Окружение The Beatles: Дик Джеймс

TBS 2021

Дик Джеймс — противоречивая фигура в истории «Великолепной четверки»; деловые отношения The Beatles с Диком Джеймсом в конечном итоге лишили Джона Леннона и Пола Маккартни пра на свои собственные песни.

Сын польских еврейских иммигрантов, Дик родился под именем Реджинальд Леон Исаак Вапник в декабре 1920 года в Лондоне.
После Второй мировой войны Дик добился определённого успеха как артист с оркестром Сирила Стэплтона, а в 1955 году выпустил несколько британских хитов с вокальной группой The Stargazers. Он также написал запоминающийся детский хит Макса Байгрейвса «I'm A Pink Toothbrush, I'm A Blue Toothbrush» , а в 1956 году подписал контракт с Джорджем Мартином на лейбле Parlophone. Джордж Мартин спродюсировал самый большой хит Дика — музыкальную тему для британского телесериала 1950-х годов «Приключения Робин Гуда» .
Когда его певческая карьера пошла на спад, Дик занялся издательским бизнесом в сфере музыки и в 1961 году основал компанию Dick James Music. Спустя пару лет с ним связался Брайан Эпштейн по рекомендации Джорджа Мартина, который искал издателя для «Please Please Me».
Дик положительно отреагировал на альбом "Please Please Me", но во время первой встречи Дика и Брайана последний спросил, что он может сделать для The Beatles такого, чего не смог сделать отдел по связям с общественностью EMI. Дик тут же позвонил Филипу Джонсу, продюсеру популярного шоу Thank Your Lucky Stars, который согласился впервые дать выступить The Beatles на национальном телевидении. Этого оказалось достаточно, чтобы заключить сделку.
Дик предложил им с Брайаном основать новую компанию — Northern Songs. Именно это название появилось на втором сингле The Beatles «Please Please Me» и во всех последующих хитах Леннона и Маккартни.
Первоначальный акционерный капитал Northern Songs составлял 100 фунтов стерлингов акциями номиналом 1 фунт стерлингов. Дик Джеймс получил 25% акций, как и его бухгалтер и финансовый партнёр Чарльз Сильвер. Джон и Пол получили по 20%, а Брайан — 10%. Администрирование Northern Songs осуществляла компания Dick James Music под руководством Брайана Эпштейна и Дика Джеймса.
Внешне сделка казалась справедливой, но у Дика и Чарльза было на одну долю больше, чем у Джона, Пола и Брайана. Это имело дорогостоящие последствия в последующие годы.
Когда «великолепная четверка» основала собственную компанию — Apple, они весьма пренебрежительно отнеслись к работе Дика Джеймса, а когда стало ясно, что дни The Beatles сочтены, он продал свои акции Northern Songs, не посоветовавшись ни с Джоном Ленноном, ни с Полом Маккартни, в результате чего эта парочка потеряла контроль над собственными композициями.
Дик Джеймс получил от этой продажи большую финансовую выгоду, но это означало, что The Beatles больше никогда не имели прав на свои собственные песни.
В 1969 году он основал лейбл DJM Records, где работал с Элтоном Джоном и Берни Топином. Дик умер в 1986 году.

Питер Гэбриэл: "Если бы мы были по-настоящему умны, мы могли бы создать Искусственный Интеллект, который сделал бы нас мудрее и, надеюсь, сострадательнее"

Mary Varvaris 7 December 2023

Питер Гэбриэл, вдохновленный созданием своего нового альбома "i/o", рассказал The Music* (*онлайн-журнал об австралийской музыке) в эксклюзивном интервью в Австралии: "Забвение о том, откуда мы пришли, заставило нас поверить, что мы можем выжить, независимо от того, что мы делаем с планетой. Становится совершенно ясно, насколько глупым это было на самом деле".
С поклонниками в лице Дэвида Боуи, Элтона Джона, R.E.M., Radiohead, Брюса Дикинсона и Стива Харриса из Iron Maiden, Готье, The Killers, Сары Маклахлан, группы TV On The Radio и многих других, а также с огромным списком соавторов: Шинейд О'Коннор, Кейт Буш, Элизабет Кокто из Cocteau Twins, Фрейзер, Трент Резнор из Nine Inch Nails, Стюарт Коупленд из The Police и бывший коллега по группе Genesis Фил Коллинз - его влияние на музыкальную индустрию, несомненно, огромно.
Тем не менее, означает ли это, что его преданные поклонники последуют его примеру и начнут выпускать новые песни в каждое полнолуние? Мы не можем сказать, насколько это вероятно.
У Габриэля также есть настоящая современная икона, считающая себя его давним поклонником: популярный Гарри Стайлс появился на шоу Говарда Стерна SiriusXM в начале марта 2020 года и записал кавер на чрезвычайно успешный хит Габриэля 1986 года "Sledgehammer".
Назвав эту песню одной из “лучших смешанных песен” всех времен, Стайлз и его талантливые коллеги по группе превзошли ее и преуспели в том, чтобы перенести песню 80-х годов в 2020-е. Кавер получил одобрение Габриэля, который несколько раз похвалил его в своем аккаунте в сети X (бывшем Twitter).
В эксклюзивном интервью The Music в Австралии Гэбриэл объясняет, что, хотя он и его команда знали, что клип на песню "Sledgehammer" был экстраординарным, они понятия не имели, какое влияние это окажет на их творчество.
“Мы знали, что это видео особенное, но понятия не имели, насколько далеко оно может зайти”, - признается он. “Мне действительно понравилось работать с некоторыми замечательными новыми артистами, использующими искусственный интеллект и Stability Diffusion для создания своих собственных видео. Мне нравится, что технологии позволяют каждому увидеть себя в качестве художника и что барьеров для входа становится все меньше”.
Будучи одним из основателей и оригинальным вокалистом британской группы Genesis, Гэбриэл и его товарищи по группе стали пионерами прогрессивного рока, популяризировав этот жанр и завоевав поклонников по всей Британии задолго до того, как их музыка стала практически доступной.
От выступлений в драматических костюмах до борьбы с боязнью сцены в Genesis и достижения совершенства в поп-музыке в своем сольном альбоме 1986 года "So", музыкальные и личные пути Габриэля начали пересекаться: он обратился к гуманитарной деятельности, в том числе к давним отношениям с Amnesty International, WITNESS, а также к выступлениям против апартеида, гражданской войны в Сирии и поддержку признания Геноцида армян.
В 2015 году Университет Южной Австралии наградил Питера Гэбриэла за его вклад в создание WOMAD* (*международный фестиваль мировой музыки, искусств и танца), музыку и права человека.
“Питер - пример того, что значит быть успешным на многих уровнях”, - сказал вице-канцлер UniSA профессор Дэвид Ллойд. “Отличный коллаборационист, а также музыкант и композитор со своим собственным неповторимым стилем, его звездная карьера была отмечена новаторскими разработками в области производства музыкальных клипов, а также в области записи и распространения.
“Помимо хитов, возглавляющих чарты, многочисленных наград MTV и ”Грэмми" за свою групповую и сольную музыкальную карьеру, Питер внес огромный вклад в развитие мирового сообщества и применил свои значительные навыки, чтобы изменить ситуацию к лучшему".
Ллойд продолжил: “Его усилия по созданию возможностей для торжества справедливости и соблюдения прав человека были безграничными. Он работал с Ричардом Брэнсоном и горячо любимым Нельсоном Манделой, бывшим президентом Южной Африки, а также доктором Университета Южной Австралии, над созданием в 2007 году организации "The Elders" – сети высококвалифицированных международных лидеров, способных предложить стратегии миротворчества и ведения переговоров, а также мудрость везде, где возникают глобальные конфликты.
“Его приверженность делу укрепления мира, поддержки обездоленных людей, поощрения социальной справедливости и взаимопонимания была отмечена в 2006 году лауреатами Нобелевской премии мира, когда ему была вручена премия "Человек мира", а в 2008 году журнал Time назвал его одним из 100 самых влиятельных людей в мире.
“Университет очень рад приветствовать его в качестве почетного доктора, и мы верим, что пример его работы и жизни послужит источником вдохновения для многих наших студентов и выпускников”.
На прошлой неделе Габриэль совершил еще одно важное достижение, выпустив свой первый альбом с совершенно новым материалом за 21 год. И что это за альбом!
"I/o" - это сочный, нежный, вызывающий воспоминания альбом, наполненный эмоциональными моментами, такими как соло виолончели на "And Still", неотразимая природа "Panopticom" и мрачная атмосфера "The Court". "I/o" следует за альбомом Габриэля 2011 года "New Blood", его проектом по перезаписи оркестра. "New Blood" вышел через год после его кавер-версии "Scratch My Back". Его последним сольным альбомом, написанным в 2002 году, был "Up", выпущенный спустя целое десятилетие после "Us" 1992 года.
"I/o" - это необычный альбом, поскольку каждая песня состоит из двух стереомиксов: светлого микса, которым занимается Марк “Спайк” Стент, и Темного микса, которым занимается Чад Блейк.
Гэбриэл объяснил в пресс-релизе: “У нас есть два лучших микшера в мире - Чад и Спайк, и они определенно привносят в песни разные характеры. Чад в значительной степени скульптор, создающий путешествие с помощью звука и драмы; Спайк любит звук и создает эти картины, так что он больше художник”.
Габриэль рассказывает The Music о выпуске новых песен в каждое полнолуние: “Меня гораздо больше интересует астрономия, чем астрология, но одной из тем, которую я хотел исследовать, было воссоединение с природой.
“Забвение о том, откуда мы пришли, заставило нас поверить, что мы можем выжить, независимо от того, что мы делаем с планетой”, - поясняет он. “Становится совершенно ясно, насколько глупым это было на самом деле. Воссоединение с природой, осознание своего места во Вселенной и роли, которую солнце и луна играют в нашей жизни, кажется простым способом начать этот процесс. Отсюда и лунные релизы.”
В своем амбициозном и потрясающем по звучанию новом проекте, в который вошли песни, находящиеся в разработке с 1995 года, а также более свежие треки, Габриэлю каким-то образом удалось собрать целостную коллекцию песен, которая не будет забыта в ближайшее время.
“Несмотря на то, что я работал над множеством других немузыкальных проектов, я все это время продолжал экспериментировать с музыкальными идеями”, - признается Габриэль. “Так что выбирать было из чего. Я выбрал песни, которые, по моему мнению, могли бы подойти друг другу или имели какое-то отношение к тому, что я пытался сказать этим альбомом”.
Габриэль гастролирует в поддержку альбома "i/o" с июня 2023 года, путешествуя по Европе, Соединенному Королевству и Соединенным Штатам Америки, эффективно тестируя новые песни за несколько месяцев до их выхода. На своем последнем концерте в Хьюстоне, штат Техас, в октябре он исполнил одиннадцать из двенадцати песен на "i/o", и он с самого начала знал, что это решение будет “непростым”.
Он объясняет: “С самого начала тура я знал, что исполнение всего нового материала будет сложной задачей для некоторых людей, но все получилось на удивление хорошо”. Назвав визуальные эффекты в туре "i/o" “красивыми и мощными”, он добавляет: “Поскольку каждая новая песня была выпускаемый в каждое полнолуние, он становился все более привычным для аудитории, и мы могли бы сказать, что это вызвало у нас лучшую реакцию”.
Ранее в этом году Габриэль в партнерстве со Stability AI объявил конкурс DiffuseTogether, чтобы поклонники могли создавать музыкальные клипы на его музыку с помощью искусственного интеллекта.
Участники должны были представить на конкурс, который проводился на Discord, одно анимационное видео, созданное с помощью искусственного интеллекта и вдохновленное музыкой Питера Гэбриэла.
В видеороликах использовалась технология Stability AI, разработанная компанией Stable Diffusion, ее ведущей в отрасли набор моделей обработки изображений с открытым исходным кодом, а также такие приложения, как DreamStudio (фотореалистичная визуализация), Stability for Blender (3D) и AnimAI (анимация).
Питер Гэбриэл прокомментировал этот шаг в интервью PR-изданию Newswire: “Эти мощные, преобразующие инструменты искусственного интеллекта впервые доступны всем нам. У нас есть шанс сплести новые реальности из нитей нашего собственного воображения и креативности”.
Он продолжил: “Я построил свой мир из звука, и теперь я прошу сообщество визуальных искусств создать свои собственные неизведанные аудиовизуальные пейзажи мечты с ковром из моей музыки. Благодаря вашему творчеству и опыту, а также преобразующей силе Стабильного распространения, мы можем создать множество новых необычных и любопытных приключений. Давайте воспользуемся светом полной луны и запустим это судно в плавание.”
Использование ИИ в своих интересах и открытое использование его как “нового мощного инструмента” - непопулярное мнение среди музыкантов, так как Ник Кейв называет песни с ИИ “чушью собачьей”, а ChatGPT - “гротескной насмешкой над тем, что значит быть человеком".
Между тем, 26% австралийских независимых артистов, опрошенных в недавнем отчете GYROstream, заявили, что использовали искусственный интеллект в своей работе. Те, кто использовал искусственный интеллект в своей карьере, в основном использовали его для помощи в маркетинге и PR, мастеринге и для вдохновения при написании текстов.
Из числа респондентов, которые до сих пор не использовали искусственный интеллект в своей карьере, 71,1% были категорически против его использования, в то время как 5,2% заявили, что будут использовать его в будущем, а 23,7% затруднились ответить.
Возвращаясь к теме, Габриэль с пониманием относится к артистам, которые боятся распространения искусственного интеллекта и возможности потерять средства к существованию, но он верит, что если мы будем умны (и быстры), ИИ можно будет использовать в наших интересах.
“Я понимаю и уважаю опасения многих художников и творческих людей по поводу потери средств к существованию”, - говорит он. “Согласен, качество многих материалов, основанных на искусственном интеллекте, сегодня довольно низкое, но и первые летательные аппараты были не слишком хороши. Скорость, с которой ИИ обучается, потрясающая, и предстоит ответить на множество сложных вопросов, прежде чем ИИ освоится в человеческом обществе.
“Джинна невозможно загнать обратно в бутылку, поэтому мы можем просто наслаждаться поездкой, сделать ее как можно более безопасной и изучить весь тот необычайный спектр улучшений, которые она может привнести в нашу жизнь в области здравоохранения, образования, работы и всех видов творчества, а также создать новые мощные решения". инструменты борьбы с бедностью и изменением климата”, - добавляет он. “Если мы действительно умны, мы могли бы создать искусственный интеллект, который сделал бы и его, и нас мудрее и, надеюсь, более сострадательными”.

Женщины в музыке и их влияние на The Beatles
TBS 2022

С тех пор, как The Beatles более 50 лет назад распались и оставили наследие, которое навсегда изменило музыку, тема влияний бесконечно обсуждается. Каких исполнителей слушали и у кого черпали вдохновение эти четверо парней из Ливерпуля? Какая музыка вдохновила их собственный уникальный стиль, который вознес их к мировой славе? Мы часто слышим имена рок-н-ролльщиков, таких как Элвис Пресли, Чак Берри, Литтл Ричард, Бадди Холли и Карл Перкинс, — и это справедливо. Но слишком часто имена культовых исполнительниц исключаются из обсуждения. В ранние годы The Beatles изучали каталоги певиц и девичьих групп, и их песни неоднократно использовались на их живых концертах и ​​в альбомах. Даже к 1965 году, когда The Beatles в целом прекратили исполнять каверы, звучание «девичьих групп» можно услышать в их собственных песнях, особенно в их гармониях и бэк-вокале. В индустрии, где женщины были недостаточно представлены и находились в тени, мы в огромном долгу перед культовыми женщинами, которые пополняли хит-парады еще до появления «Великолепной четверки».

The Shirelles

Образованная в 1957 году, группа Shirelles была одной из первых крупных женских вокальных групп рок-эры, и ей часто приписывают запуск жанра гёрлс-групп. В январе 1961 года, ещё до того, как The Beatles дебютировали в клубе Cavern, The Shirelles впервые достигли первой строчки в чарте Billboard с песней «Will You Still Love Me Tomorrow». Но The Beatles зацепились за менее известную песню «Boys», которая была на стороне «Б» этого сингла. Она, наряду с другим суперхитом The Beatles «Baby It's You», стала неотъемлемой частью сценического выступления The Beatles с 1961 по 1963 год, и обе эти песни вошли в их дебютный альбом "Please Please Me" , сделав их единственными артистами, удостоенными чести быть дважды на этом альбоме. В интервью журналу Playboy в 1980 году Джон Леннон сказал, что считает «P.S. I Love You» интерпретацией Полом «Soldier Boy» — хита Shirelles, занявшего первое место в чартах в начале 1962 года.
Влияние The Shirelles было колоссальным – они не только задали тон будущим звездам женского пола, но и их вклад в расовое разнообразие в США и Великобритании, опередивший других артистов Motown, считается отражением раннего успеха Движения за гражданские права. С тех пор они были удостоены множества наград за свой вклад в музыку, включены в Зал Славы Рок-н-ролла в 1996 году и включены в список 100 величайших артистов всех времён по версии журнала Rolling Stone в 2004 году.

The Ronettes

Несмотря на то, что группа Ronettes образовалась за шесть лет до того, первого большого успеха она добилась в 1963 году, выпустив свой суперхит «Be My Baby». Когда в 1964 году они впервые гастролировали по Великобритании, выступая на разогреве у Rolling Stones, The Beatles познакомились с группой, увидев их выступление в лондонском «Палладиуме», и обе группы стали близкими друзьями. Позже The Beatles пригласили Ronettes выступить на разогреве во время своего мирового турне 1966 года, став единственной женской группой, которая когда-либо делала это. В 1967 году группа распалась.
"Помню, как они впервые приехали в Нью-Йорк, и Джон Леннон позвонил мне и сказал: «Ронни, мы не знаем, что делать. Мы здесь пленники. Ты должна приехать и вытащить нас отсюда». Они никого не знали в Америке."
– Ронни Спектор
Девять песен Ronettes попали в чарт Billboard Hot 100, пять из которых вошли в топ-40. Помимо номинации на премию «Грэмми» в 1965 году, группа была включена в Зал славы «Грэмми» в 1999 году за песню «Be My Baby» и в Зал Славы Рок-н-ролла в 2007 году. Помимо The Beatles, группа вдохновила множество поклонников, в том числе и других известных артистов, таких как Брайан Уилсон из Beach Boys, Билли Джоэл и Брюс Спрингстин, которые все отмечали влияние Ронни Спектор на их музыку. К сожалению, Ронни скончалась в январе 2022 года.

The Marvelettes

Написанная в соавторстве с оригинальной солисткой Джорджией Доббинс, песня «Please Mr. Postman» была дебютным синглом американской женской группы Marvelettes и первой песней Motown, которая достигла первого места в чарте поп-синглов Billboard Hot 100, ещё до того, как группа окончила среднюю школу. Наряду с несколькими другими женскими группами, Marvelettes были ещё одной, чья музыка привлекла внимание The Beatles. «Please Mr. Postman» стала неотъемлемой частью их концертного репертуара в начале 1960-х и вошла в их второй студийный альбом "With The Beatles" в 1963 году. Несмотря на большой успех в США, трек не попал в британский топ-50; это означало, что мало кто в Великобритании знал эту песню, и это позволило The Beatles сделать её своей на ливерпульской музыкальной сцене.
Несмотря на проблемы со здоровьем, из-за которых численность группы сократилась, а состав менялся на протяжении многих лет, The Marvelettes выпустили несколько хитов в 1960-х. В 2017 году Billboard поместил «Please Mr. Postman» на 22-е место в своём списке «100 величайших песен женских групп всех времён».

Rosie Hamlin

Как лидер группы Rosie & The Originals, Rosie Hamlin наиболее известна своим синглом 1960 года «Angel Baby». Песня дебютировала в Billboard Hot 100 в декабре того же года, когда ей было всего 15 лет, и оставалась в чартах 13 недель. Несмотря на то, что у Rosie Hamlin не было другого хита, попавшего в Top 40, она произвела неизгладимое впечатление на Джона Леннона. В интервью 1969 года журналу Life он назвал Rosie одной из своих любимых певиц и записал собственную версию «Angel Baby» в 1973 году для своего альбома "Rock 'n' Roll" , хотя она была выпущеан только в 1986 году, уже после его смерти. Во вступлении к ремикшированной версии трека, выпущенной в 2004 году, Леннон называет оригинал «одной из своих любимых песен» и говорит: «Передай мою любовь Рози, где бы она ни была». Рози Хэмлин стала первой латиноамериканкой, удостоенной чести быть включенной в Зал Cлавы Рок-н-ролла, и первой латиноамериканкой, выступившей на Американской эстраде Дика Кларка в 1961 году.

Helen Shapiro

В 1960-х годах Хелен Шапиро была одной из самых успешных британских певиц. В 1961 году, когда ей было всего 14 лет, Шапиро записала два хита, возглавивших британские чарты — «You Don't Know» и «Walkin' Back to Happiness». The Beatles присоединились к Шапиро в её английском туре 1963 года, где они были четвёртыми в одиннадцатиактном концерте, хедлайнером которого была тогда 16-летняя Хелен Шапиро. Это был их первый тур. После того, как её продюсер обратился к The Beatles с этой идеей, The Beatles написали песню «Misery» специально для джазового вокала Шапиро, но позже записали её сами для своего альбома "Please Please Me", когда её команда решила не использовать эту песню. После успеха своей поп-музыкальной карьеры в 1960-х годах Шапиро добилась дальнейшего успеха как киноактриса, исполнительница мюзиклов и джазовая певица, прежде чем уйти на пенсию в 2002 году.

Хотя на протяжении всей истории The Beatles на их музыку влияли и другие удивительные женщины, эти пять артисток — лишь некоторые из самых заметных в годы их становления. Альбом "Please Please Me" сам по себе не существовал бы без женщин в музыке. Помимо «Baby It's You», «Boys» и «Misery», две другие легендарные композиции с дебютного альбома были популяризированы женщинами: «Devil In Her Heart» группы Donays и «Chains», написанная легендарной Кэрол Кинг и записанная группой Cookies. Альбом "Please Please Me" занял первое место в британском чарте и продержался там 30 недель, принеся The Beatles мировую славу.
Несмотря на то, что в 1960-х годах появилось новое поколение певиц, авторов песен и музыкантов, индустрия оставалась преимущественно мужской, и это продолжается до сих пор: женщины составляют всего 22% артистов, 12% авторов песен и 2% продюсеров. Так что, это посвящается женщинам, которые 70 лет назад преодолели барьеры индустрии и помогли сформировать культовое звучание рок-н-ролла – «Thank You Girl».

Rory Storm & The Hurricanes были одной из самых популярных и технически подкованных групп Ливерпуля в конце 1950-х — начале 1960-х годов. Они были ключевой частью андеграундной сцены города и главными конкурентами набирающих силу The Beatles.

Основание и участники:

• Рори Сторм (наст. имя Алан Кэлдуэлл) — вокалист и фронтмен. Харизматичный и эксцентричный шоумен, известный своими яркими нарядами и энергичными выступлениями.

• Эл Кэссиди — соло-гитара.

• Джонни «Гас» Бернс — бас-гитара.

• Тай Брайан — ритм-гитара.

• Ринго Старр (наст. имя Ричард Старки) — ударные. Именно в этой группе он взял свой знаменитый псевдоним и считался одним из лучших барабанщиков города.

Взлет и зенит славы

Группа образовалась в 1959 году и быстро завоевала репутацию благодаря мощному звучанию и невероятной работоспособности. Они были постоянными резидентами в знаменитом ливерпульском клубе «The Casbah» и одними из первых британских групп, отправившихся на гастроли в Германию, в Гамбург.

Именно в Гамбурге в 1960 году их пути тесно переплелись с The Beatles. Обе группы играли в одних и тех же клубах, таких как «Kaiserkeller», и между музыкантами завязалась крепкая дружба. Ринго Старр иногда подменял за ударными заболевшего Пита Беста, а Пол Маккартни и Джон Леннон высоко ценили вокальные данные Рори Сторма.

Ключевые моменты:

• Название: Имя «Hurricanes» (Ураганы) идеально отражало их бурный сценический стиль.

• Сценическое шоу: Рори Сторм был пионером рок-шоу. Он залезал на стойки, разбрасывал блестки и вел себя как настоящая рок-звезда, что было новаторством для того времени.

• Звук: Их звучание было громче, агрессивнее и более «стоковым», чем у многих конкурентов.

Почему группа не добилась мировой славы?

Несмотря на талант и популярность в Ливерпуле, Rory Storm & The Hurricanes так и не прорвались на национальный уровень. Причин тому несколько:

1. Отсутствие хитового материала. У группы не было сильного менеджмента и продюсера, который бы помог им с записью качественных и коммерчески успешных песен. Их единственный сингл «America» / «Since You Broke My Heart» провалился.

2. Случайность и невезение. Исторически сложилось так, что менеджер Брайан Эпстайн сосредоточил свои усилия на The Beatles. Шанс быть «открытыми» им был и у Hurricanes, но судьба распорядилась иначе.

3. Уход Ринго Старра. В августе 1962 года Брайан Эпстайн пригласил Ринго Старра занять место ударника в The Beatles, заменив Пита Беста. Это был сокрушительный удар для Hurricanes. Ринго был не просто барабанщиком; он был важной частью их сценического имиджа и музыкального ядра.

Связь с The Beatles: Ринго Старр и не только

Судьба Rory Storm & The Hurricanes навсегда вписана в историю The Beatles:

• Звездный час для Ринго: Группа стала для Ринго Старра трамплином в мировую славу. Здесь он отточил свое мастерство, приобрел сценический опыт и знаменитое чувство юмора.

• Песня «In My Life»: Существует популярная, хотя и не подтвержденная, версия, что Джон Леннон написал строчку «In my life I've loved them all» в том числе и о членах этой легендарной ливерпульской группы.

• Общее наследие: Обе группы были продуктом одной и той же среды, и их взаимное влияние несомненно. Атмосфера соревнования и дружбы помогла сформировать звучание мерсибита.

Закат и наследие

После ухода Ринго группа так и не оправилась. Они продолжали выступать с разными барабанщиками, но былого успеха уже не было. В 1972 году Рори Сторм и его мать были найдены мертвыми в своем доме. Обстоятельства их смерти остаются трагической загадкой.

Однако наследие Rory Storm & The Hurricanes живет:

• Они остаются культовой фигурой для поклонников эпохи бит-бума.

• Их история — обязательная глава в любой биографии The Beatles и Ринго Старра.

• Они являются символом целой эпохи и напоминанием о том, что на сцене мирового успеха всегда есть место для талантливых «почти».

Rory Storm & The Hurricanes — это больше, чем просто ответ на вопрос «в какой группе играл Ринго до Битлз?». Это история яркой и самобытной команды, которая могла бы достичь больших высот, но осталась в тени величайшей группы всех времен. Их вклад в формирование ливерпульского звука и рок-н-ролльной культуры неоценим, а их история — вечное напоминание о том, насколько хрупкой может быть грань между забвением и мировой славой.

The Nashville Teens — британская рок-группа, оставившая неизгладимый след в истории музыки 1960-х годов. Несмотря на название, отсылающее к американскому городу музыки, коллектив сформировался в Англии и стал одним из ключевых игроков в эпоху "британского вторжения". Их энергичный звук, сочетающий ритм-энд-блюз, рок-н-ролл и бит, завоевал сердца поклонников по обе стороны Атлантики.

История создания и расцвет группы

Группа была основана в 1962 году в городе Уэйбридж, графство Суррей, Англия. Ядро коллектива составили пианист и вокалист Джон Аллен (John Allen) и гитарист Артур Шарп (Arthur Sharp). Название "The Nashville Teens" было выбрано как дань уважения американским корням рок-н-ролла и ритм-энд-блюза.

Пик популярности группы пришелся на середину 1960-х. Их самый известный сингл "Tobacco Road" (1964) стал международным хитом, достигнув высоких позиций в чартах Великобритании, США и Европы. Эта мощная, блюзовая композиция с характерным хриплым вокалом и драйвовым саундом до сих пор считается классикой эпохи.

Ключевые достижения:

• Мировой хит "Tobacco Road" (1964)

• Участие в легендарном британском турне с Чабби Чекером (1964)

• Аккомпанемент американским блюзменам, таким как Карл Перкинс, во время их европейских туров

• Появление в культовом музыкальном фильме "Pop Gear" (1965)

Музыкальный стиль и влияние

The Nashville Teens создавали уникальный звук, который сочетал в себе:

• Энергичный ритм-энд-блюз: основа их музыкальной идентичности

• Британский бит: влияние современников, таких как The Animals и Rolling Stones

• Ранний гаражный рок: сырая, необработанная энергия выступлений

• Психоделические нотки: в более позднем творчестве

Их музыка оказала влияние на множество групп как в Великобритании, так и за ее пределами. The Nashville Teens были частью той самой музыкальной революции, которая навсегда изменила поп-культуру.

Дискография: Главные хиты и альбомы

1. "Tobacco Road" (1964) — визитная карточка группы, кавер на композицию Джона Д. Лаудера.

2. "Google Eye" (1964) — второй крупный сингл, также добившийся успеха в чартах.

3. "Find My Way Back Home" (1965)

4. Деbut-альбом "Tobacco Road" (1965) — включал как хиты, так и сильные кавер-версии блюзовых стандартов.

5. "The Nashville Teens" (1966) — второй студийный альбом, показавший эволюцию группы.

Наследие и влияние на современную музыку

Хотя пик коммерческой популярности группы был относительно кратким, их вклад в развитие рок-музыки трудно переоценить. The Nashville Teens:

• Были мостом между американским блюзом/ритм-энд-блюзом и зарождающейся британской рок-сценой.

• Вдохновляли будущих музыкантов своей энергией и аутентичностью.

• Их хит "Tobacco Road" стал стандартом, который исполняли сотни артистов, от Дэвида Ли Рота до Эдгара Уинтера.

Группа продолжала выступать в разных составах на протяжении десятилетий, сохраняя верность своему классическому звучанию для преданных поклонников.

Интересные факты о The Nashville Teens

• Изначально группа выступала в качестве аккомпанирующего состава для гастролирующих американских звезд, таких как Джерри Ли Льюис и Карл Перкинс.

• В ранние годы с группой иногда выступал молодой Джимми Пейдж (будущий гитарист Led Zeppelin) в качестве сессионного музыканта.

• Композиция "Tobacco Road" звучала в саундтреках к нескольким фильмам и сериалам, что свидетельствует о ее вневременной притягательности.

Больше нет "Misunderstood": Интервью с Эриком Бердоном (Animals, War, solo)

By Tina Benitez-Eves 2025

Вскоре после переезда в Грецию во время пандемии в 2021 году Эрик Бердон начал сотрудничать с греческими артистами Алексом Сидом и Квазамодо в работе “Don’t Ever Leave”, которая была показана в греческой телевизионной драме Η Παραλία (Тhe Shore/Paralia) в феврале 2024 года. Во время записи у Бердона были некоторые проблемы со здоровьем, и вскоре после записи вокала он был госпитализирован с пневмонией, что, по его словам, “отражает серьезность темы песни”.
“Оглядываясь назад, кажется почти нереальным думать о том, насколько точно мой опыт отразил эмоции и интенсивность трека”, - говорит Бердон. “Несмотря на трудности, совместный процесс был глубоким, и я верю, что подлинность того момента отразилась в конечном продукте. Это свидетельство того, что музыка способна преодолевать обстоятельства и соединять нас на более глубоком уровне”.
”Don't Ever Leave" стала первой новой записью Бердона за более чем десятилетие, прошедшее после "Til Your River Runs Dry" в 2013 году, но не последней. “Я постоянно пишу и исследую новые музыкальные направления, позволяя вдохновению направлять меня на этом пути”, - рассказывает 83-летний Бердон American Songwriter* (*журнал посвящённый созданию песен). “Писательство остается неотъемлемой частью моего творческого самовыражения, служа очищающим средством для моих мыслей, эмоций и переживаний”.
Помимо новой музыки, он также готов вернуться на сцену — чего он не делал со времен гастролей в 2018 году и нескольких концертов в 2019 году — на фестивале "Fool in Love Fest" в Инглвуде, Калифорния, в августе 2024 года, вместе с Дайаной Росс, Сантаной, Смоки Робинсоном, Лайонелом Ричи, Элом Грином, и многих других. В этом году также отмечается 60-я годовщина одноименного дебюта The Animals в 1964 году и их хита “House of the Rising Sun”, который отмечается переизданием первых четырех альбомов группы, а также ретроспективным сборником.
Бердон нашел время поболтать с American Songwriter о своих размышлениях о работе с The Animals, войне и не только, жизни в Греции, “интроспективном” написании песен и о том, почему он все еще пишет музыку спустя почти 65 лет.

AS: Каверы для вас не новость, но поскольку “Don't Ever Leave” была написана Квазамодо и Алексом Сидом специально для Η Παραλία, как вы смогли найти свою связь с этой песней?
ЭБ: Несмотря на то, что песня была написана специально для фильма, контекст, в котором она была написана для сцены смерти, вызвал у меня глубокий отклик. Когда мы вместе работали над проектом, я углубился в текст и мелодию и обнаружил, что меня привлекает их трогательное повествование. Темы потерь, тоски и быстротечности жизни задели меня за живое, особенно учитывая мои собственные проблемы со здоровьем в то время.
Во время процесса записи я направил эти эмоции в свое исполнение, позволив себе полностью погрузиться в характер и сюжетную линию песни. Это был глубоко захватывающий опыт, который стер границы между вымыслом и реальностью, когда я боролся с собственной смертью, воплощая песню в жизнь.
В конце концов, моя связь с “Don't Ever Leave” вышла за рамки своих истоков и превратилась в глубоко личное путешествие, отражающее мой собственный опыт и эмоции, что в конечном итоге обогатило процесс совместной работы и придало конечному продукту подлинность.

АС: Возвращаясь мыслями к 60-м годам и The Animals, а позже к War и вашей сольной карьере, как вы сейчас относитесь к некоторым из этих старых песен?
ЭБ: Песни эпохи Animals вызывают чувство ностальгии, а ностальгия по мне служит напоминанием о необузданной энергии и страсти моей юности. Они также несут в себе дух бунтарства и общественного сознания, которые определили ту эпоху, - темы, которые продолжают резонировать со мной по сей день. Аналогичным образом, мое участие в (группе) War привело к слиянию музыкальных стилей и влияний, которые отразили дух времени 70-х. Песни той эпохи не только отражают культурный ландшафт своего времени, но и служат свидетельством силы музыки объединять людей, невзирая на границы.
Когда я занялся сольной карьерой, я продолжал опираться на эти музыкальные корни, исследуя новые звуки и жанры. Моя связь с этими старыми песнями остается сильной, поскольку они служат для меня ориентиром в моем музыкальном наследии, а также вдохновляют меня на расширение творческих возможностей.
Каждый этап моей музыкальной эволюции представляет собой главу в моей жизни, отмеченную уникальным опытом, сотрудничеством и творческим ростом. По сути, каждая песня из моего прошлого представляет собой моментальный снимок, отражающий эмоции, переживания и стремления как меня, так и слушателей. Они по-прежнему занимают особое место в моем сердце, служа напоминанием о преобразующей силе музыки, способной преодолевать поколения и соединять нас на более глубоком уровне.

АС: Что касается, в частности, Animals, то многие из этих песен изначально были написаны для определенного места и времени. Какие из них приобрели для вас новое значение сейчас?
ЭБ: Конечно, в моем репертуаре есть несколько песен, которые со временем находят во мне отклик совершенно по-новому и неожиданным образом. “House of the Rising Sun”, фирменный трек из моего времени, проведенного с The Animals, с годами приобрел для меня более глубокий смысл. Когда я впервые записал ее в 60-х, она была мощным выражением юношеского бунта и непокорности. Однако по мере того, как я взрослел и переживал жизненные взлеты и падения, эта песня стала представлять собой нечто более глубокое — размышление о последствиях сделанного человеком выбора и течении времени.
Точно так же такие песни, как “We Gotta Get Out of This Place” и “Don’t Let Me Be Misunderstood”, приобрели новое значение по мере того, как я становился старше. Теперь они служат напоминанием об универсальных темах стремления, жизнестойкости и поиска смысла жизни, которые находят отклик у людей всех возрастов и происхождения.
Как артист, я обнаружил, что моя интерпретация этих песен продолжает меняться с каждым годом, отражая мое личное путешествие и меняющуюся динамику окружающего мира. Это свидетельство непреходящей силы музыки преодолевать время и говорить о человеческом опыте во всей его сложности.

AS: Вы занимаетесь этим уже почти 65 лет. Как изменилось для вас написание песен сейчас?
ЭБ: С годами процесс написания песен во многом менялся для меня, отражая как личностный рост, так и изменения в окружающем мире. На заре моей карьеры в качестве автора песен этот процесс часто подпитывался необузданными эмоциями и ощущением необходимости самовыражения. Было ли это воспроизведение бунтарского духа 60-х с помощью The Animals или обращение к социальным и политическим проблемам с помощью War, мои песни глубоко укоренились в духе того времени.
По мере того как я взрослел как артист, я стал более интроспективно подходить к написанию песен, черпая вдохновение из более широкого спектра влияний и опыта. Вместо того чтобы просто реагировать на внешние события, я стремлюсь глубже проникнуть в универсальные темы и эмоции, которые находят отклик у людей на более глубоком уровне.
Кроме того, сотрудничество играет все более важную роль в процессе написания моих песен. Работа с другими талантливыми музыкантами и авторами песен позволила мне открыть для себя новые перспективы и идеи, обогатив творческий процесс и подтолкнув меня к исследованию новых музыкальных территорий.
Технологии также изменили мой подход к написанию песен. Имея доступ к множеству цифровых инструментов и ресурсов, я могу экспериментировать со звуками и аранжировками способами, которые раньше были немыслимы. Это открыло новые возможности для творчества и инноваций, позволив мне раздвинуть границы моего музыкального самовыражения.
В целом, хотя суть написания песен остается неизменной — желание общаться с другими через музыку, — сам процесс продолжает развиваться, отражая постоянно меняющуюся природу искусства и человеческого опыта.

АС: Был ли какой-то особый поворотный момент, когда у вас изменились взгляды на написание песен?
ЭБ: То, как песни приходят ко мне, безусловно, менялось с годами, под влиянием как личного опыта, так и изменений в моем творческом процессе. В прошлом я не уделял особого внимания написанию собственных песен, поскольку с гордостью интерпретировал песни других авторов. В мире так много талантов, и мне нравилось придавать новую жизнь песням других людей, используя свой голос. Однако, когда в моей жизни появилась моя жена [Марианна Бердон], она все изменила. Она научила меня важности написания песен и тому, что мои поклонники хотят услышать мою точку зрения и мои песни. Она убеждала меня писать больше, что я и сделал, выпустив такие альбомы, как "My Secret Life" (2004) и "Til Your River Runs Dry" (2013).
Сегодня я более дисциплинирован в своей творческой практике, выделяя время для написания песен и оттачивания своего мастерства. Это позволило мне подойти к написанию песен с большей сосредоточенностью и целеустремленностью, что привело к созданию более отточенных композиций.
Кроме того, мое сотрудничество с разными исполнителями и музыкантами из разных слоев общества не только расширило мои творческие горизонты, но и побудило меня расширить границы моего собственного творчества. В целом, хотя процесс написания песен развивался для меня на протяжении многих лет, страсть и стремление создавать музыку остаются неизменными. Каждая новая песня - это свидетельство продолжающегося путешествия к самопознанию и художественному самовыражению, отражающее постоянно меняющийся ландшафт моей жизни и переживания.
Но я по-прежнему считаю себя хорошим интерпретатором песен других людей. Есть что-то особенное в том, чтобы привнести свой взгляд на хорошо написанное музыкальное произведение.

АС: Что такого есть в Греции, что до сих пор удерживает вас там?
ЭБ: Греция занимает особое место в моем сердце по множеству причин, которые в совокупности повлияли на мое решение сделать ее своим домом. Во-первых, это богатое культурное наследие и неподвластная времени красота греческого ландшафта, от залитых солнцем островов до древних руин, погруженных в историю. Чувство безмятежности и единения с природой, которое пронизывает греческую сельскую местность, стало для меня источником вдохновения и утешения.
Греция - это динамичное и гостеприимное сообщество, которое приняло меня с распростертыми объятиями. Теплота и гостеприимство греческого народа помогли мне почувствовать себя как дома, укрепив чувство сопричастности, которое поистине бесценно.
И, наконец, в Греции есть нечто неосязаемое, что трудно выразить словами, но, несомненно, мощное. Это место, где время, кажется, замедляет свой ход, позволяя погрузиться в размышления и самоанализ, которые становятся все более редкими в современном быстро меняющемся мире. В Греции я обрел чувство покоя и удовлетворенности, которым я глубоко дорожу, что делает это место местом, которое я с гордостью называю своим домом.
На личном уровне мое решение поселиться в Греции также связано с моей семьей, поскольку моя жена гречанка. Будь то поддержка близких или возможность провести время с самыми близкими людьми, Греция обеспечила благоприятную среду как для моей личной, так и для профессиональной жизни.

АС: Прошло уже больше десяти лет с момента выхода вашего последнего сольного альбома "Til Your River Runs Dry". Будет ли еще один?
ЭБ: Я знаю, что прошло уже немало времени с тех пор, как вышел "Till Your Rive Runs Dryr", но творческое пламя все еще ярко горит во мне. Я постоянно пишу и исследую новые музыкальные направления, позволяя вдохновению направлять меня на этом пути. Писательство остается неотъемлемой частью моего творческого самовыражения, служа очищающим средством для моих мыслей, эмоций и переживаний.
Работа над альбомом - это процесс, требующий глубокого погружения, требующий времени, самоотдачи и четкого видения. Так что, хотя конкретных планов пока нет, будьте уверены, что творческий процесс запущен, и я с нетерпением жду, куда приведет меня это путешествие дальше.

АС: Однажды вы процитировали Уинстона Черчилля: “Старайтесь не бояться делать или говорить то, что вы считаете правильным”. На данном этапе вашей жизни все страхи рассеялись?
ЭБ: Хотя эта цитата Уинстона Черчилля глубоко резонирует со мной и служит руководящим принципом как в моей личной, так и в профессиональной жизни, я должен признать, что страх - это естественная и неизбежная часть человеческого опыта. Однако, преодолевая жизненные трудности и добиваясь успехов, я научился противостоять страху с мужеством и стойкостью.
С годами у меня появилось больше уверенности в себе и убежденности в своих убеждениях и действиях. Это позволило мне встретиться лицом к лицу со страхом, восприняв его как катализатор роста, а не позволив ему сдерживать меня.
Хотя я не могу утверждать, что полностью избавился от страха в своей жизни, я выработал такое мышление, которое позволяет мне признавать его присутствие, не позволяя ему диктовать мои решения или препятствовать моему прогрессу.
В конечном счете, я стремлюсь жить в соответствии со словами Черчилля, бесстрашно следуя тому, что я считаю правильным, даже перед лицом неопределенности или невзгод. Это непрерывное путешествие, которое неизмеримо обогатило мою жизнь и позволило мне уверенно и убежденно прокладывать свой собственный путь.

Взаимоотношения между черной музыкой и The Beatles.
BHM 2022

Часто высказывалось предположение, что не может быть совпадением то, что британская группа, так сильно повлиявшая на американскую чёрную музыку, была родом из города, который был также морским портом. Многие ливерпульские юноши просили своих отцов/дядей-моряков купить им из-за рубежа американские пластинки с чернокожими артистами; пластинки, которые они не могли купить в Великобритании и могли услышать только по радио. Конечно, никто из ливерпульцев не делал этого чаще, чем ливерпульские музыканты, которые были частью того, что стало взрывом Мерсибита (например Gerry & The Pacemakers, The Searchers, Billy J. Kramer, Rory Storm, The Big Three и т. д.). Такие группы старались первыми выучить любые треки с альбомов или би-сайды, которые они получили от своих родственников-моряков, и, как только они исполняли эту песню, они претендовали на неё (даже если они не были её авторами). Хорошим примером этого является песня «The Hippy, Hippy Shake» (хотя The Beatles и ее исполняли), которая в Ливерпуле воспринималась как «принадлежащая» группе The Swinging Blue Jeans).
Тем не менее, The Beatles были одной из немногих ливерпульских групп, которые на своих концертах фактически заявляли, какие чернокожие артисты изначально записали песню, которую они исполняли. Эта практика «белые британские артисты, исполняющие каверы песен чернокожих американских артистов» одновременно мешала и помогала последним. Это мешало американским чернокожим артистам, потому что их оригинальные версии часто продавались лучше, чем каверы белых артистов. Однако такая практика также привлекла внимание к тем чернокожим артистам, о которых британская публика, покупающая пластинки, могла бы и не услышать. Что сделало The Beatles великими, так это то, что они сообщали своей публике в клубе The Cavern, кого они исполняют, еще до того, как у них появился контракт на запись, что, в свою очередь, может побудить молодых ливерпульцев просить своих друзей-моряков покупать альбомы оригинального исполнителя во время поездок за границу.

Чернокожие артисты в исполнении The Beatles
Даже на первых пяти альбомах Beatles 1963-1965 годов почти все каверы изначально были записаны чернокожими американскими соул-исполнителями (а именно: «Anna (Go To Him)» Артура Александра , «Chains» The Cookies , «Boys» и «Baby It's You» The Shirelles , «Twist & Shout» The Top Notes , «Please Mr. Postman» The Marvelettes , «You Really Got A Hold On Me» The Miracles , «Devil In Her Heart» The Donays , «Money (That's What I Want)» Барретта Стрэнга и «Dizzy Miss Lizzy» Ларри Уильямса ).
Что касается влияния звёзд чёрного рок-н-ролла (в отличие от звёзд соула), часто говорят, что на Джона Леннона большее влияние оказал Чак Берри, в то время как Пол Маккартни был практически одержим Литтл Ричардом (каверы на песни Чака Берри и Литтл Ричарда слишком многочисленны, чтобы перечислять их все). Считалось негласным правилом, что Джон всегда брал на себя вокал в каверах на песни Чака Берри, а Пол — в каверах на песни Литтл Ричарда.
На самом деле, в фильме 1994 года «Backbeat» (посвященном пребыванию The Beatles в Гамбурге) есть мимолетная сцена, где актёр, играющий Леннона, поёт песню Литтл Ричарда «Long Tall Sally». Маккартни заявил, что это единственная ошибка фильма.

Влияние черной музыки на творчество Леннона и Маккартни
Влияние ритм-энд-блюза можно услышать в некоторых композициях The Beatles (особенно в сочинениях Джона), в таких песнях, как «Yer Blues», «Oh! Darling» и даже в их самом первом сингле «Love Me Do».
Говоря о соул-музыке 1960-х годов , Джон указывал на свою песню «You Can't Do That», на которую сильно повлиял Уилсон Пикет, в то время как Маккартни признал, что «Got To Get You Into My Life» и «She's A Woman» были попыткой написать песню в стиле Motown.
Поскольку регги и ска быстро набирали популярность в Великобритании, Джон заявил, что средняя инструментальная часть его песни «I Call Your Name» была проверкой того, смогут ли The Beatles сыграть ритм ска, в то время как в песне Маккартни «Ob-La-Di, Ob-La-Da» явно прослеживается влияние регги.

Влияние The Beatles на чернокожих артистов
Многие исполнители афроамериканского соула исполняли каверы песен Леннона/Маккартни, некоторые из них более известны, чем другие. «Day Tripper» Отиса Реддинга и «We Can Work It Out» Стиви Уандера — вот лишь некоторые из них. Альбом 1995 года под названием «The Soul Of Lennon & McCartney» содержит прекрасную коллекцию каверов песен The Beatles, исполненных чернокожими исполнителями, таких как «Let It Be» Ареты Франклин, «Hey Jude» Уилсона Пикета , «Get Back» Эла Грина, «I Want You (She's So Heavy)» Сары Воан , «In My Life» Ричи Хэвенса, «And I Love Her» The Detroit Emeralds, «Dear Prudence» The Five Stairsteps , «A Hard Day's Night» Дионн Уорвик, «Fool On The Hill» The Impressions, «Can't Buy Me Love» Эллы Фицджеральд , «Ticket To Ride» Гвен Гатри , «Long & Winding Road» Сисси Хьюстон и «Yesterday» П. П. Арнольд . (Последняя песня стала самой перепетой в истории музыки). В некоторых случаях песни The Beatles исполняли артисты того самого жанра, которому они изначально пытались подражать. Например, упомянутую ранее «Got To Get You Into My Life» перепели Earth, Wind & Fire, а Фэтс Домино записал «Lady Madonna», на написание которой сам Фэтс повлиял.
Наконец, многие исполнители регги обратились к каталогу Леннона/Маккартни: например, «Yesterday» Джеки Эдвардса, «I Will» Джона Холта , «My Love» Кена Бута, «Give Peace A Chance» The Maytals, «World Without Love» Дела Дэвиса, «You Won't See Me» Эрни Смита , «She's A Woman» Шаббы Ранкса и «Blackbird» Десмонда Деккера .
Итак, можно сказать, что влияние «Black-Music: Beatles» замкнуло круг. Хотя всё началось с того, что такие группы, как The Beatles, слушали записи чернокожих исполнителей и делали на них каверы, The Beatles затем добавили свою собственную интерпретацию этой музыки в свои собственные композиции, которые, в свою очередь, были позже перепеты (или, по крайней мере, оказали влияние) чернокожими исполнителями. Не следует забывать, что у The Beatles был свой собственный стиль, который повлиял на более поздних чернокожих исполнителей (например, Джими Хендрикса, Принса и Ленни Кравица), плюс на самих The Beatles повлияли белые исполнители (например, Элвис Пресли), которые, в свою очередь, находились под влиянием предыдущих чернокожих исполнителей. В конце концов, музыку создают все и для всех.

Брайан Ферри: Интервью SDE

О 50-летии его музыки и новом альбоме
By Paul Sinclair 2025

Недавно SDE встретился с легендой Roxy Music Брайаном Ферри, чтобы обсудить его ретроспективный сборник и более чем 50-летний опыт работы в музыке. К Брайану присоединился его давний друг и продюсер Ретт Дэвис, когда мы обсуждали их рабочие отношения, сведение Dolby Atmos и новый партнерский альбом Брайана "Loose Talk", который был недавно анонсирован.

SDE: Брайан, кому пришла в голову идея сделать эту ретроспективную подборку, и какова была цель?
Брайан: Кто-то в BMG подумал, что это была бы хорошая идея. Мы только что отпраздновали 50-летие Roxy, так что мы были в архиве и подумали, что, конечно, никогда не было по-настоящему полной коллекции сольных работ; во многих отношениях они были недооценены. И кому-то из BMG пришла в голову отличная идея разделить это на категории. Я подумал, что это действительно классный способ сделать это; это сделало работу более кураторской. Поэтому я связался с Реттом и всей командой. Первый диск было довольно легко записать, потому что это хорошо известные песни, синглы и хиты, так что, по сути, это именно то, что нужно. Затем они распределили это по разным категориям: песни, собственноручно написанные, каверы, более редкие и неслышанные вещи, а затем и джазовый материал. Мы подумали, что было бы неплохо сделать подборку из того, что мы уже сделали. Я думаю, что в итоге все это очень хорошо сочеталось друг с другом.

Что вы чувствовали, оглядываясь на 50-летний опыт работы? Это долгий срок!
Брайан: Я вспотел. И, оглядываясь назад, на разные периоды, я задумался, почему я записал так много записей в тот год, или почему я так мало сделал в другой год? Потому что я люблю работать и мне нравится быть продуктивным. На то, чтобы сделать это должным образом, ушло гораздо больше времени, чем я себе представлял. Мы изучили фотографии и архивы и получили все необходимые разрешения. Это было непросто, но, в конце концов, оно того стоило.

Я знаю, что для вас всегда очень важна презентация, не так ли? Полагаю, вы были вовлечены в эту часть работы?
Брайан: О, очень сильно. Но лучше так, чем безразлично.

Ретт, я заметил, что на главной компиляции, первом диске из 20 треков этого конкретного комплекта, есть довольно много правок 2023 года. Было ли это чем-то таким, во что ты был вовлечен? Это была попытка втиснуть все это в программу?
Ретт: Нет, речь шла всего лишь о сведении с Бобом [Клирмаунтейном], а Брайан слушал: “Это продолжается слишком долго!” [смеется]
Брайан: [Временами] Я подумал: “Почему мы не отредактировали это тогда? Припев там повторяется слишком часто...”

Это интересно. Я думал, что это нужно было сделать только из соображений выбора времени, но это было более художественно.
Ретт: Это были художественные соображения. Я думаю, Боб даже предложил один или два варианта.
1973 год был для меня по-настоящему плодотворным

Я полагаю, что это дает преимущество в том, что у вас есть эксклюзивные версии для поклонников! Брайан, вы выпускаете свои сольные альбомы довольно регулярно. У вас есть любимые эпохи или альбомы?
Брайан: Ну, а мне нравится начало. 1973-й был хорошим годом. Мы записали свой первый альбом год назад, и нам это понравилось, я говорю о Roxy, но на самом деле первый альбом был просто исполнением всей музыки, которую мы репетировали, и мы играли на нескольких крошечных площадках. Мы отправились в студию Command Studios с Питом Синфилдом [который продюсировал альбом Roxy Music], которого нам поручил его менеджмент, и который также был нашим менеджментом, потому что он работал с [King] Crimson, и Пит просто руководил нашей записью. Но второй альбом - это совсем другое дело, когда мы вдруг подумали: “О, это действительно интересно, мы записываем альбом, и как мы можем это сделать?” И с этого момента мы стали гораздо активнее участвовать в работе. И тот год был действительно плодотворным для меня. Другим по-настоящему важным моментом был период работы над "Flesh + Blood", "Avalon" и "Boys and Girls", когда я очень тесно сотрудничал с Реттом, и мы использовали драм-машины в координации с настоящими барабанщиками и обрисовывали все с помощью барабанных грувов.
Ретт: Это были студийные альбомы, а не альбомы группы
Брайан: И мне это понравилось. Я снова люблю работать в студии
Ретт: Не могу его оттуда вытащить!

Те альбомы, о которых вы упомянули, Брайан, они великолепно звучат, потому что в них есть многоуровневая утонченность и продюсирование, но они не устарели так, как это было во многих произведениях 80-х. И мне просто интересно, Ретт, в чем был секрет того времени, потому что они все еще звучат очень свежо.
Ретт: Я думаю, это был Колин Гуд, с которым я работал, и он сказал, что единственное, что замечательно в тот период, - это то, что ни одно из синтезаторных звучаний не кажется устаревшим; мы использовали очень сочные, утонченные звуки. Я имею в виду, что в 80-е было так много синтезаторного материала, который я ненавидел, но я думаю, что наш подход помог сохранить его вне времени.
Брайан: Просто ради интереса, 10 минут назад мы играли отрывок, несколько черновых миксов с альбома "Boys and Girls", и 18-летняя стажерка, которая находится в соседней комнате, подумала, что это новая работа. И она подумала, что это звучит так свежо. А мы сказали, что этому уже 40 лет! Всегда приятно, когда кто-то сейчас это подтверждает.

Не могли бы вы двое, прежде чем приступить к работе над конкретным альбомом, сесть и провести интеллектуальную дискуссию о том, какое звучание вы хотели бы получить? Каким был ваш подход к созданию нового проекта?
Ретт: Нет, я думаю, мы [просто] заходили в студию. Брайан делал наброски в своем доме на пианино. И если бы в тот день я ехал на работу и мы собирались провести сессию, я бы слушал радио и мог подумать: “Эй, этот ритм Talking Heads звучит неплохо”. Итак, я заходил и пытался воспроизвести ритм Talking Heads, а Брайан заходил и спрашивал: “Что это?” И у него был свой небольшой эпизод, который он принес из дома. Так что это был бы [вариант] “давай попробуем это с помощью этого”. Я не думаю, что у нас был какой-то генеральный план.
Брайан: Нет, мы обо все спотыкались!

Сравнивая альбом "Girls and Boys" с "Avalon" – очевидно, что один из них был записан Roxy Music, а другой - Брайаном Ферри. Что это изменило для вас, Брайан? Вы почувствовали себя немного свободнее, потому что это был ваш альбом и вы могли делать все, что хотели?
Брайан: Я так и сделал. Возвращаясь к 1976-му или 77-му году, я сначала поработал с парой американских музыкантов, действительно хороших сессионных музыкантов, и это немного открыло мне глаза на другой стиль игры. Я до сих пор считаю, что тот альбом ["The Bride Stripped Bare"], кстати, был действительно хорош, и в нем сочетались великие английские музыканты и эти американские парни. Это было очень интересное сочетание взглядов и навыков. И это заставило меня задуматься о том, чтобы работать с американцами, проводить больше времени в Америке, и благодаря Бобу Клирмаунтейну мы познакомились с Нилом Роджерсом, а затем с Фонзи Торнтоном и всеми лучшими сессионными певцами Нью-Йорка, а также с [саксофонистом] Дэвидом Санборном и Нилом Джейсоном, басистом. Я вовлек в орбиту Roxy одного или двух человек, но возможности для этого были ограничены, потому что Фил [Манзанера] и Энди [Маккей], очевидно, хотели попасть на пластинку. Но что касается "Girls and Boys", то это был еще один шаг в этом направлении - иметь открытую книгу о том, кому ты можешь позвонить. И мы сказали: “Что ж, давайте позвоним этому парню”. В Нью-Йорке было так много отличных специалистов, и нам нравилось работать там. Мы начинали записывать треки здесь, в Англии, а затем в Нью-Йорке хотели их доработать и, в конечном счете, свести там. Мы потратили на это много времени, и особых проблем не возникло.

Но как вы узнаете, когда нужно остановиться, Брайан?
Брайан: Когда тебе это надоест. И ты доходишь до того, что начинаешь думать, что любое изменение, которое я сейчас сделаю, скорее изменит ситуацию, чем сделает ее лучше. И это трудно понять. И иногда у меня все еще не очень хорошо получается…
Ретт: Крайний срок помогает! Вам нужен крайний срок, чтобы на самом деле закончить работу.
Звукозаписывающая компания, вероятно, предоставила бы вам этот срок?
Ретт: Или, может быть, если Брайан был приглашен в тур или что-то в этом роде, то это был крайний срок

Когда над разными треками работают разные люди, очевидно, что не хочется, чтобы слишком много поваров испортили бульон. Как это сработало?
Брайан: В тот момент у нас не было достаточного количества поваров. Мы использовали одну фразу одного гитариста, а затем другую - другого. И только что мы слушали и думали: “Кто это был?” И никак не могли понять, кто именно
Ретт: это был настоящий "плавильный котел".
Брайан: Это было похоже на оркестр рок-музыкантов!

А деньги в те дни не имели значения?
Брайан: Мы просто были погружены в свои мысли и хотели сделать отличный альбом. Наверное, я хотел выпустить хит, я хотел выпустить сингл, и у нас это получилось, в том числе с "Slave to Love" и "Don't Stop the Dance". Хотя, пожалуй, мой любимый трек - ‘Windswept’.

Итак, когда этот альбом ["Girls and Boys"] стал коммерчески успешным, вы, должно быть, почувствовали себя очень, очень довольными?
Брайан: Я был слишком измучен, чтобы быть довольным.
Ретт: Я был так измучен, что уволился!

Вообще-то, я собирался перейти к этому, но, Брайан, очевидно, что вы работали с другими продюсерами, Патриком Леонардом, Робином Троуэром и им подобными, но большая часть вашей работы за последние 25 лет или около того была связана с Реттом. Что особенного в этих отношениях и какими они были для вас, когда вам приходилось работать с другими людьми?
Брайан: Ну, начнем с того, что у нас с Реттом неплохое чувство юмора. Мы смеемся над разными вещами. И я думаю, Ретт находит мои выходки довольно забавными, а мне нравятся его остроты. И еще, я знаю, что Ретт надежный в том смысле, что я знаю, что ему нравится. И если я отбиваю мяч от его стенки, я знаю, что он отскочит обратно, как настоящий рикошет. Вот что интересно. Я могу захотеть что-то сделать, а он скажет: “О, нет, я не думаю, что тебе следует это делать”, и я буду просто вести себя агрессивно, пока однажды не признаю, что он был прав, или не скажу: “О, я думаю, что в данном конкретном случае я был прав”, но я знаю, к чему стремлюсь, поэтому все основано на доверии и честном подходе.
Ретт: Самое неприятное, с моей точки зрения, то, что в 99 случаях из 100, когда мы можем не соглашаться, он прав! (В этот момент Брайан искренне смеется). Раньше я всегда приходил в студию каждый день – и прихожу до сих пор – и думал: "Ладно, какими будут пять крутых шаров, когда я войду в дверь?" Потому что Брайан определенно не спал всю ночь или думал о чем-то своем, и он будет кидать в меня мячи.
Брайан: Я думаю, нам обоим нравится процесс записи. Мы оба ценим музыку. Я впервые встретил Ретта, когда он был кассетным оператором на Бейсинг-стрит [студии, которая позже стала SARM West] на своей первой студийной работе. И это было на альбоме "Another Time, Another Place" в 1974 году. Так что это давняя история.

Ретт, каково это было, когда ты слушал некоторые альбомы, над которыми не работал? Наверное, это был интересный опыт?
Ретт: Очень интересно. Да. Я имею в виду, что мне нравится альбом "Mamouna" [спродюсированный Брайаном и Робином Троуэрами]. Я думаю, что это действительно хороший альбом. И в "Bête Noire" [спродюсированном совместно с Патриком Леонардом] есть свои треки.
Брайан: Это был небольшой беспорядок. Было неспокойно.
Ретт: ‘Limbo’ великолепен. А теперь микширование в Dolby Atmos, которое мы только что сделали с Бобом (Клирмаунтейном]. Это был любимый фильм Боба, и он проделал над ним выдающуюся работу [он вышел на blu-ray-диске "Retrospective"].

Брайан, вы работали с Дэйвом Стюартом, не так ли? Каким он был в качестве соавтора?
О, он замечательный. Но больше похож на человека, который "зачинатель процесса". Ему нравится начинать, но он не очень любит доводить дело до конца. Дэйв всегда делает так много вещей одновременно. “О, мне нужно зайти в соседнюю комнату, я работаю над фильмом”, - или же он скажет что-нибудь [безумное] вроде “О, у меня сейчас лимонадная компания”. Он реальный персонаж. Но у него очень нестандартный подход… в то время как я хочу довести до конца. Когда мы записывали "You Can Dance", она начиналась как трек в стиле кантри и вестерн, и я превратил ее в нечто совершенно иное. Но он такой энтузиаст, Дэйв, и хороший парень, и он Джорди из Сандерленда... всего в паре миль от меня [Брайан вырос в Вашингтоне, графство Дарем].
В "Olympia" я предпочел работать с безграничными возможностями, а не с одними и теми же ребятами.

Этот альбом, альбом "Olympia", вы можете поправить меня, если я ошибаюсь, но, насколько я понимаю, изначально этот альбом задумывался как, возможно, новый альбом Roxy Music, но в итоге стал вашим сольным альбомом. Так вот как это произошло?
Брайан: Я не могу вспомнить дат, но, возможно, это сработало. Но тогда я не чувствовал этого по-настоящему, и просто предпочитал другой способ работы с бесконечными возможностями, а не с теми же ребятами. Я не получал той энергии, которую хотел.

Несмотря на то, что с коммерческой точки зрения альбом Roxy, вероятно, был бы весьма удачным, вас это не соблазнило?
Брайан: Я чувствовал, что это было бы слишком тяжелой работой. Честно говоря, я пытаюсь собраться с мыслями. Я думаю, что Фил великолепен. У него потрясающее звучание гитары, и он уникален, как и Энди. Мне нравится гобой, как вы понимаете. И когда Энди играет на гобое, это действительно прекрасно. И когда он играет на саксофоне. Он играет с чувством, у него особый тембр и отличное чувство юмора.
Ретт: У Фила тоже много энергии.
Брайан: Да, у Фила очень хорошая энергетика.

Мне нравится ваша кавер-версия "Johnny and Mary", песни Роберта Палмера на этом альбоме. Это такая фантастическая песня. Что привлекло вас к исполнению этой кавер-версии?
Брайан: Айзек, мой сын, друг [норвежского диджея и автора песен] Тодда Терье, и он хотел, чтобы мы сделали что-нибудь вместе. И я сказал: “Как насчет того, чтобы спеть эту песню?” И на самом деле, это была в основном его работа. Я был немного под кайфом, но он действительно хорош. У него большой талант, просто потрясающий. И мне нравится эта песня. Я встречался с Робертом Палмером только однажды, когда был в Compass Point [студии в Нассау на Багамах], где он жил. Я помню, как он вбежал в студию и сказал: “О, мне это нравится” – это была песня "Limbo". Но он сказал, что вам следует назвать ее "Down in Limbo’. И я сказал: “Хм, я не знаю, мне кажется, ”Limbo" мне нравится больше" [смеется].

Брайан [обращаясь к Ретту]: Ты работал с Робертом?
Ретт: Да, я работал с Робертом, я был помощником звукорежиссера в "Sneaking Sally Through The Alley".
О, ничего себе, это возвращает в прошлое.
Ретт: Это было здорово. Каждый раз, когда я был в Compass Point, будь то с B-52 или Talking Heads, я натыкался на него.

Он был великолепен. У него был очень эклектичный вкус и к тому же отличные музыкальные познания, не так ли?
Брайан: Он был другом Джона Портера, который является моим большим другом, и в некотором роде невоспетым героем. Мы учились в колледже, и он вроде как присоединился к Roxy. Он играл в "For Your Pleasure" и помог мне спродюсировать первый сольный альбом. Так что он действительно важная фигура в моем развитии. И он был большим другом Палмера и Литтл Фита, у них были общие интересы. Ричи Хейворд, барабанщик, был большим другом Джона, и Джон на самом деле не хотел присоединяться к Roxy в качестве басиста, потому что хотел играть в Little Feat. Это больше нравилось Джону. И он все еще жив. Он играл со мной в этом году. Иногда мне нравится, когда есть преемственность, но также и молодые таланты. Мне нравится находить баланс между ними.

Давайте поговорим о Dolby Atmos, потому что это то, что меня лично очень интересует. Брайан, что вы думаете об этом новом иммерсивном аудио? У вас в студии есть аппаратура, где вы можете его прослушать?
Брайан: Забавно, что ты это говоришь. Мы получили его только в прошлую пятницу. Сейчас мы его устанавливаем. На самом деле, мы спустились вниз, и он включился сам по себе, по какой-то странной причине. Кажется, он живет своей собственной жизнью! Но приятно иметь возможность снова встретиться с Бобом (Клирмаунтейном] и поработать с ним – наблюдать за его работой, участвовать в ней и комментировать. Я никогда особенно не увлекался объемным звуком, но когда он сыграл мне "Avalon", это прозвучало невероятно. И я подумал: ух ты! И [обращаясь к Ретту] мы сейчас постепенно составляем каталог, не так ли?
Когда Боб Клирмаунтейн микшировал альбом "Avalon" в стерео, он сказал: “У меня недостаточно динамиков для всего этого материала”, и это правда!

Ретт, "Retrospective", должно быть, была непростой задачей для вас с Бобом, потому что это не просто один альбом, как "Avalon". Это альбом, выпущенный за целое десятилетие. Итак, расскажите мне немного о том, как сложно было собрать кассеты и подготовить все это вместе с Бобом?
Ретт: У Брайана здесь есть сотрудники [штаб-квартира Брайана в Западном Лондоне]. Есть парень по имени Миллер, который отлично справляется с архивированием, поиском и сведением всего этого воедино. Так что, когда я приехал сюда, с поиском кассет все было в основном улажено. Бобу очень нравится этот формат. Он без ума от Dolby Atmos. Когда он микшировал альбом "Avalon" в стерео, он всегда говорил: “У меня недостаточно динамиков для всего этого”, и это правда! Так что от возможности услышать все это в Dolby Atmos просто захватывает дух. Собрать воедино некоторые записи было непросто. В поисках некоторых вещей мы не смогли найти "A Waste Land" [для "Girls and Boys"]. Но в конце концов мы нашли ее в середине ‘Valentine’. Но это увлекательный процесс, и просто невероятно наблюдать за тем, как Боб это делает, и помогать ему собрать все воедино. И у него есть способ работать в студии, где он слушает пластинку. Он так хорошо знает эту пластинку, но потом вдруг просто щелкает выключателем, и это волшебство.

Конечно, поздравления уместны, потому что микс "Avalon" Atmos был номинирован на "Грэмми", не так ли?
Ретт: Скрестим пальцы. Хотя, кажется, все убеждены, что мы не выиграем. Боб говорит: “Я никогда не выигрываю в таких вещах”.

Брайан, вы по-прежнему покупаете обычную музыку? Или вы перешли на потоковое вещание и прослушивание музыки онлайн?
Брайан: Я все еще иногда проигрываю на виниле, но не регулярно. Проблема в том, что если ты весь день занимаешься музыкой по работе, то вечером я предпочитаю пойти поужинать и перекусить, так что я на самом деле не слушаю или могу посмотреть американский футбол и просто отключиться от музыки. Но мне нравится просматривать свои записи.

Это очень распространенное времяпрепровождение... люди любят просматривать свои записи!
Брайан: Мне по-прежнему нравятся физические продукты и новая пластинка, о которой мы здесь собрались не для того, чтобы говорить, но я очень рад, что мы записываем ее как альбом, и мы также сделали микширование в Dolby Atmos. Я в восторге от этого.

Брайан, я хотел спросить вас, в частности, о том, что дает возраст такому музыканту и автору песен, как вы, который в наши дни становится пожилым джентльменом, и что он отнимает, если вообще что-то отнимает? Каковы плюсы и минусы того, что ты становишься старше и продолжаешь заниматься музыкой?
Брайан: Ну, минусы в том, что ты скоро умрешь, поэтому переживаешь, что не успеешь завершить определенные проекты. В некотором смысле, я работаю усерднее, чем когда-либо, пытаясь наверстать упущенное. У меня все еще есть много музыки, отрывков, которые я храню в архиве, которые никто никогда не слышал, и которые я хочу, чтобы люди услышали. Некоторые из этих отрывков вошли в мою новую работу.
И это также помогает, если вы работаете с молодыми людьми. Мой соавтор по этому [новому] альбому ["Loose Talk"] - молодая девушка [Амелия Барратт], ей чуть за 30, она работает автором текстов, и это было действительно замечательное новшество. Это первый раз, когда я работаю со словами кого-то другого, кроме каверов на песни. Она отличный автор, и она поет эти слова, но это моя музыка. Это отличается от всего, что я делал раньше, и это здорово - находить что-то новое. Важно найти что-то новое. Мой инженер Джеймс работает здесь уже восемь лет, с тех пор, как он был подростком, и он действительно великолепен, полностью погружен в работу и делает все то, что молодые люди делают с компьютерами. То, что я предлагаю, - это опыт и определенный музыкальный вкус.
Ретт: Я не думаю, что за все годы, что я тебя знаю, твоя трудовая этика изменилась. Ты трудоголик. Тебе нравится работать в студии, ты любишь все контролировать и исследовать все возможные пути. Опять же, это всего лишь часть вашей ДНК.
Брайан: Приятно чувствовать, что ты готов к приключениям. Пробуешь то, чего не пробовал сам или никто другой.

Вы проводите в студии большую часть времени, Брайан?
Брайан: С понедельника по пятницу

С вами там команда?
Брайан: Ну, приходит Ретт. Он приходит за специальной критикой и по некоторым вопросам помогает нам с мастерингом или, может быть, с миксом, с которым возникли проблемы. Или с Бобом, чтобы сделать миксы для Atmos. Мы собираемся снова в апреле, чтобы поработать с ним [после этого интервью студия Боба Клирмаунтейна, к сожалению, сгорела во время лесных пожаров в Калифорнии]. Здесь отличная команда. А еще внизу есть три парня, которых мы взяли с собой после музыкальной школы, или, скорее, продюсерской школы.

Как вы думаете, Брайан, вы снова отправитесь в турне, или вы уже отошли от живых выступлений?
Брайан: Очень сомневаюсь. Посмотрим, как сложится работа над новым альбомом. Мы могли бы провести несколько концертных презентаций, но я не уверен.

Так что, на этом новом альбоме вы тоже поете?
Брайан: Не совсем. Возможно, вы услышите меня на заднем плане в паре вещей. Но нет.

И последний вопрос. Первый альбом Roxy Music вышел в виде роскошного бокс-сета еще в 2017 году, и все были от него в восторге. Но я думаю, что фанаты ждут вашего удовольствия, и мне просто интересно, произойдет ли это в ближайшее время. Вы знаете?
Брайан: Ну, мы надеялись это сделать, но на это уходит так много времени и усилий.
Ретт: это время придет.

Спасибо Брайану Ферри и Ретту Дэвису, которые дали интервью Полу Синклеру для SDE.

Интервью с Дэвидом Бедфордом, автором книги "Liddypool: Birthplace of The Beatles"

Дэвид Бедфорд родился в 1965 году и вырос в ливерпульском районе Дингл, в конце Мадрин-стрит, где родился Ринго Старр. Когда болезнь вынудила Бедфорда уйти на пенсию, врач посоветовал ему найти себе занятие по душе. Бедфорд начал поиски, чтобы узнать как можно больше об истории Битлз в Ливерпуле. В результате почти десять лет спустя появилась книга "Liddypool: Birthplace of The Beatles", великолепная книга-подарочное издание, изданная издательством Dalton Watson Fine Books с предисловием барабанщика Пита Беста.
“Чтобы понять Битлз, вы должны понять Ливерпуль", - пишет Бедфорд, который является экскурсоводом, а ныне одним из самых выдающихся экспертов по ранней истории Битлз.

В: Дэвид, что впервые пробудило в вас интерес к Битлз?
ДБ: На самом деле, Битлз всегда были большой частью моей жизни. Я был поклонником Битлз с самого раннего возраста, поскольку вырос в захолустье в конце улицы, где родился Ринго Старр. Я даже ходил в ту же начальную школу, что и Ринго. Когда я в возрасте 10 лет научился играть на гитаре и по-настоящему начал развивать свои музыкальные навыки, я почерпнул информацию из книги "The Beatles Complete". После того, как я женился на своей жене Эли, мы переехали в район Пенни-Лейн. Позже трое (моих) детей были зачислены в школу Довдейл, где много лет назад учились Джон Леннон и Джордж Харрисон. Когда в 2000 году Йоко Оно любезно пожертвовала школе 30 000 фунтов стерлингов на проект, над которым мы работали, и я рассказал об этом лондонскому фан-клубу Beatles. Это совпало с тем, что мой врач уволил меня с работы из-за заболевания, от которого я страдал в течение двух лет: фибромиалгии. Мне сказали, что я больше никогда не смогу работать. Мне было 35 лет, у меня было трое маленьких детей. Мне сказали, что физически я буду быстро деградировать, но важно было поддерживать активность моего ума. Мой врач спросил меня, чем я увлекаюсь, и я ответил: Битлз. По сути, он прописал мне Битлз в качестве терапии. Я прочитал "John Lennon Encyclopedia" Билла Харри и начал составлять список городских мест, связанных с Битлз. Однако, когда я читал другие книги о Битлз, то обнаружил расхождения между информацией, приведенной в различных книгах. Я начал изучать книги в поисках информации, но из-за моего состояния здоровья у меня возникли проблемы с кратковременной памятью, поэтому я мог прочитать 25 страниц и забыть прочитанное. Я начал делать заметки, которые помогали мне. Тогда я понял, что у меня было много листков бумаги с заметками, но они не совпадали. Я решил посетить и сфотографировать эти места, а также записать нужную информацию, которую, по предложению моей жены, я решил собрать в небольшую книгу, которую я мог бы написать. Это было девять лет назад, и посмотрите, что получилось!

В: В своем предисловии вы пишете, что большинство людей, которые пишут книги о Битлз, не понимают Ливерпуль или никогда в нем не бывали. Почему читателям “Liddypool” важно это понять?
ДБ: Я читал книги, написанные авторами из других городов или стран, которые, в некоторых случаях, никогда не были в Ливерпуле. Я читал их книгу и думал: "Погоди, приятель, ты пишешь о моем городе, рассказываешь мне анекдоты и исторические факты и все неправильно понимаешь". Это меня по-настоящему разозлило, и через некоторое время меня осенило: “Чтобы понять Битлз, ты должен понять Ливерпуль". Я бы и не мечтал написать книгу о детстве в Нью-Йорке, потому что я никогда не был в Нью-Йорке и мог бы только пересказывать истории, написанные другими людьми. Понять Ливерпуль можно, только погрузившись в город с головой, ощутив его душу и выросши в нем. Только тогда вы сможете понять особенности этого уникального места, которое сыграло основополагающую роль в формировании the Fab Four. Если вы не имеете представления о том, что представляет собой этот город, вы не сможете в полной мере понять, почему только Ливерпуль мог породить Битлз.

В: Как вам пришла в голову идея посвятить книгу только их годам в Ливерпуле (1940-1964)?
ДБ: У меня в буквальном смысле около 100 книг о Битлз, и, когда я мысленно составлял эту книгу, я понял, что для поиска информации мне нужно обратиться к множеству разных книг. Не было ни одной книги, которая служила бы для меня справочником. Именно тогда я решил, что должен написать о местах, которые я знаю – в Ливерпуле и его окрестностях. Я мог бы рассказать историю становления The Beatles, но я не хотел выходить за пределы этого района, потому что это было хорошо задокументировано. Как поклонник Битлз, я мечтал о книге о Ливерпуле и Битлз. К моему большому удивлению, такой книги не оказалось. Я нашел свою нишу и решил сконцентрироваться на Ливерпуле. Я также хотел закончить повествование на пике их популярности в Ливерпуле 10 июля 1964 года, когда 200 000 фанатов выстроились вдоль улиц, чтобы поприветствовать своих любимых сыновей и оказать им общественный прием. Это был невероятный момент в их жизни, и, хотя они, вероятно, не до конца осознавали это, это был один из последних моментов, когда Ливерпуль видел их. На мой взгляд, это было логичным завершением книги.

В: Только в Ливерпуле ходило так много слухов, полуправды и домыслов о группе. Как вы думаете, почему это так?
ДБ: Такова природа этого чудовища – люди хотят быть как можно ближе к истории. Для этой книги я решил обращаться непосредственно к первоисточникам, где только мог, потому что было так мало книг, на которые я мог положиться. Я брал интервью у The Quarrymen, Аллана Уильямса, Пита Беста, Джулии Бэрд, Билла Харри, Алистера Тейлора, Сэма Лича и многих других. Я обнаружил, что снова и снова читаю одни и те же истории в разных книгах, правильные или неправильные, как будто существует один источник, которым пользуются все, независимо от точности. Но когда я разговаривал с этими очевидцами, они иногда рассказывали мне разные истории. Это беспокоило меня, потому что, как и в случае с теорией "испорченного телефона", согласно которой истории меняются каждый раз, когда их рассказывают, воспоминания с годами тоже тускнеют. К тому же, как и в случае с любым явлением, некоторые люди, вовлеченные в него на периферии, внезапно видят возможность и рассказывают о своей роли для собственного эго, что затем переходит в фольклор. Я был полон решимости исследовать все, что мне говорили, и подтвердить это как можно большим количеством источников. Похоже, у каждого в Ливерпуле есть своя история о Битлз, и они горят желанием рассказать ее вам. Будьте начеку!

В: Какой самый большой слух вы исправили в книге?
ДБ: Возможно, Пита Беста уволили, потому что он был никудышным барабанщиком. Существует так много теорий, которые можно легко опровергнуть, например, о том, что он не сменил прическу! Поскольку Питу так и не было дано никаких объяснений, нам пришлось собрать мнения тех, кто был там в то время, поскольку однозначного ответа на этот вопрос не было. Меня не удовлетворила ни одна из предложенных теорий, и в конце концов я выдвинул свою собственную. В истории группы были разные музыканты, от которых отказывались по ходу дела, часто не по их собственному выбору. Когда было необходимо, Джон, Пол и Джордж принимали решение уволить одного из участников группы, что, по их мнению, было на благо группы. Один из конкретных случаев был связан с тем вечером в клубе The Casbah, когда Кен Браун не смог сыграть с The Quarrymen из-за болезни. Джон, Пол и Джордж играли без него. Когда Мона Бест заплатила группе деньги, Джон захотел узнать, почему деньги все еще делились на четверых, ведь Кен в тот вечер не играл. Джон, поддержанный Полом и Джорджем, потребовал у Кена его долю денег, иначе они больше не будут играть в Касбе. Мона не собиралась отступать, поэтому Джон, Пол и Джордж ушли без Кена. Когда я проанализировал события, произошедшие с июня 1962 по август 1962 года, стало ясно, что Джордж Мартин не собирался использовать Пита Беста для записи пластинок. Однако Мартин не видел необходимости в замене Беста. Если вы посмотрите на причину, по которой Ринго присоединился к группе, то поймете, что он был нанят на испытательный срок за фиксированную плату в неделю и не получал гонораров, начисляемых на какие-либо записи в то время. Таким образом, выручка от записи, по одному пенни с каждой пластинки, была разделена на троих – между Джоном, Полом и Джорджем, а Ринго денег не получил. Это напомнило мне о ситуации с Кеном Брауном, и это послужило основой для моей теории. Чем больше я вникал в детали, связанные с увольнением Пита, тем больше это мне казалось логичным. До сих пор никто не смог опровергнуть мою теорию, потому что никто не хочет об этом говорить. По сей день Пит до сих пор не знает, почему его уволили. К сожалению, я не думаю, что он когда-нибудь узнает настоящую правду.

В: Я был поражен, узнав, сколько было воплощений этой группы. Расскажите о том, сколько раз они распадались или превращались во что-то другое, и как судьба сыграла свою роль во всем этом.
ДБ: Как и многие фанаты, вы с самого начала интересовались Битлз, зная, что ими были Джон, Пол, Джордж и Ринго, которыми руководил Брайан Эпштейн. Затем вы узнаете, что менеджер Аллан Уильямс отдал их, и что раньше они назывались The Quarrymen. Я начал читать больше о том, как Джон основал The Quarrymen, и о том, как упоминались разные имена, и я решил найти каждого музыканта, который когда-либо играл в этих разных группах, и о том, как менялись названия. Я полагал, что это простая задача. Это оказалось одним из самых сложных аспектов книги. История “Великолепной четверки” со временем превратилась в “Великолепные 27” и включает в себя разовые выступления таких людей, как Рон Тед и Рори Шторм, перед более важными музыкантами, такими как Айвен Воган и Стюарт Сатклифф, которые являются неотъемлемой частью этой истории. Я обнаружил, что до того, как они стали называться The Quarrymen, их называли Тhe Blackjacks, что также совпадало с названием первой группы Кена Брауна и Пита Беста. Самым большим сюрпризом было узнать, что, когда в составе Quarrymen остались только Джон, Пол и Джордж, они распались в январе 1959 года, когда Джордж Харрисон ушел, чтобы присоединиться к The Les Stewart Quartet. Когда в августе 1959 года должно было состояться открытие (клуба) Casbah, на премьеру был приглашен The Les Stewart Quartet с Джорджем Харрисоном на гитаре. За несколько недель до этого события Лес Стюарт – или, точнее, его девушка – решили, что им не стоит выступать! Кен Браун и Джордж Харрисон выбежали из зала и пообещали Моне Бест, что соберут группу для открытия клуба. Джордж позвонил двум своим старым друзьям – Джону Леннону и Полу Маккартни – и они переформировали The Quarrymen, чтобы открыть клуб как Джон, Пол, Джордж и Кен. Что было бы, если бы The Les Stewart Quartet открыл клуб?

В: "Liddypool" также отдает дань уважения Моне Бест и клубу Casbah, которые сыграли важную роль в развитии группы. Расскажите об этом клубе и о том, почему его не замечали на протяжении многих лет?
ДБ: Самым большим сюрпризом для фаната Битлз, выросшего в Ливерпуле, было открытие "скрытой жемчужины" - Casbah. Все, о чем я знал - это легенда о The Cavern, где они выступили более чем в 300 концертах. Но было ли это “местом рождения Битлз"? Я предположил, что так оно и было. Я не поверил своим глазам, когда обнаружил Касбу в книге "The Beatles: the True Beginnings". Это было на самом деле? Мне нужно было это выяснить, поэтому я связался с Роугом Бестом, который провел для меня экскурсию. Здесь было настоящее место рождения The Beatles. Его открыла в августе 1959 года Мона Бест, которая была настоящим провидцем. Этот клуб был словно перенесен в прошлое, потому что он все еще оставался таким, каким был, когда закрылся в 1962 году. Потолок расписан вручную Джоном Ленноном и Полом Маккартни, а звезды нарисованы Джоном, Полом, Джорджем, Кеном Брауном, Питом Бестом и Стюартом Сатклиффом. Просто войдя в это место, вы почувствуете невероятный кайф. Когда были написаны первые книги о Битлз, Мона и Пит Бест не стремились обсуждать успех группы, которая уволила Пита на пороге славы, потому что, и это было справедливо, они были озлоблены. И поэтому в этих книгах Casbah просто не упоминалась. Это восходит к причине, по которой я начал писать эту книгу: не полагаться на книги других людей, чтобы пересказывать одну и ту же старую историю. Если у вас есть книга, в которой утверждается, что она рассказывает реальную историю The Beatles, но не упоминается важность Casbah, значит, вы читаете не настоящую историю. Именно здесь они впервые выступили за пределами Германии как The Beatles, еще до того, как стали знаменитыми, и до появления The Cavern. Вот почему Касбе посвящена целая глава: это феноменальное место.

В: Расскажите нам вкратце о сцене Merseybeat в конце 1950-х и о том, какие группы были самыми популярными в то время?
ДБ: Когда в 1956 году Британию охватило повальное увлечение скиффлом, вдохновленное Лонни Донеганом, по всей стране возникли такие группы, как The Quarrymen. Скиффл просуществовал недолго, но к тому времени Элвис уже вовсю качал бедрами, а в Ливерпуле выступил Бадди Холли, за которым, кстати, наблюдали Джон, Пол и Джордж. Они были вдохновлены настоящим рок-н-роллом. Когда The Quarrymen превратились в Silver Beatles, они были не особенно хороши. Если вы хотели увидеть топ-группу, то вам следовало следить за Rory Storm and the Hurricanes, Derry and the Seniors, The Searchers, The Swinging Blue Jeans, Gerry and the Pacemakers и Kingsize Taylor, а также за другими. В Касбе выступали все ведущие рок-группы Мерсибита. К 1962 году в Ливерпуле насчитывалось около 300 рок-н-ролльных групп, игравших в клубах по всему городу. Я составил список клубов, в которых играли The Quarrymen или The Beatles, и насчитал более 100. В пятидесятые годы наряду с рок-н-роллом процветала джазовая сцена, а также клубы в стиле кантри & вестерн и фолк.

В: Из четырех Битлз только Пол Маккартни, казалось, с чувством относился к Ливерпулю и его колоритным корням. Почему Джон, Джордж и Ринго не чувствовали того же?
ДБ: Когда я брал интервью у сводной сестры Джона Джулии Бэрд, стало ясно, что в 1970-х годах Джон тосковал по дому и просил привезти ему что-нибудь на память. Из-за проблем с визой в США поездка домой была невозможна в течение многих лет. Кто знает, что было бы, если бы его не убили? Я подозреваю, что однажды он собирался вернуться в Ливерпуль. Джордж поддерживал контакты с некоторыми членами своей семьи и поддерживал некоторые проекты в Ливерпуле, в первую очередь реставрацию викторианского пальмового дома в Сефтон-парке, на что он сделал значительное пожертвование. Ринго поддерживал некоторые проекты в Дингле, особенно свои старые школы – Сент-Сайлас и современную среднюю школу Дингл-Вейл. Но он с детства мечтал жить в Америке и, похоже, никогда по-настоящему не скучал по Ливерпулю. Эти усилия меркнут на фоне того, что Пол Маккартни сделал для своего родного города, как в виде государственных, так и частных пожертвований, в первую очередь для Ливерпульского института исполнительских искусств. Пол по-прежнему регулярно навещает здесь свою семью и публично демонстрирует свою любовь к Ливерпулю. Он, без сомнения, любимый сын города.

В: В вашей книге Йоко Оно предстает как одна из крупнейших спонсоров Ливерпуля, которая сохранила многое из истории Битлз. Что она сделала за эти годы?
ДБ: Когда вы говорите о вкладе Пола Маккартни в развитие Ливерпуля, это довольно широко освещалось в средствах массовой информации. Йоко Оно никогда не пользовалась таким вниманием со стороны СМИ, и она не всегда вызывала к себе такой интерес. Она внесла свой вклад в развитие школы Довдейл, как в государственном, так и в частном порядке, купила Mendips, а затем передала его в Национальный фонд. Она также поддержала детский дом Strawberry Field Children’s Home и согласилась на изменение названия Ливерпульского аэропорта на аэропорт имени Джона Леннона. Она поддерживает и продвигает Ливерпуль, когда может. Одним из ее последних действий стало создание “Imagine Appeal” в детской больнице Ливерпуля в Олдер-Хей. Она разрешила им использовать рисунок Джона в качестве логотипа и поддержала сбор средств на медицинское оборудование для детей Ливерпуля. Она не обязана ничего делать для Ливерпуля, но она продолжает работать во имя Джона, и это делает ее героем в моей книге.

В: Вы завершаете книгу триумфальным возвращением The Beatles в мэрию в июле 1964 года. Создается впечатление, что с этого момента ливерпульцы поняли, что Битлз принадлежат всему миру. Расскажите нам в исторической перспективе о том, насколько важны Битлз для наследия Ливерпуля и как к ним относятся сегодня?
ДБ: The Beatles покинули The Cavern в августе 1963 года, пообещав вернуться, но так и не вернулись. Фанаты Ливерпуля знали, что они уходят навсегда, и должны были поделиться этим со всем миром. Проще говоря, Битлз внесли Ливерпуль в историю и укрепили его в сознании людей во всем мире. Если вы скажете, что вы из Ливерпуля, то люди в большинстве стран мира ответят: “Да, Битлз". С приходом порта в упадок, досуг и туризм стали неотъемлемой частью жизни Ливерпуля в 21 веке, и во многом это связано с легендой The Beatles. Фанаты совершают паломничество со всех уголков земли, чтобы посетить Penny Lane, The Cavern, Strawberry Field и другие не менее известные места. Ливерпуль - родина The Beatles, но это также и 800-летний город с одной из лучших архитектур в Европе, набережной, внесенной в список Всемирного наследия Юнеско, одними из лучших музеев и художественных галерей Великобритании и футбольным клубом "Ливерпуль" (по-прежнему самой успешной британской футбольной командой). Это жемчужины, которые вы открываете для себя, когда приезжаете сюда, но именно The Beatles привлекают вас сюда в первую очередь. В Ливерпуле есть места, которые вы запомните на всю оставшуюся жизнь.

(Примечание: "Liddypool" - шуточное название для Ливерпуля, которое придумал Джон Леннон в своей книге "In His Own Write"- 1964)

John Lennon Estate выпустил новый видеоклип "Sunday Bloody Sunday" и новый бокс-сет "Power to the People"

В 1972 году Джон Леннон и Йоко Оно написали и записали зажигательную песню протеста под названием “Sunday Bloody Sunday”. Пара создала эту музыку 31 января 1972 года в ответ на "Кровавое воскресенье", произошедшую накануне резню, в ходе которой британские солдаты убили 13 безоружных гражданских лиц, включая шестерых детей, во время марша протеста в Дерри. Теперь The John Lennon Estate выпустили захватывающее визуальное сопровождение к гимну Джона Леннона и Йоко Оно.
Новое музыкальное видео на песню “Sunday Bloody Sunday” иллюстрирует с помощью текста и статистики человеческие и финансовые издержки войны, применения оружия и политического насилия. В клипе рассказывается о конфликтах и трагедиях со всего мира, включая беспорядки в Ирландии, войну во Вьетнаме, ирано-иракскую войну, Ливан, площадь Тяньаньмэнь, взрыв бомбы в Локерби, Боснийскую войну, геноциды в Руанде и Дарфуре, Чеченские войны, 11 сентября, войну в Ираке, Сирию, войну на Украине, войну в Газе и массовые расстрелы в Соединенных Штатах. В конце статьи остро указывается, что с тех пор, как 8 декабря 1980 года Леннон был застрелен возле своего дома в Нью-Йорке, от огнестрельного оружия в США погибло 1,5 миллиона человек.
Режиссерами клипа выступили Саймон Хилтон и Дэвид Фрирсон, а продюсерами — Шон Оно Леннон, Дельфина Ламанде-Фрирсон, Софи Хилтон, Фэй Джордан и Грейс Дэвид. Видео — это не просто новый акт протеста, это призыв к действию. Видео, размещенное на YouTube, содержит ссылки на десятки благотворительных проектов, направленных на борьбу с последствиями войн и насилия по всему миру.
”Sunday Bloody Sunday" впервые появилась на альбоме John & Yoko/Plastic Ono Band with Elephant’s Memory - "Sometimes In New York City", 1972 года, который был задуман как “аудиогазета”, освещающая важные события по всему миру. Песня войдет в новый бокс-сет "Power to the People", состоящий из 12 дисков и 123 треков, посвященный ненасильственному протесту Джона и Йоко в Нью-Йорке.
Бокс-сет преобразует материал, записанный в "Sometimes In New York City", в новые Ultimate Mixes, которые были обновлены и упорядочнены под названием "New York City". В центре внимания этого комплекта - полная живая запись концерта "One To One Concert" от 30 августа 1972 года. "The One To One Concerts" - двухдневное мероприятие в Мэдисон-Cквер-Гарден с участием Джона и Йоко/группы Plastic Ono, группы Elephant's Memory и специальных гостей.

После полувека музыки c Yes, Джон Андерсон рассказывает обо всем, от футбола до фей
By Dave Everley ( Classic Rock ) 7 November 2024

Фронтмен Yes, он был одним из создателей прог-рока, а теперь возглавляет свою собственную группу. Но это только часть его удивительной истории.
Название нового сольного альбома Джона Андерсона "True" звучит как заявление о намерениях в эпоху дезинформации. “Когда я писал текст, у меня постоянно возникали слова ”true" это или "true" то", - говорит бывший вокалист Yes. “Одна песня называется "True Messenger". Она написана во время моего пребывания на Ямайке много-много лет назад, когда я общался с растаманами. Все, что они говорили, было "правда": "Это правда, чувак". ”Не волнуйся, Джон, это правда".
Мало кто мог бы назвать одного из отцов-основателей прог-рока человеком, который на Ямайке, общался бы с группой растаманов, но, очевидно, в те времена это было вполне стандартным поведением. “О нет, быть там было чудесно”, - говорит он. “Я был большим поклонником Боба Марли. Я видел его в Rainbow Theatre [в Лондоне]. Я был в шоке от того, как здорово это звучало, как здорово все это было. Публика обожала его. И Ямайка, это круто. Ты должен взять фаршированные грибы и отправиться в Голубые горы, чтобы там направить свое высшее ”я"".
Андерсон всегда был гражданином мира. Когда ему было чуть за двадцать, он провел некоторое время в Германии со своей группой The Warriors (она же Electric Warriors), которая существовала до Yes. Сами Yes помогли развить всю прогрессивную рок-сцену, став суперзвездами по обе стороны Атлантики благодаря знаковым альбомам 70-х "Fragile" и "Close To The Edge", а также коммерческому монстру 1983 года "90125". Но его интерес к звучанию и духовности незападных культур уже давно отразился на его собственной музыке, будь то в составе Yes или сольно.
Выступая по каналу Zoom из своего дома в Калифорнии и выглядя на добрых два десятилетия моложе своих 79 лет, уроженец Аккрингтона Андерсон представляет собой очаровательную смесь земного и неземного. В одну минуту он с характерным ланкастерским акцентом рассказывает о своей любви к футболу, а в следующую - о “феях и эльфах”, которые незримо живут среди нас. Его бывший коллега по группе Yes Рик Уэйкман однажды с нежностью сказал о нем: “Он единственный человек, которого я знаю, пытающийся спасти эту планету, существуя при этом на другой”.
Карьера Yes была менее метафизичной и часто напоминала мыльную оперу – сам Андерсон трижды выступал в группе, последний период из которых закончился в 2008 году. Сегодня он по праву восхищен блестящий песней "True", записанной с группой Geeks, бэк-группой, которую он открыл для себя после того, как услышал в Интернете их кавер-версию классики Yes "Heart Of The Sunrise". “Это как дар небес”, - говорит этот космический хоббит. “Работа над этим альбомом стала одним из самых замечательных событий в моей жизни. Это было легко”.

Давайте начнем с важного вопроса. Что для вас в детстве значило больше: быть музыкантом или играть за (команду) "Аккрингтон Стэнли"?
- О, Аккрингтон Стэнли. (Указывает на спинку своего стула) У меня здесь есть моя мантия от "Аккрингтон Стэнли".

На какой позиции вы играли в детстве? Вы похожи на энергичного маленького вингера.
- Стэнли Мэтьюз. Седьмой номер. Тренер сказал мне, что я играл действительно хорошо, но у меня не было настоящих бутс. Он подарил мне пару ботинок Adidas, которые были просто великолепны, но мои пальцы ног не доставали до конца ботинка, поэтому я набил носки ватой. На фотографиях, которые я вижу, ботинки такие большие. Как клоунская обувь. Тренером был парень по имени Лес Кокер. В конце концов, он стал тренером сборной Англии, когда они выиграли чемпионат мира [в 1966 году].

Когда музыка заменила для вас футбол?
- У моего брата Тони была группа, о которой я знал не так уж много. У них было два вокалиста, Тони и еще один, который ушел, потому что захотел стать парикмахером – это было в 1963 году, во времена битловских стрижек. И тогда мой брат спросил: “Ты хочешь присоединиться к группе?” “К какой группе?” “Мы зовемся The Warriors". Я подумал: “Я могу это сделать”. Мы с Тони развозили молоко по Аккрингтону и пели песни Everly Brothers. Мы делали это с группой – Тони исполнял песни Элвиса Пресли, я - Роя Орбисона. Мы исполняли песни Beatles, Hollies… Когда какая-нибудь группа становилась знаменитой, мы исполняли одну из их песен.

Вы с самого начала были амбициозны? Вы хотели стать знаменитым?
- Боже, нет. Я вообще не думал об этом, пока мы не поехали в Германию [в 1966 году]. Мы следовали по стопам Битлов – мы играли в Кельне, Мюнхене, Франкфурте. В каждом клубе ты проводил по две недели. Пережить это было потрясающе. Я помню финал чемпионата мира, Англия против Германии. Мы играли в одном клубе в Германии, и владелец не позволил нам отдохнуть после обеда. Я сказал: “Но игра начинается в три часа”. Поэтому мы слушали ее по радио, когда играли. Каждый раз, когда Англия забивала гол, в нас бросали бутылкой.

Насколько беспорядочным было ваше пребывание в Германии?
- Ну, мы пристрастились к кислоте и тому подобному. Я слушал "Сержанта Пеппера" тысячу раз, и я слушал много всего из Стравинского. Это было действительно вдохновляюще. Я помню, как зашел в комнату, где спали Warriors, и попытался разбудить их: "Давайте, давайте пойдем и порепетируем, у меня есть кое-какие идеи". А они сказали мне, чтобы я отвалил. Так что я ушел, а чуть позже вернулся и попробовал еще раз: “Мы будем репетировать? Мы будем плохой группой? Мы могли бы стать отличной группой!” И они снова сказали мне, чтобы я отвалил. Так что, я снова согласился, собрал чемодан и отправился жить в Мюнхен. В день приезда я отправился на концерт Джими Хендрикса в небольшой клуб.

На что это было похоже?
- Он только начинал становиться знаменитым, и это было невероятно. Я жил в чулане в доме, который принадлежал двум милым девушкам. В тот вечер у нас была вечеринка для группы, и Джими был там. Я сидел в углу в своем кафтане, в бусах и колокольчиках, совершенно не в себе, когда подошел Джими, свернул косяк, и мы выкурили по косяку.
Случилось так, что, когда я вернулся в Лондон и только начинал свою работу в Yes с [басистом] Крисом Сквайром, мы пошли в джаз-клуб на встречу с [саксофонистом] Роландом Кирком. Я обернулся, и в этот момент вошел Джими со своей гитарой в футляре. Я помахал ему, и он сказал: “Мюнхен!” Он взял гитару и вышел на сцену с Роландом Кирком, и в течение часа они играли самый чистый джаз, какой только можно себе представить. С того момента я понял, что такое джаз.

В промежутке между уходом из The Warriors и созданием Yes вы выпустили пару сольных синглов под псевдонимом Hans Christian. Но разве не ходили разговоры о том, что вы работаете с неизвестным Элтоном Джоном?
- [Владелец лондонского клуба] Джек Барри упоминал о нем. В то время я его не знал. Кто-то дал мне кассету с его песнями. Это было хорошо, но не для меня. И вот однажды Джек Барри повернулся ко мне и сказал: “Ты ищешь группу. В углу стоит парень со скучающим видом, его зовут Крис Сквайр, подойди и поговори с ним”. Я подошел и спросил: “Как дела, чувак?” Мы поговорили о музыке, которая нам нравится, и он сказал: “У меня есть группа, она называется Mabel Greer’s Toyshop. Я сказал: "Какое длинное название. Сколько кислоты ты принял?”

И сколько кислоты принял он?
- Достаточно, чтобы никогда больше этого не делать. Но он попросил прийти на репетицию. К сожалению, барабанщик ушел, потому что у него был концерт в Париже с другой группой. И я сказал: “Давай поищем барабанщика”. Мы обратились к (газете) Melody Maker и нашли объявление: “Барабанщик ищет группу, фургон, прекрасная экипировка”. Мы сказали: “У него прекрасная экипировка и фургон. Он должен быть в группе!” И это был [оригинальный барабанщик Yes] Билл Бруфорд.

Вы были на пару лет старше всех остальных участников группы. Означало ли это, что вы стали выше остальных по рангу?
- Нет, это просто означало, что я знал, что делать. Из-за того, что я был маленьким, меня называли Наполеоном. Я мог постоять за себя: “Я с севера Англии, не морочь мне голову”. Я просто хотел создавать отличную музыку, и мне было все равно, что вы думаете, – просто делайте это, а если она будет плохой, займитесь чем-нибудь другим. Да ладно, это не сложно. Но, к счастью, Билл и Крис были необузданными, просто великолепными. Нас окружала энергия.

Были ли у вас какие-нибудь запоминающиеся ранние концерты?
- О да. На первом концерте у нас было всего три песни, над которыми мы с Крисом работали: "Beyond And Before" и две другие (которые в итоге вошли в одноименный дебютный альбом Yes 1969 года). И я сказал: “Давайте исполним фанковую версию песни [Уилсона Пикетта] ”In The Midnight Hour", которую мы играли в течение часа. И это было шоу - три песни, затем "The Midnight Hour" в течение часа. Но толпа танцевала под это, так что, должно быть, им это нравилось.
У меня в памяти навсегда остался концерт, который я отыграл с Warriors. Это было в одном прикольном заведении в Шеффилде. Менеджер этого заведения подошел и сказал: [Йоркширский акцент] “Эй, вы. Вы не будете возражать, если мой друг встанет и споет с вашей группой?” Мы сказали: “Если нам будут платить, то да, хорошо”. И вот этот парень подошел и сказал: “Ты знаешь "Hit The Road, Jack?”
Итак, мы вышли на сцену, и я сказал: “У нас есть молодой парень, и он споет эту песню”. И этот парень был потрясающим. Он звучал как Рэй Чарльз. В конце я посмотрел на него и спросил: “Как тебя зовут?” Он сказал: “Джо Кокер”. Я сказал: “Это был Джо Кокер, запомните это имя”, - как будто я с самого начала знал, кто он такой.

Вы пересекались с ним позже?
- О да. Да, он был в туре с The Who. Они были хедлайнерами, затем был Род Стюарт, потом Джо Кокер, а следующим был парень, который поджег свою голову [Артур Браун], и мы открыли шоу. Это были потрясающие две недели.
Я всегда помню Пита Тауншенда, в то время он ни с кем не разговаривал, но он подошел ко мне сзади и сказал: “Джон, я думаю, у тебя неплохая группа. Это неплохая идея для группы”. Все, что я мог подумать, было: “Пит Тауншенд разговаривает со мной!” Затем он сказал: “Я записываю альбом о глухонемом и слепом ребенке. Что ты об этом думаешь?” И, конечно же, месяц спустя вышел альбом "Tommy", и все были в восторге [взрыв мозга!]. Невероятный альбом. [Начинает петь] "See me, feel me, touch me…"

Насколько трудными были те первые годы Yes?
- Это был просто вопрос организации концертов. У нас был менеджер, который не понимал, как управлять группой. Хороший парень, но он просто хотел получать деньги от издательства. Это нас всех взбесило. После двух или трех альбомов мы сказали: “У нас недостаточно музыки, мы не можем пойти в студию”. В Лондоне все находятся повсюду, и внезапно ты оказываешься в студии и тратишь все свое время на то, чтобы собраться с силами. Я сказал: “Нам нужно просто уехать, найти место, где мы могли бы снять фермерский дом, быть вместе и понимать друг друга”. Итак, мы отправились в Девон и начали работать над альбомом, который стал "Fragile". Так что это была хорошая идея.

"Fragile" и сингл "Roundabout" действительно вывели все на новый уровень, особенно в Америке. Был ли момент, когда вы поняли, что Yes - это великая группа?
- Это происходило очень постепенно. Мы нашли менеджера, у которого были связи с Америкой, и внезапно мы отправились туда с Jethro Tull [в середине 1971 года]. У них был большой успех [с альбомом "Aqualung"], и первое выступление состоялось перед десятью тысячами зрителей, все смотрели на меня. Меня трясло. Я мог немного петь и играть на тамбурине, но это было все. Итак, я посмотрел на Иэна Андерсона и увидел, что у него есть хореография - он точно знал, как делать что-то в определенный момент в песне. И я подумал: “О, вот как ты это делаешь...” Потому что раньше я стоял там как идиот. [смеется] И я все еще стою как идиот.
В следующий раз, когда мы поехали в Америку, мы ехали куда-то, и по радио заиграла "Roundabout". [Взволнованно] “Мы на радио!” И затем, прямо в середине, мы переходим к соло на органе. Мы понятия не имели о радиомонтажах. Мы не знали, что лейбл Atlantic Records объявил: “Потрясающе, это хит”. И это был настоящий хит. Через три месяца мы сами выступали перед десятью тысячами зрителей.

Вам понравилась слава, или она вскружила вам голову?
- Мне все это очень понравилось. Мы открывали шоу Grand Funk Railroad перед пятнадцатью тысячами зрителей в поле. Я сказал: “Я люблю Америку! Я люблю Америку!” Я был под кайфом. Но я действительно любил Америку. Это было похоже на поездку в отпуск. У меня в чемодане был кассетный плеер и две колонки, похожие на бумбокс. Я ставил Сибелиуса и Стравинского, азиатскую музыку. Я играл на арфе и читал Германа Гессе "Путешествие на Восток". Пара парней сидела в баре – ладно, каждый делает то, что хочет. Но я чувствовал себя по-настоящему комфортно в своем номере в отеле Holiday Inn. Это было просто невероятное время.

С кем вы были близки в группе?
- Я объединялся со Стивом Хоу при каждой возможности. Я очень хорошо помню, как по дороге на завтрак услышал, как Стив играет на гитаре в своей комнате (напевает сложный рифф). Я позавтракал, а он все еще играл. Я открыл дверь и спросил: “Стив, ты не мог бы поменять там ключ?” Он так и сделал, и я начал петь: "Workings of man set to ply out historical life, regaining the flower of the fruit of his tree..." [текст из эпической песни Yes "Awaken" 1977 года]. Это просто вырвалось само собой.

Откуда это взялось?
- Понятия не имею. Я просто знаю, что был влюблен в жизнь, меня все устраивало, и я пел об этом. Я не зацикливался на таких вещах, как “Зачем я это делаю?”

Иногда кажется, что Yes были не только группой, но и непрекращающейся борьбой характеров. Пятеро упрямых людей боролись за лидерство.
- Есть отличная фотография из студии, где мы записывали альбом "Relayer" [1974 года]. Каждый держит в руках свой фейдер (регулятор громкости) – я держу свою руку на своем фейдере, в котором играет вокал, Крис держит свою руку на том, на котором играет бас, Стив Хоу, Алан [Уайт, барабанщик], [клавишник] Патрик Мораз держат свои руки на своих. И тут к нам подходит Эдди Оффорд, [давний продюсер], который пытается вмешаться и сказать: “Послушайте, ребята, это не работает”. В общем, да.

У Рика Уэйкмана была коллекция дорогих автомобилей. Какие экстравагантные вещи вы купили?
- Ничего особенного. Я купил очень недорогой Bentley Continental у гитариста, который в то время нуждался в деньгах. У меня была коллекция инструментов – арфа, гитара, клавишные, маленький магнитофон Revox, на котором я мог повторять, удваивать и утраивать звуки.

Это пригодилось, когда вы записывали свой дебютный сольный альбом "Olias Of Sunhillow" в 1976 году. Это был безумный альбом, в лучшем виде – вы сделали все, от игры на всех инструментах до продюсирования и изобретения нового языка для одной песни.
- Ну, все началось с того, что Крис и Стив записали сольные альбомы. Я сказал: “Соло - это значит, что ты сам по себе, так что я просто буду делать то, что в моих силах”. Я случайно встретил старого друга по имени Тони Колтон, который занимался продюсированием второго альбома Yes ["Time And A Word"]. Он пришел ко мне домой и начал играть на пианино, и я не мог поверить, насколько он хорош. Он сказал: “Ну, я ходил в музыкальную школу”. И вот что пришло мне в голову: “Я запишу альбом, как будто я учусь в музыкальной школе. Я напишу музыку, подберу инструменты, а в конце поставлю себе звездочку”.

В какой-то момент вы подумали: “Какого черта я решил это сделать?”
- Бывали такие моменты. Первые полтора месяца я был так счастлив. В последний месяц у меня случился нервный срыв, когда я пытался собрать все это воедино. Там было четыре "вида" – ударные, струнные инструменты, колокольчики и свистульки, затем вступает хор. Я поставил их на четыре разные катушки и никак не мог заставить их синхронизироваться. Прошло пять дней, а я все еще пытаюсь это сделать. Я наслаждался виски, потом упал и заснул в студии.
Я проснулся утром и подумал: “Что случилось?” Я нажал на микс, и он получился идеальным. Я понятия не имел, что произошло и как я это сделал. И я заплакал, потому что эмоции от того, что я пережил это, были такими сильными. Я благодарил богов. В моей жизни такое случалось пару раз, когда ты соприкасался с божественной энергией и внезапно осознавал: “Я могу дышать, все в порядке, все хорошо”.

Справедливости ради, наверное, виски помогло.
- О, так оно и было [смеется]. Но я бросил все, когда встретил своего духовного учителя. Я решил бросить пить, курить и все остальное. А потом я встретил свою жену, и все стало ясным, продуманным. Если вы не работаете над альбомом, найдите группу и отправляйтесь в турне.

Вы покинули Yes после выхода альбома "Tormato" в 1978 году. Это было трудное решение?
- Нет, все было просто. Мы пытались записать альбом в Париже с продюсером [Роем Томасом Бейкером], у которого было множество хитовых пластинок. Он больше, чем кто-либо другой, хотел стать звездой рок-н-ролла. И он все испортил. А Алан [White, барабанщик Yes], который был там со своей девушкой, покатался на роликах и сломал лодыжку, и на этом все закончилось. Казалось, что это серьезное столкновение только и ждало своего часа. Мы все сказали: “Ладно, я еду домой”. Что мы и сделали. Невозможно изменить людей, когда они веселятся и музыка - последнее, о чем они думают. После десяти лет Yes нам нужен был этот взрыв – я иду этим путем, ты идешь тем путем. Так что, я переехал жить на юг Франции и обнаружил, что в то время был очень изобретательным человеком.

Его первоначальный уход из Yes, казалось, открыл шлюзы. В период с 1980 по 1983 год Андерсон выпустил пять альбомов: два сольных ("Song Of Seven" 1980 года и "Animation" 1982 года) и три с греческим клавишником маэстро Вангелисом ("Short Stories" 1980 года, "The Friends Of Mr Cairo" 1981 года и "Private Collection" 1983 года). Два сингла Джона и Вангелиса – "I Hear You Now" и "Can't Find My Way Home" – вошли в Tоп-10 Великобритании, а еще один сингл Джона и Вангелиса, "State Of Independence", был сногсшибательно переделан королевой дискотек Донной Саммер.
Карьерный путь Yes был полон событий, и в 1983 году Андерсон присоединился к группе для записи альбома "90125", заменив человека, который ранее заменил его - Тревора Хорна (который продюсировал тот же альбом). Андерсон снова покинул группу в конце того десятилетия, чтобы сформировать отколовшуюся фракцию с коллегами-беглецами из Yes Биллом Бруфордом, Риком Уэйкманом и Стивом Хоу, но вернулся в группу в 1990 году.
Но в 2008 году произошел еще один важный поворот, когда группа решила продолжить сотрудничество с вокалистом Бенуа Дэвидом, и когда Андерсон не смог гастролировать после того, как был госпитализирован после тяжелого приступа астмы, из-за которого у него возникли острые респираторные проблемы. Если не считать краткого воссоединения со своими старыми коллегами по группе для включения их в Зал Славы Рок-н-ролла в 2017 году, с тех пор он больше не пел с Yes.

После первого ухода из Yes вы выпустили пять альбомов в период с 1980 по 1983 год. Это похоже на раскрепощенного человека.
- Точно. Мне очень повезло встретиться с Вангелисом и научиться духовно и музыкально развиваться. Он был идеальным спонтанным музыкантом. Он мог писать симфонию каждый день. У этого парня был невероятный талант. Я пел с ним, и в большинстве случаев у меня получались спонтанные тексты песен.

А потом вы взяли и присоединились к Yes в 1983 году для записи альбома "90125", который был даже более масштабным, чем все, что вы делали раньше.
- Это немного безумно. Я был на юге Франции, работал над парой проектов для Virgin Records, которые так и не были реализованы, но у меня все еще была по-настоящему хорошая музыка. Я вернулся в Лондон, и Крис позвонил мне по телефону: “Не хочешь послушать музыку?” И он включил кассету с альбомом, который получил название "90125", а в то время назывался "Cinema". Он спросил: “Что ты об этом думаешь?” Я сказал: “Чертовски потрясающе. Но я бы изменил куплеты в ”Owner Of A Lonely Heart". И он спросил, не зайду ли я и не спою ли ее. Он сказал: “Мы можем назвать это Yes, если ты споешь".

Каково это было - вернуться в строй?
- Это было невероятно - быть суперзвездой. Мне это нравилось. Но я не думал об этом. Я был творческим человеком. Я помню, как во время тура мы наняли двух ребят из киношколы в Филадельфии для съемок документального фильма о туре – одного звали Стив, а другого Тим. [Стивом на самом деле был Стивен Содерберг, позже ставший режиссером фильмов "Секс, ложь и видео" и трилогии "Океаны"].
В начале тура Стив и Тим взяли напрокат машину и поехали на концерт в Бостон. Мы остановились заправиться, и рядом с заправочной станцией был кинотеатр, где показывали фильм "This Is Spinal Tap". Мы втроем пошли и посмотрели его. Я не мог удержаться от смеха – кто-то снял фильм о нас! На протяжении всего тура я просто глупо смеялся над тем, как вели себя люди [из группы]. Они не понимали, что на самом деле это был Spinal Tap.

Yes были почти такими же взрывоопасными, как Spinal Tap. В конце восьмидесятых вы снова ушли, чтобы основать ABWH с Биллом Бруфордом, Риком Уэйкманом и Стивом Хоу, а затем вернулись в Yes в 1990 году.
- Yes были очень хрупкими, но жизнь продолжается. Мы записывали альбом ABWH в Монтсеррате [в студии Джорджа Мартина Air studios]. Стив не хотел идти, но остальным было очень весело. Мы играли в крикет с местной школой. Они пришли в белых халатах и во всем остальном. Они уничтожили нас.

Это правда, что вы когда-то пытались создать группу с Риком Уэйкманом и Китом Эмерсоном?
- Да! Два клавишника, ни одного гитариста. Серьезных обсуждений не было, только два телефонных звонка. Но это звучало бы потрясающе.

Гитариста не было. Я понимаю. Что мы должны понимать под этим?
- [Смеется] Ничего. Мне просто нужно было, чтобы рядом со мной был оркестр.

Ваше пребывание в Yes, похоже, закончилось навсегда в 2008 году, когда они отправились в турне с заменой, похожим по звучанию.
- Во второй раз, когда я ушел… Я не уходил из группы, у них появился новый вокалист. Поэтому я сказал своей жене Джейн: “Я собираюсь выйти на сцену со своей гитарой и рассказывать истории, и мы вместе отправимся путешествовать по миру”. И мы занимались этим в течение двух лет. Это было невероятно. Yes нашли вокалиста и продолжили в том же духе, и это уже никогда не было прежним.

Замена в Yes все еще причиняет боль?
- Нет, потому что сейчас я собрал свою новую группу. Я получил тот Yes, который хотел.

Без того, чтобы все держали руки на фейдерах.
- Точно!

В ARW, группе, в которой вы играли с Риком Уэйкманом и бывшим гитаристом Yes Тревором Рабином, произошло что-то вроде воссоединения. Казалось, все шло отлично, но потом все просто прекратилось. Что пошло не так?
- Все очень просто – это был просто плохой менеджмент. Люди снаружи шумели. Из-за внешних факторов стало невозможно продолжать. Жизнь продолжается.

Если бы Стив Хоу позвонил вам завтра и спросил: “Не хотите ли вернуться к Yes?” Что бы вы ответили?
- Нет. Не сейчас. На самом деле я связался с ним и почти ничего не получил в ответ. Но подумайте о том, что эта песня все еще остается моей любимой [из "True"]. Со многими людьми, с которыми я встречался, у меня ничего не получалось, и в конце концов ты говоришь: “Я должен двигаться дальше. Ты должен двигаться дальше, заниматься своими делами, все в порядке. Но ты все равно мой друг, потому что в свое время мы через многое прошли вместе”. Я и Стив, мы написали "Close To The Edge".

Альбом "True" кажется обнадеживающим. Так ли это?
- Да. [Цитируя слова песни из "True" - "True Messenger"] ‘Gods of the world all become ascending". Существует так много богов сознания матери-Земли. Боги и феи. Люди не понимают, что эльфы и феи находятся на другом уровне сознания. Мы не можем их видеть, потому что они не хотят, чтобы их видели. Факт в том, что они существуют, мы связаны с ними, потому что очевидный смысл жизни в том, чтобы найти божественное внутри себя. Вот для чего мы все вместе здесь собрались: чтобы на нашей планете появился Райский сад.

На данный момент это кажется сложной задачей.
- Я мечтаю об этом. Я очарован деревьями, цветами, птицами, пчелами. Без деревьев нам было бы нечем дышать. Рай здесь, если ты этого захочешь.

В этом году вам исполнится восемьдесят лет… (Делает страдальческое лицо.) ...Вы планируете большой праздник?
- Я просто собираюсь отдохнуть. У меня будут мои дети и внуки, все вместе. У нас есть друг, у которого прекрасный дом, и мы прекрасно проведем там время.

Похоже, вы прошли через все это практически невредимым. В чем секрет?
- Система убеждений, основанная на понимании того, что мы здесь по одной-единственной причине - найти божественное, которое нас окружает, и соединиться с ним.

Попадет ли (команда) "Аккрингтон Стэнли" когда-нибудь в Премьер-лигу?
- [Смеется] Я все еще верю в это. Вы видите "Брентфорд" в Премьер-лиге. Если они смогут это сделать, то и "Аккрингтон Стэнли" сможет.

В анналах британского рока есть имена, которые не всегда на слуху у широкой публики, но чье влияние на музыку невозможно переоценить. The Groundhogs — именно такая группа. Это коллектив, прошедший путь от ритм-энд-блюза до тяжелого психоделического рока, создавший уникальный звук и оставшийся верным своему видению.

Начало пути: Блюзовые корни (1963-1969)

История The Groundhogs началась в 1963 году в Лондоне. Изначально группа была частью британской блюз-сцены, выступая в качестве аккомпанирующего состава для легендарного американского блюзмена Джона Ли Хукера во время его первых гастролей в Великобритании. Это стало бесценной школой для молодых музыкантов.

Основателем и бессменным лидером коллектива был Тони МакФи (Tony McPhee) — виртуозный гитарист, вокалист и автор песен. Именно его мощный гитарный саунд и мрачноватый вокал стали визитной карточкой группы.

Ранние синглы The Groundhogs, такие как «Shake It» и «I'm Mad», были типичными образцами британского ритм-энд-блюза. Однако к концу 60-х годов, под влиянием психоделии и зарождающего хард-рока, звучание группы начало стремительно меняться.

Золотая эра: Трилогия шедевров (1970-1972)

Настоящий прорыв и расцвет творчества The Groundhogs пришелся на начало 1970-х, когда группа выпустила три концептуальных альбома, ставших классикой британского рока.

1. «Thank Christ for the Bomb» (1970)
   Этот концептуальный альбом стал поворотным пунктом. Тони МакФи отошел от чистого блюза, создав тяжелое, насыщенное гитарное звучание. Тексты песен были мрачными и социально ориентированными, исследующими темы войны, отчуждения и человеческой природы. Композиции вроде «Status People» и заглавного трека демонстрировали невероятную энергию и мощь трио.

2. «Split» (1971)
   Вершина творчества The Groundhogs. Альбом «Split» — это монументальная работа, посвященная теме психического расстройства. Благодаря таким трекам, как эпическая «Split Part 1» и динамичная «Split Part 2», группа достигла пика своей популярности, заняв 5-е место в UK Albums Chart. Гитара МакФи здесь звучит особенно агрессивно и изобретательно, предвосхищая развитие хард-рока и хэви-метала.

3. «Who Will Save the World? The Mighty Groundhogs» (1972)
   Группа продолжила эксперименты с концептуальными темами, на этот раз обратившись к апокалиптическим и социальным сюжетам. Альбом укрепил репутацию The Groundhogs как одной из самых серьезных и тяжелых рок-групп Британии.

Музыкальный стиль и влияние Тони МакФи

Тони МакФи по праву считается одним из самых недооцененных гитаристов своей эпохи. Его стиль характеризовался:

• Мощным саундом: Он использовал перегруз (овердрайв) не как эффект, а как неотъемлемую часть своего звука.

• Виртуозной техникой: Быстрые бенды, агрессивный ритмичный рисунок и длинные импровизационные соло.

• Уникальным подходом: Макфи мастерски сочетал блюзовую основу с психоделической свободой и тяжестью прото-метала.

Творчество The Groundhogs оказало влияние на множество последующих групп, играющих в жанрах блюз-рока, хард-рока и даже стоунер-рока.

Наследие The Groundhogs

Несмотря на изменения в составе и периоды затишья, Тони МакФи продолжал работать под именем The Groundhogs вплоть до 2010-х годов, регулярно выпуская альбомы и давая концерты. Группа сохранила преданный культовый статус, особенно в Европе и Японии.

Почему The Groundhogs важны сегодня?

• Мост между эпохами: Они были живой связью между аутентичным чикагским блюзом и британским роком 70-х.

• Пионеры тяжелого звука: Их музыка стала одним из кирпичиков в фундаменте хард-рока и хэви-метала.

• Культовая фигура: Тони Макфи — гитарист, чье мастерство и уникальный почерк заслуживают отдельного изучения.

Дискография: С чего начать знакомство?

1. «Split» (1971) — абсолютный мастрид, визитная карточка группы.

2. «Thank Christ for the Bomb» (1970) — мощный концептуальный альбом.

3. «Who Will Save the World? The Mighty Groundhogs» (1972) — продолжение золотой трилогии.

4. «Hogwash» (1972) — отличный пример их позднего, более разнообразного звучания.

The Groundhogs — это не просто страница в истории рока, а целая глава, наполненная мощью, эмоциями и новаторством. Их жизнь и творчество — это история верности своей музыке, эволюции от корней к вершинам и создания звука, который и сегодня звучит свежо и актуально.

Steppenwolf — одна из самых влиятельных рок-групп конца 1960-х и 1970-х годов, оставившая неизгладимый след в истории музыки. Их хиты, такие как "Born to Be Wild" и "Magic Carpet Ride", стали гимнами эпохи и до сих пор звучат на радиостанциях по всему миру.

Группа Steppenwolf была основана в 1967 году в Лос-Анджелесе. Её ядро составили музыканты из Канады: Джон Кей (вокал, гитара), Майкл Монарх (гитара), Рустон Морвей (бас), Голди Макджон (клавишные) и Джерри Эдмонтон (ударные).
Название коллектива было вдохновлено романом Германа Гессе «Степной волк», что отражало бунтарский дух их музыки.
Расцвет популярности
Уже в 1968 году группа выпустила дебютный альбом «Steppenwolf», который принёс им мгновенный успех. Главным хитом стала песня "Born to Be Wild", вошедшая в саундтрек культового фильма «Беспечный ездок» (1969). Эта композиция не только стала символом байкерской культуры, но и ввела в обиход термин "heavy metal" (благодаря строчке "heavy metal thunder").
Второй альбом «Steppenwolf the Second» (1968) закрепил успех, подарив миру ещё один мегахит — "Magic Carpet Ride"

Музыкальный стиль и влияние

Steppenwolf сочетали в своей музыке:

• хард-рок,
• блюз-рок,
• психоделические мотивы.

Их звучание оказало влияние на множество последующих групп, включая Deep Purple, Led Zeppelin и Black Sabbath

Распад и воссоединения

К середине 1970-х группа столкнулась с внутренними конфликтами и меняющимся музыкальным рынком. Официально Steppenwolf распались в 1972 году, но позже несколько раз воссоединялись в разных составах. Джон Кей оставался ключевой фигурой и продолжал гастролировать под названием John Kay & Steppenwolf.

Наследие Steppenwolf

• "Born to Be Wild" включена в Зал славы премии «Грэмми».
• Группа продала более 25 миллионов копий альбомов по всему миру.
• Их музыка звучит в фильмах, сериалах и рекламе, оставаясь актуальной спустя десятилетия.

Steppenwolf — это не просто группа, а символ свободы и бунтарства. Их музыка продолжает вдохновлять новые поколения, а легендарные хиты остаются классикой рока.
Основные альбомы Steppenwolf:

1. Steppenwolf (1968)

• Хиты: "Born to Be Wild", "The Pusher"
• Дебютный альбом, ставший классикой хард-рока.

1. Steppenwolf the Second (1968)

• Хиты: "Magic Carpet Ride", "Don’t Step on the Grass, Sam"

1. At Your Birthday Party (1969)

• Хиты: "Rock Me", "It’s Never Too Late"

1. Monster (1969)

• Концептуальный альбом с социально-политическими темами.
• Хиты: "Monster/Suicide/America"

1. Steppenwolf 7 (1970)

• Хиты: "Who Needs Ya", "Snowblind Friend"

1. For Ladies Only (1971)

• Последний альбом перед первым распадом группы.

Реюнион-альбомы (1970-е – 1980-е):
После распада в 1972 году группа несколько раз воссоединялась:

• Hour of the Wolf (1975)
• Skullduggery (1976)
• Rock & Roll Rebels (1987)

Сольные проекты Джона Кея:
Лидер группы Джон Кей (John Kay) продолжил сольную карьеру:

• Forgotten Songs & Unsung Heroes (1972)
• All in Good Time (2008)

Интересные факты:

• "Born to Be Wild" стала саундтреком к фильму "Беспечный ездок" (1969).
• Название группы взято из романа Германа Гессе "Степной волк".

Группа оказала большое влияние на развитие хард-рока и хэви-метала. Их музыка остается популярной и сегодня.

Интервью с писателем Ричардом Кортни, автором книги "Come Together. The Business Wisdom Of The Beatles"
by Gary James

Ричард Кортни и его соавтор по-своему взглянули на историю The Beatles. Они рассмотрели как успехи, так и неудачи The Beatles и объяснили, как вы можете применить то, что пережили The Beatles, к повседневным бизнес-решениям, основанным на здравом смысле, в своей жизни. Ричард Кортни рассказал нам о своей книге "Come Together. The Business Wisdom Of The Beatles" (издательство Turner Publishing).

В - Ричард, я должен сказать вам, что мне нравится эта книга!
О - Что ж, спасибо вам.

В - Но когда я читаю это, я думаю, что бы Джон Леннон подумал о названии книги?
О - "Business Wisdom" или "Come Together"?

В - "Business Wisdom". Джон однажды сказал, что Битлз на самом деле не так уж много знали о бизнесе.
О - Мы используем мудрость как совокупность результатов их успехов и неудач, что в любом случае ставит под угрозу мудрость. Нам очень повезло, что мы обладаем дальновидностью, которой, конечно, не было у него.

В - Я действительно вижу серию книг, которые вы, ребята, могли бы написать. Хотите поделиться мудростью ведения бизнеса? Вы могли бы написать продолжение этой вашей книги о Дэйве Кларке из The Dave Clark Five.
О - О, да.

В - Он был достаточно умен, чтобы завладеть мастер-лентами своих записей. Он оплатил студийное время и сдал мастер-ленты в аренду звукозаписывающей компании. В 1960-х годах это было неслыханно, чтобы кто-то занимался этим. Он намного опередил свое время.
О - Я этого не знал. Я знаю, что еще в те времена, когда на слуху были (кассеты) "Бетамакс", я купил шоу "Ready, Steady, Go" с участием Битлз и заметил, что оно принадлежит Dave Clark Productions.

В - А вам никогда не приходила в голову мысль о том, чтобы продолжить серию книг о бизнес-премудростях других рок-исполнителей? Сделайте это целой серией!
О - Вообще-то, да. Сейчас мы работаем над The Stones. Я больше фанатею от The Beatles, чем Джордж (соавтор Кэссиди). Он больше любит The Stones. Так что, мы объединяемся в обратном порядке, чтобы записать версию The Stones. Моя жена хочет, чтобы я написал о Пикассо. Я до сих пор не понимаю, к чему она клонит. (смеется)

В - Недавно я разговаривал с одним человеком, который сказал мне, что The Stones не заработали денег на своих первых десяти альбомах.
О - Да, (Джоуи) Молленд сказал, что то же самое случилось с The Who. Когда все закончилось, у Badfinger тоже не было денег. Даже Cream не заработали ничего на нескольких первых альбомах. Значит, кто-то другой тогда заработал немного денег.

В - Подходил ли к вам кто-нибудь из предпринимателей и говорил, что почерпнул какие-то советы из книги "Come Together"?
О - О, да, и не так мало. На самом деле, один профессор из Сиракуз добавляет это в свою учебную программу и закупает 150 книг в следующем году для весеннего семестра. Они хотят, чтобы мы приехали в Сиракузы в качестве приглашенных лекторов на один день. Так что, мы согласились на это. Другие просили нас сделать то же самое. Это действительно звучит здорово. В Университете Джорджии есть музыкальная программа, и они попросили нас приехать на эту программу. Штат Пенсильвания попросил нас приехать. Так что, прошло всего пять недель, а мы уже заметили, что книга включена в учебные программы нескольких университетов по всей стране. Затем мы подумали, что осталось всего несколько дней, а колледжей много, так что, возможно, нам придется разделить некоторые из них. Это будет захватывающе, потому что я думаю, что по мере своего развития, это книга, из которой молодые люди в целом могли бы извлечь уроки.

В - На странице 71 вы пишете: "В рамках основной сделки Битлз по мерчандайзингу в Америке директоры были готовы взять 10%, однако Брайан (Эпштейн, менеджер "Битлз") сделал предложение наоборот, отдав Битлз 10%, а мерчандайзерам - 90%". Брайан Эпштейн фактически передал эту сделку своему адвокату, который и заключил эту сделку, но в конечном счете, поскольку он был их менеджером, вина ложится на него.
О - Он обратился в суд и добился отмены решения. Он добился отсрочки довольно скоро после того, как понял, в чем заключалась сделка. Я не знал, что адвокат сделал это. Я знал, что адвокат рассмотрел это дело. В свое время он (Брайан Эспстайн) допустил несколько грубых ошибок, но ему удалось исправить их все. Прямо перед смертью он перезаключил с ними (Битлз) контракт на запись альбома, по которому они на тот момент были самыми высокооплачиваемыми музыкантами в мире.

В - "Случайностей не бывает, есть только упорный труд и возможность подготовиться к встрече". Вы забыли добавить "удача" в этой цитате.
О - Мы считаем, что вы сами создаете свою удачу. Все зависит от того, что делают люди. Это то, что упускается из виду. Помимо таланта, который иногда упускается из виду, их трудовая этика была невероятной. За один год, в 1964-м, они сняли три фильма, записали три альбома и пару раз совершили мировое турне. Они никогда не останавливались, и их стремление к обучению на протяжении всей жизни было просто невероятным, потому что, даже когда они были в отпуске, они пытались чему-то научиться, а затем брали все, что узнавали и приносили это в студию. Это было феноменально.

В - И все же Мик Джаггер как-то упомянул тот факт, что Битлз не были такой гастролирующей группой, как Стоунз. Но если учесть, в каких странах выступали эти ребята, они действительно много гастролировали!
О - О, да. Джаггер, вероятно, просто развлекался. Они действительно нравились друг другу. Вероятно, им просто нравилось время от времени подкалывать друг друга, слегка подталкивать локтем.

В - Страница 216, "Сильное присутствие организованной преступности уже давно ассоциируется с киноиндустрией". О ком вы говорите? Почему организованная преступность хочет работать в музыкальном бизнесе? Это такой непостоянный бизнес.
О - Ну, в музыкальном бизнесе довольно много денег постоянно переходят из рук в руки от звукозаписывающих лейблов. Отчасти это относится к манипулированию чартами и к манипулированию радио, чтобы манипулировать чартами и продавать пластинки. В 50-е и 60-е годы в виде подкупа компании довольно часто обменивали наличные на услуги и преференциальный режим.

В - Я думаю, это очень умно, что вы рассказали историю The Beatles и дополнили ее деловыми советами, основанными на здравом смысле. Это нечто другое.
О - Спасибо. У нас возникла идея, и я воспользовался ею и составил 100 глав. Изначально их было 112, и я начал ее писать. Я уже некоторое время работаю обозревателем здесь, в Нэшвилле, и у меня есть привычка писать иронично и саркастично. Я думал, что это не сработает. Я пробовал три или четыре раза. Я знаю, что Джордж Кэссиди - великий писатель, отличный специалист по бизнесу здесь, в этом городе. Мне удалось убедить его, что он должен присоединиться к нам. Это действительно его авторский стиль. После того, как я отправил ему первые семь или восемь глав, он переписал их и сказал: "Видишь, вот так это и должно звучать". Итак, вот как мы оказались там, где мы сейчас находимся.

В - Ваша жена - публицист? Она работает с музыкальными деятелями?
О - Не так много музыкантов. Она занимается пиаром корпоративных клиентов. У нас с ней есть здание позади этого, и мы только что решили его арендовать. Затем арендатор, который сдает его в аренду, Стив Мур, промоутер, который привез Пола Маккартни в город, съезжает. Так что, музыка окружает нас повсюду. Кстати, мне удалось встретиться с ним (Полом Маккартни) в июле, когда он приезжал в Нэшвилл, что было большим удовольствием.

В - Вам удалось пожать ему руку и поговорить с ним?
О - О да. Мэр Нэшвилла был приглашен на саундчек, а затем на встречу с ним. Я был здесь на четырех фестивалях Beatles, и все вырученные средства пошли в местные благотворительные фонды, так что он знает, что я его фанат, поэтому он пригласил меня на встречу с ним. Мы провели с ним около двадцати пяти минут, только жена мэра, Маккартни и я. Лучшего разговора и быть не могло. Я нервничал, потому что, находясь в Нэшвилле среди всех этих музыкантов, время от времени я встречал кого-нибудь из старой гвардии, и в конце концов я пожалел, что встретил их. Это было разочаровывающе. К тому же, я прочитал о нем все, что только можно было прочитать. Но он не мог быть более обаятельным, теплым и благодарным. Это захватывающе.

В - Вы пишете: "Говорится, что вы сами пишете свой некролог. Пусть на вашей эпитафии будет написано "Be Bigger Than The Beatles"!" Вы имеете в виду "популярнее", не так ли?
О - (смеется) Да. На самом деле рабочим названием книги было "Be Bigger Than The Beatles", и, как у всех книг, у меня возникли проблемы с ее публикацией, поэтому я завел страницу в Facebook под названием "Be Bigger Than The Beatles". Я думал, что соберу десять тысяч фанатов, вернусь в Нью-Йорк и потребую миллион долларов. Когда я создал этот сайт, все фанаты начали его бомбить. "Что значит "быть больше, чем The Beatles"? Нет никого более значительнее, чем The Beatles! Это кощунство. Вы никогда не сможете превзойти The Beatles!". Поэтому мы изменили название на нынешнее и отказались от более популярного.

В - На чем, по-вашему, основывался успех The Beatles?
О - Я думаю, что в первую очередь это сочетание страсти, драйва и решительности. Он (Джон Леннон) часто говорил: "Мы хотим быть самой крутой рок-н-ролльной группой в мире", хотя (лозунг) "the Toppermost to the Poppermost" - это юношеское приветствие. Я думаю, что они это имели в виду. Они хотели достичь вершины. Они хотели совершенства и стремились к совершенству, и они стремились к обучению на протяжении всей жизни, и они усердно работали и росли в творческом плане на протяжении всей своей карьеры. Так что, это сочетание всего этого, плюс их имидж, их бренд, их прически, их акцент, их обаяние, их остроумие. Это просто сочетание всего.

Мик Джонс вспоминает 50 лет, проведенных в одной из самых успешных рок-групп, которые часто были непростыми.
By Paul Rees ( Classic Rock ) 2025

Мик Джонс привел Foreigner к мгновенному успеху, но, по его собственному признанию, с "помешанным на контроле" человеком у руля часто было не все так просто
В речи, которую он направил вместе со своей дочерью Аннабель по случаю запоздалого введения Foreigner в Зал Славы Рок-н-ролла, Мик Джонс описал почти 50-летний путь своей группы как Одиссею. Это мнение едва ли было развеяно шумихой, поднятой на концерте HOF bash в Кливленде 19 октября 2024.
В тот вечер приняли участие только двое оригинальных участников группы: бывший фронтмен Лу Грэмм и экс-клавишник Эл Гринвуд. К ним присоединился бывший басист Рик Уиллс, который в 1979 году сменил покойного Эда Гальярди. Как и Гальярди, мультиинструменталиста Иэна Макдональда больше нет с нами.
Джонс, который в феврале прошлого года объявил о своем диагнозе "болезнь Паркинсона", извинился и ушел. После чего барабанщик Деннис Эллиотт (Dennis Elliott) выступил с ноткой злобы, слишком хорошо знакомой зрителям Foreigner на протяжении десятилетий. В своем посте на Facebook за два дня до церемонии Эллиотт признался: “Вчера вечером нам наконец-то предоставили расписание, и оно нас не удовлетворило. Поэтому мы остаемся дома”.
С Foreigner всегда было так. Образованная в Нью-Йорке в 1976 году англичанином-эмигрантом Миком Джонсом и получившая название Trigger, группа изначально состояла поровну из трех британцев и трех американцев. В остальном паритета между ними не было. Джонс правил всем – “немного помешанный на контроле”, по его собственным словам; властный надсмотрщик со вспыльчивым характером, а по мнению Грэмма, даже хуже. Под железной рукой Джонса и со звездным голосом Лу Грэмма они выпустили дебютный альбом "Foreigner", разошедшийся пятимиллионным тиражом, и выпустили еще более успешный альбом 1978 года "Double Vision".
Гальярди получил известность еще до выхода в 1979 году альбома "Hot Blooded". Относительный провал этого альбома побудил Джонса и Грэмма отказаться от Макдональда и Гринвуда. Альбом "4" - коммерческий и творческий пик Foreigner, золото мелодик-рока, добытого благодаря непревзойденному альянсу Джонса, Грэмма и суперпродюсера Матта Ланге.
Затем, в 1984 году, была выпущена последняя демонстрация силы - "I Want To Know What Love Is", пауэр-баллада, которая положит конец всем пауэр-балладам. Ее материнский альбом, "Agent Provocateur", был провальным. После этого Джонс и Грэмм поссорились и в конечном итоге расстались. Но Foreigner продолжали работать. Непоколебимые за последние 40 лет и по-прежнему действующие, несмотря на то, что они не записывали вместе ни одного альбома после посредственного альбома "Can't Slow Down" 2009 года и полного отсутствия оригинальных участников в их нынешнем составе.
В настоящее время Мик Джонс, по сути, на пенсии и не дает интервью. Он сделал исключение для интервью с Classic Rock, которое было проведено по электронной почте из его дома в Нью-Йорке и, возможно, стало его последним словом о его в целом замечательной группе.

Что лично для вас значит введение в Зал Cлавы? И как вы думаете, почему это событие так долго откладывалось?
- Что ж, приятно, когда тебя признают коллеги. Для меня большая честь быть включенным в Зал Cлавы всех великих артистов, которые за эти годы были включены в него. Что касается того, почему это заняло так много времени, я действительно не задумывался об этом. На самом деле, возможно, сейчас это значит для меня больше, чем если бы это произошло двадцать лет назад.

Давайте вернемся к началу, к 1976 году. Где вы были в то время?
- Я играл и писал песни в группе Leslie West Band. После того, как я ушел, я начал писать песни для себя. Во время одной из моих сочинительских сессий я придумал вступительный гитарный рифф, который показался мне довольно запоминающимся, и это стало ощущаться как в первый раз. Я записал демо-версию этой песни и, услышав ее, инстинктивно понял, что она, возможно, станет хитом. Теперь мне нужно было создать группу, которая смогла бы воплотить эту песню в жизнь.

Как это привело к появлению Foreigner?
- Как только у меня в кармане оказались "Feels Like The First Time" и несколько других песен, я захотел собрать группу музыкантов, которые могли бы играть и создавать взаимопонимание в студии и на сцене. Для меня это было действительно важно. Потому что группы могут великолепно звучать в студии, но это не значит, что это автоматически переносится на сцену. Я искренне хотел и того, и другого.
Я знал Иэна Макдональда со времен его работы в King Crimson. У Иэна был богатый сценический опыт. Он мог быть довольно эксцентричным и стал важной частью Foreigner. Я пригласил Денниса Эллиота, который играл с Иэном Хантером. Следующими присоединились Эд Гальярди и Эл Гринвуд.
Кроме того, был еще один важный ингредиент, и это был превосходный Лу Грэмм. Я получил копию альбома Black Sheep, группы, в которой Лу был фронтменом. Я был по-настоящему впечатлен тембром его вокала и фразировкой. Позже я услышал его вживую, и это меня поразило. Я знал, что у Лу было все необходимое, чтобы воплотить лучшее в песнях, которые я написал.

Какой музыкальный план для группы вы имели в виду?
- У меня не было четкого плана, но у меня было представление о том, что я ищу. Звучание было основано на культурных традициях британцев и американцев, которые составили Foreigner. Наши музыкальные вкусы хорошо сочетались. Мне нравится думать, что в них была свежесть или энергия, которые выделялись в то время. Я думаю, успех группы подтверждает это.

Как вы думаете, какие качества необходимы для того, чтобы быть хорошим лидером группы?
- Я думаю, что у большинства начинающих музыкантов есть свое видение того, как они хотят донести свою музыку до аудитории. Чтобы это видение сработало, вам нужно уметь донести свои желания до остальных участников группы, чтобы они знали, в каком направлении вы хотите, чтобы они двигались. Вам также нужно уметь сбалансировать все личностные качества в группе. Держать эго в узде.

Foreigner добился такого огромного и мгновенного успеха.
- Это было что-то вроде цунами, и не всегда было легко удержаться на плаву. Нам потребовалось время, чтобы собраться с силами и оставаться на плаву. У нас были свои трудности – работа в индустрии, внимание средств массовой информации и поддержка наших семей. Это было настоящее жонглирование.

Между первым альбомом группы "Foreigner" и последующим "Double Vision" прошло всего 15 месяцев.
- Я хотел сохранить динамику, заложенную в первом альбоме. Было проделано много работы за короткий промежуток времени, и это привело к тому, что я почувствовал, что немного перегорел. Но это был тот случай, когда нужно было ковать железо, пока горячо.

Эд Гальярди был заменен после выхода того альбома. Что привело к его уходу?
- Эд просто не вписывался в то направление, в котором развивалась группа. Мы были мейнстрим-рок-группой, а Эд в своей игре все больше склонялся к прогрессивному року. Это было очень трудное решение - отпустить его.

Как вы оцениваете работу над следующим альбомом, "Head Games"?
- Когда вы испытываете успех, подобный тому, который был у нас до этого, вы попадаете в ловушку, позволяя ему раздуть ваше эго. Вы считаете золотые альбомы, висящие у вас на стене. Это реальность, выходящая за рамки повседневной жизни, и она может затуманить ваше восприятие.

После выхода третьей пластинки Эл Гринвуд и Иэн Макдональд также ушли из группы. Сожалеете о чем-нибудь?
- Конечно. Ты работаешь в студии и гастролируешь с этими парнями, которые к тому же являются твоими друзьями. Это как вторая семья, и в ней могут возникнуть разногласия, как это было в случае с Элом и Иэном. Они были разочарованы из-за своего уровня участия в написании материала. И это совершенно справедливо. Я был немного помешан на контроле над тем, в каком направлении я хотел направить группу, что оттолкнуло их обоих. К сожалению, это так.

Матт Ланге вряд ли известен как спокойный продюсер. Как вам двоим удалось собраться вместе, чтобы сделать (альбом) "4"?
- Мы с Маттом разделяли одно и то же видение, которое заключалось в создании запоминающегося альбома с действительно хорошими песнями. Я бы не сказал, что мы не были безжалостны, но мы на равных подталкивали музыкантов к реализации нашего видения. Мы оба были очень упрямы в студии, но я считаю, что это было очень позитивно, потому что мы подталкивали друг друга к тому, чтобы показать себя с лучшей стороны. Мы очень хорошо ладили, и я думаю, это видно по показателю качества "4". Мы прониклись большим уважением друг к другу.

С "Agent Provocateur" были проблемы. Справедливое замечание?
- В туре "4" мы потакали своим желаниям. Останавливались в самых дорогих отелях, вели светскую жизнь. Никаких вылетающих из окон телевизоров, только куча денег. На фоне такого успеха можно потерять концентрацию. Кроме того, вы постоянно беспокоитесь о том, чтобы оставаться актуальным. Иногда давление может выбить тебя из колеи. Ты думаешь, что потеряешь все. В процессе работы над каждым альбомом есть свои трудности.
Для этого альбома мы начали сочинять музыку и экспериментировать в студии. Мы начали в Нью-Йорке, где Тревор Хорн продюсировал альбом. Затем проект переместился в Лондон. Интересы Тревора не совпадали с моими, и все пошло наперекосяк. В итоге мы наняли Алекса Садкина, который в то время продюсировал альбом Thompson Twins. Труднее всего было заставить всех сосредоточиться. В треки всегда вносились изменения в последнюю минуту, что приводило к разочарованию участников группы. Мы справились, но это было нелегко.

Что послужило катализатором разрыва ваших отношений с вокалистом Лу Грэммом?
- Это случилось так давно, и ворошить эти воспоминания сейчас никому не выгодно. Мне нравится думать, что это в прошлом. Надеюсь, Лу чувствует то же самое.

Вы отправились продюсировать альбом Van Halen - "5150", их первый альбом после эпохи Дэвида Ли Рота. Что вам удалось привнести в другую группу?
- Когда у тебя накоплен такой же опыт, как у меня, когда я записывал все альбомы Foreigner, ты способен предвидеть проблемы и избегать того, что может привести к хаосу в студии. Это помогло мне в работе с Van Halen. Я смог объединить их творческую энергию в очень хорошем альбоме.

Но со следующим альбомом Foreigner,"Inside Information", все было не так.
- Удивительно, что этот альбом вообще был записан. Отношения между мной и Лу изменились. Он был уже не так эмоционален и не был рад петь баллады, хотя на альбоме было несколько потрясающих песен. В студии у нас не очень складывалось сотрудничество. Лу пришел, спел песни, а затем ушел, как только смог. Из-за этих обстоятельств альбом получился не очень хорошим.

Если бы вы могли вернуться, вы бы сделали что-нибудь по-другому?
- Оглядываясь назад, я понимаю, что так стремился все сделать правильно, что, возможно, из-за меня участники группы чувствовали себя в некотором роде отстраненными от творческого руководства группой. В студии я был немного перфекционистом. Возможно, я производил впечатление человека, который все контролирует. Я мог бы быть немного более гибким с ребятами. Но, с другой стороны, был бы Foreigner столь же успешен? Этого, я думаю, мы никогда не узнаем.

Начав свою карьеру в 1976 году, Foreigner имел долгую карьеру, в которой было много взлетов и падений. Что поддерживало группу на плаву все эти годы?
- Песни. В последний раз я выступал с группой два года назад, и то из-за моей борьбы с болезнью Паркинсона. У меня все хорошо.

Была критика за то, что Foreigner теперь просто кавер-группа.
- Я нахожу это немного чрезмерным. Нынешний состав существует уже долгое время. И, как вы знаете, с годами в крупных оркестрах происходят кадровые перестановки, потому что музыканты уходят на пенсию или уходят из жизни. Оркестры продолжают исполнять великую музыку прошлого. Бостонский симфонический оркестр не менял своего названия, так почему Foreigner должен это делать? Люди по-прежнему хотят слушать эту музыку вживую.

Какую песню вы бы назвали своей лучшей?
- Если судить по популярности во всем мире, я бы сказал, что "I Want To Know What Love Is". Она стала своего рода гимном.

И о чем вы больше всего сожалеете?
- Сожаление - это часть человеческого опыта. Иногда я думаю о том времени, которое я проводил вдали от своей семьи из-за всех этих гастролей. Мне нравится думать, что я был хорошим отцом для своих детей, но, должно быть, им было трудно постоянно находиться без отца. У меня замечательные дети, и я их очень люблю, но им не всегда было легко.

Что ждет вас дальше? Просто жить полной жизнью?.
- Став старше, я вспоминаю все те удивительные годы, которые я провел в музыке, и те прекрасные воспоминания, которые у меня остались. Мне очень повезло как артисту. Осознание того, что я принес радость стольким людям, очень много значит для меня. Никогда по-настоящему не знаешь, что ждет нас в будущем, но я точно знаю, что хочу использовать оставшиеся годы с пользой.