

В: Расскажите нам вкратце о сцене Merseybeat в конце 1950-х и о том, какие группы были самыми популярными в то время?
ДБ: Когда в 1956 году Британию охватило повальное увлечение скиффлом, вдохновленное Лонни Донеганом, по всей стране возникли такие группы, как The Quarrymen. Скиффл просуществовал недолго, но к тому времени Элвис уже вовсю качал бедрами, а в Ливерпуле выступил Бадди Холли, за которым, кстати, наблюдали Джон, Пол и Джордж. Они были вдохновлены настоящим рок-н-роллом. Когда The Quarrymen превратились в Silver Beatles, они были не особенно хороши. Если вы хотели увидеть топ-группу, то вам следовало следить за Rory Storm and the Hurricanes, Derry and the Seniors, The Searchers, The Swinging Blue Jeans, Gerry and the Pacemakers и Kingsize Taylor, а также за другими. В Касбе выступали все ведущие рок-группы Мерсибита. К 1962 году в Ливерпуле насчитывалось около 300 рок-н-ролльных групп, игравших в клубах по всему городу. Я составил список клубов, в которых играли The Quarrymen или The Beatles, и насчитал более 100. В пятидесятые годы наряду с рок-н-роллом процветала джазовая сцена, а также клубы в стиле кантри & вестерн и фолк.

В: Из четырех Битлз только Пол Маккартни, казалось, с чувством относился к Ливерпулю и его колоритным корням. Почему Джон, Джордж и Ринго не чувствовали того же?
ДБ: Когда я брал интервью у сводной сестры Джона Джулии Бэрд, стало ясно, что в 1970-х годах Джон тосковал по дому и просил привезти ему что-нибудь на память. Из-за проблем с визой в США поездка домой была невозможна в течение многих лет. Кто знает, что было бы, если бы его не убили? Я подозреваю, что однажды он собирался вернуться в Ливерпуль. Джордж поддерживал контакты с некоторыми членами своей семьи и поддерживал некоторые проекты в Ливерпуле, в первую очередь реставрацию викторианского пальмового дома в Сефтон-парке, на что он сделал значительное пожертвование. Ринго поддерживал некоторые проекты в Дингле, особенно свои старые школы – Сент-Сайлас и современную среднюю школу Дингл-Вейл. Но он с детства мечтал жить в Америке и, похоже, никогда по-настоящему не скучал по Ливерпулю. Эти усилия меркнут на фоне того, что Пол Маккартни сделал для своего родного города, как в виде государственных, так и частных пожертвований, в первую очередь для Ливерпульского института исполнительских искусств. Пол по-прежнему регулярно навещает здесь свою семью и публично демонстрирует свою любовь к Ливерпулю. Он, без сомнения, любимый сын города.

В: В вашей книге Йоко Оно предстает как одна из крупнейших спонсоров Ливерпуля, которая сохранила многое из истории Битлз. Что она сделала за эти годы?
ДБ: Когда вы говорите о вкладе Пола Маккартни в развитие Ливерпуля, это довольно широко освещалось в средствах массовой информации. Йоко Оно никогда не пользовалась таким вниманием со стороны СМИ, и она не всегда вызывала к себе такой интерес. Она внесла свой вклад в развитие школы Довдейл, как в государственном, так и в частном порядке, купила Mendips, а затем передала его в Национальный фонд. Она также поддержала детский дом Strawberry Field Children’s Home и согласилась на изменение названия Ливерпульского аэропорта на аэропорт имени Джона Леннона. Она поддерживает и продвигает Ливерпуль, когда может. Одним из ее последних действий стало создание “Imagine Appeal” в детской больнице Ливерпуля в Олдер-Хей. Она разрешила им использовать рисунок Джона в качестве логотипа и поддержала сбор средств на медицинское оборудование для детей Ливерпуля. Она не обязана ничего делать для Ливерпуля, но она продолжает работать во имя Джона, и это делает ее героем в моей книге.

В: Вы завершаете книгу триумфальным возвращением The Beatles в мэрию в июле 1964 года. Создается впечатление, что с этого момента ливерпульцы поняли, что Битлз принадлежат всему миру. Расскажите нам в исторической перспективе о том, насколько важны Битлз для наследия Ливерпуля и как к ним относятся сегодня?
ДБ: The Beatles покинули The Cavern в августе 1963 года, пообещав вернуться, но так и не вернулись. Фанаты Ливерпуля знали, что они уходят навсегда, и должны были поделиться этим со всем миром. Проще говоря, Битлз внесли Ливерпуль в историю и укрепили его в сознании людей во всем мире. Если вы скажете, что вы из Ливерпуля, то люди в большинстве стран мира ответят: “Да, Битлз". С приходом порта в упадок, досуг и туризм стали неотъемлемой частью жизни Ливерпуля в 21 веке, и во многом это связано с легендой The Beatles. Фанаты совершают паломничество со всех уголков земли, чтобы посетить Penny Lane, The Cavern, Strawberry Field и другие не менее известные места. Ливерпуль - родина The Beatles, но это также и 800-летний город с одной из лучших архитектур в Европе, набережной, внесенной в список Всемирного наследия Юнеско, одними из лучших музеев и художественных галерей Великобритании и футбольным клубом "Ливерпуль" (по-прежнему самой успешной британской футбольной командой). Это жемчужины, которые вы открываете для себя, когда приезжаете сюда, но именно The Beatles привлекают вас сюда в первую очередь. В Ливерпуле есть места, которые вы запомните на всю оставшуюся жизнь.

(Примечание: "Liddypool" - шуточное название для Ливерпуля, которое придумал Джон Леннон в своей книге "In His Own Write"- 1964)

John Lennon Estate выпустил новый видеоклип "Sunday Bloody Sunday" и новый бокс-сет "Power to the People"

В 1972 году Джон Леннон и Йоко Оно написали и записали зажигательную песню протеста под названием “Sunday Bloody Sunday”. Пара создала эту музыку 31 января 1972 года в ответ на "Кровавое воскресенье", произошедшую накануне резню, в ходе которой британские солдаты убили 13 безоружных гражданских лиц, включая шестерых детей, во время марша протеста в Дерри. Теперь The John Lennon Estate выпустили захватывающее визуальное сопровождение к гимну Джона Леннона и Йоко Оно.
Новое музыкальное видео на песню “Sunday Bloody Sunday” иллюстрирует с помощью текста и статистики человеческие и финансовые издержки войны, применения оружия и политического насилия. В клипе рассказывается о конфликтах и трагедиях со всего мира, включая беспорядки в Ирландии, войну во Вьетнаме, ирано-иракскую войну, Ливан, площадь Тяньаньмэнь, взрыв бомбы в Локерби, Боснийскую войну, геноциды в Руанде и Дарфуре, Чеченские войны, 11 сентября, войну в Ираке, Сирию, войну на Украине, войну в Газе и массовые расстрелы в Соединенных Штатах. В конце статьи остро указывается, что с тех пор, как 8 декабря 1980 года Леннон был застрелен возле своего дома в Нью-Йорке, от огнестрельного оружия в США погибло 1,5 миллиона человек.
Режиссерами клипа выступили Саймон Хилтон и Дэвид Фрирсон, а продюсерами — Шон Оно Леннон, Дельфина Ламанде-Фрирсон, Софи Хилтон, Фэй Джордан и Грейс Дэвид. Видео — это не просто новый акт протеста, это призыв к действию. Видео, размещенное на YouTube, содержит ссылки на десятки благотворительных проектов, направленных на борьбу с последствиями войн и насилия по всему миру.
”Sunday Bloody Sunday" впервые появилась на альбоме John & Yoko/Plastic Ono Band with Elephant’s Memory - "Sometimes In New York City", 1972 года, который был задуман как “аудиогазета”, освещающая важные события по всему миру. Песня войдет в новый бокс-сет "Power to the People", состоящий из 12 дисков и 123 треков, посвященный ненасильственному протесту Джона и Йоко в Нью-Йорке.
Бокс-сет преобразует материал, записанный в "Sometimes In New York City", в новые Ultimate Mixes, которые были обновлены и упорядочнены под названием "New York City". В центре внимания этого комплекта - полная живая запись концерта "One To One Concert" от 30 августа 1972 года. "The One To One Concerts" - двухдневное мероприятие в Мэдисон-Cквер-Гарден с участием Джона и Йоко/группы Plastic Ono, группы Elephant's Memory и специальных гостей.