Волшебство стиля "NEW AGE"

Музыка нью-эйдж (англ. new age music, дословно «музыка новой эпохи») — совокупность музыкальных стилей, характеризующихся расслабляющим и позитивным звучанием. Нью-эйдж сочетает инструменты, характерные для электронной и этнической музыки, и характеризуется низким темпом, использованием лёгких и поднимающих настроение мелодий. Эта музыка часто используется для релаксации, рекреации и стимулирования творчества .Исполнители нью-эйджа часто обращаются к темам живой природы, самопознания и национальной культуры.

В музыке нью-эйдж в основном используется модальная консонантная гармония. Продолжительность одной композиции может составлять от нескольких минут до получаса и более. Темп большинства композиций невелик: музыка звучит плавно, расслабляюще; однако, в отличие от эмбиента, не является чисто фоновой. Зачастую композиции включают в себя этнические мелодии.

Нью-эйдж включает как музыкальные электронные формы, опирающиеся на продолжительные гармонические «подкладки», так и акустические формы с использованием флейты, фортепиано, гитары и различных инструментов народов мира. В части набора инструментов нью-эйдж эклектичен: один и тот же музыкант в разных композициях и альбомах может прибегать к использованию самых разных инструментов, от электронных синтезаторов и сэмплеров до старинных и экзотических инструментов народов мира. Могут использоваться как живые инструменты, так и цифровые семплы (записи) их звучания.

Вокальные композиции могут включать тексты на экзотических, мёртвых или даже вымышленных языках, непонятные слушателю, но передающие атмосферу эпохи или региона, которым посвящена композиция. Иногда вместо живой записи вокала используются семплы хора, этнических или церковных песнопений разных народов мира. Целый пласт нью-эйджа основан на использовании григорианского песнопения (проекты Enigma, Era, Gregorian). В нью-эйдже, как и в его ближайшем «родственнике» — жанре эмбиент — часто используются сэмплы звуков живой природы: плеск волн, шелест деревьев, пение птиц, и т. д
На фото : GREGORIAN

Споры об определении :
Мнения критиков, любителей музыки и самих исполнителей о сущности музыки нью-эйдж и о том, какие музыканты относятся к данному жанру, существенно различаются. Существует три основных подхода к определению жанра нью-эйдж.
Нью-эйдж — ветвь электронной музыки, которая включает в себя мелодичные, нетанцевальные композиции с различными видами аранжировок (в противоположность танцевальным стилям, как техно, и поджанрам: экспериментальной электронной музыке(она может быть немелодичной), нойзу,некоторым поджанрам эмбиента и т.д.)
Нью-эйдж — мелодичная электронная музыка, с простым звучанием, мягкими мелодиями и продолжительными композициями, вне всякой связи с духовно-философскими учениями. Данное определение во многом совпадает с первым.

Gregorian В соответствии с этими точками зрения, такие музыканты и группы, как Enigma, Aeoliah, Enya, Lesiem, Loreena McKennitt, Love Orchestra, Jean Ven Robert Hal, Kitaro, Suzanne Ciani, Tangerine Dream, Vangelis, Султонали Рахматов, Ivo Keers, Era и Yanni принадлежат к нью-эйдж. Однако некоторые критики[кто?] с этим не соглашаются. Во-первых, такие музыканты как Loreena McKennitt, Jean Ven Robert Hal, Vangelis и Tangerine Dream начинали свою деятельность, не подозревая, что их музыка может быть отнесена к жанру нью-эйдж, некоторые из них воспринимают «музыку нью-эйдж» как жанр, связанный с религиозно-философскими движениями New Age, к которым сами эти музыканты не имеют ни малейшего отношения. Во-вторых, музыка таких исполнителей, как Tangerine Dream, Mike Oldfield, Jean Ven Robert Hal и Vangelis, очень разнообразна, многие альбомы нельзя отнести к жанру нью-эйдж (например, творчество Vangelis включает музыкальные коллажи и экспериментальную электронную музыку), и поэтому неправомерно прикреплять ярлык нью-эйдж к творчеству того или иного музыканта в целом. В-третьих, по своему звучанию музыка, например, Enigma и Suzanne Ciani значительно отличается, поэтому вряд ли правомерно их относить к одному жанру.
На фото : KITARO

Нью-эйдж — жанр электронной музыки, который в основном имеет прикладное значение и связан с медитативной музыкой и музыкой для релаксации. Зачастую подобные записи продаются в магазинах, ориентированных на любителей йоги, восточных духовных практик, амулетов, благовоний и т. п. Музыканты: Steven Halpern, Anugama, Cusco, David Arkenstone, Deuter, Gandalf, G.E.N.E., Tya, Oliver Shanti, Kitaro, Chinmaya Dunster, Himekami, Медвин Гудалл, Дэва Премал и др.
Таким образом, однозначная классификация музыкального жанра до конца не выработана.

По мнению некоторых слушателей некоторые альбомы Vangelis и Tangerine Dream могут быть причислены к жанру нью-эйдж, но творчество данных музыкантов в целом из-за его многоплановости и сложности нельзя относить к данному жанру. Творчество Enigma ближе к традиционной поп-музыке .Музыка Suzanne Ciani — нью-эйдж, но музыка Klaus Schulze — нет, поскольку он не создает композиций, изначально предназначенных для релаксации и прослушивания в фоновом режиме.
На фото : VANGELIS

Предтечи жанра :
Вопрос об истоках музыкального жанра носит дискуссионный характер, и в качестве его создателей упоминается целый ряд музыкантов. Первоначально элементы музыки стиля нью-эйдж возникли в творчестве джазовых музыкантов, однако преемственность нью-эйдж и джаза многими музыковедами ставится под сомнение. Первым музыкантом, игравшим в стиле нью-эйдж, считается американский джазмен Тони Скотт (Tony Scott, р. 1921). В 1964 он записал первый альбом в стиле нью-эйдж — Music For Zen Meditation. Практически в то же время независимо от Скотта музыку, близкую к нью-эйджу, стал играть другой американский джазмен, Пол Уинтер. В отличие от более медитативной и сосредоточенной музыки Скотта, музыка Уинтера была более позитивной и жизнерадостной. Это было обусловлено её близостью к таким течениям внутри джаза, как босса-нова. Считается, что на формирование жанров эмбиент и нью-эйдж повлияли работы таких джазовых музыкантов, как Keith Jarrett (особенно его запись The Koln Concert), Ralph Towner (с записями Blue Sun и Solo Concert), Lyle Mays, Майлз Дэвис (альбом In a Silent Way 1969 г. и др.).

В дальнейшем, однако, саунд нью-эйджа терял связь с традициями джаза. Уже в 70-е годы нью-эйдж стал преимущественно электронной музыкой; музыканты широко использовали синтезаторы. Cущественное влияние на формирование стиля оказала влияние европейская классическая музыка (Клод Дебюсси), ранняя академическая электронная музыка и минимализм, в частности творчество композиторов-минималистов: Эрика Сати, Терри Райли, Стива Райха, Филиппа Гласса.

С 1968 по 1973 год такие немецкие музыканты и коллективы, как Popol Vuh, Deuter, Can, Tangerine Dream, Klaus Schulze и др. выпустили несколько работ с экспериментальным звучанием, созданным при помощи синтезаторов, акустических и электроинструментов. Эта музыка, определяемая как космическая (kosmische), не создавалась как фон для релаксации слушателя, для неё характерна духовная напряженность, атмосферность, развитие музыкальных тем, однако в этих записях содержались элементы звучания, которые позже будут взяты на вооружение другими музыкантами и определены как эмбиент или нью-эйдж, в зависимости от точки зрения критиков и слушателей. Как правило, с возникновением музыки нью-эйдж в Западной Европе связываются ранние альбомы Popol Vuh («Affenstunde», «In Der Garten Pharaos») и Deuter. Начиная со второй половины 1970-х годов творчество и идеи Брайана Ино, определившего стиль исполняемой им музыки как эмбиент, легко объединили на совместных с ним записях многих музыкантов, таких как Роберт Фрипп, Jon Hassell, Laraaji, Harold Budd, Cluster, Jah Wobble.

В США создателем жанра нью-эйдж считается музыкант Steven Halpern c альбомом «Spectrum Suite» (1975). У европейских слушателей он малопопулярен. В Европе в качестве создателя нью-эйдж музыки в том виде, как она стала привычной для слушателей 80-х годов, часто называется Deuter с альбомами «Aum» (1972) и «Celebration» (1976). Определенное влияние на нью-эйдж и эмбиент оказала также конкретная музыка.

Появление термина :
Сам термин «музыка нью-эйдж» был введен в оборот гитаристом Вильямом Аккерманом (William Ackerman), создателем лейбла Windham Hill, в 1975 году. Ярлык получил широкое распространение в 1980-е годы благодаря лейблу Narada, выпускавшему медитативную и этническую музыку.

В начале 80-х годов, в эпоху кризиса стиля индастриал, многие бывшие музыканты индустриальных групп стали использовать эстетику нью-эйджа в своих произведениях. Так появился жанр «дарк-фолк».

Рост популярности музыки в жанре нью-эйдж связан с возрождением интереса западной молодежи в 1960-80-е годы к духовным традициям и музыке незападных культур и европейского Средневековья. В частности это нашло свое отражение в массовом интересе к григорианскому распеву, а также к искусству, философии и духовным традициям народов Востока. Значительный вклад в популяризацию музыки нью-эйдж внесли американские лейблы Hearts of Space и Windham Hill. Расцвет жанра наступил в 1980-е годы.

Эстетика и идеология :
Связь музыки с неоязыческой религиозной философией new age, от которой произошло название, в настоящее время практически отсутствует. Современный нью-эйдж — сугубо светское искусство. Музыканты, исполняющие нью-эйдж, в жизни исповедуют самые разные религии (в основном разные конфессии христианства), многие не проявляют интереса к религии вообще.

Вместо этого, музыка в стиле нью-эйдж обычно посвящена таким темам, как космос, окружающая среда, природа, благо бытия, гармония с миром и собственным «Я», сны и путешествия в духовном мире. Многие музыканты выпускают альбомы по мотивам своей национальной мифологии и культуры, либо посвящённые культуре экзотических стран. Так, дебютный альбом Энии и целый ряд альбомов Дэвида Аркенстона посвящены кельтской мифологии и истории, первые альбомы проекта Era посвящены учению христианской секты катаров. Китаро посвятил серию альбомов культуре стран Великого шёлкового пути, а проект G.E.N.E. создал музыкальные картины различных регионов Земли, таких как Тихий океан, Средиземноморье, остров Пасхи и др.

Некоторые музыканты, такие как Дэвид Аркенстон и Лекс Плотников, посвящают концептуальные альбомы произведениям в жанре фэнтези, а Майк Олдфилд записал нью-эйджевый альбом по мотивам научно-фантастической книги сэра Артура Кларка .
Названия композиций в жанре нью-эйдж часто очень образные и красочные, например: Purple Dawn (Пурпурный Рассвет) (Anugama), Shepherd Moons (Пастушьи Луны) (Enya), Straight' a Way To Orion (Путь на Орион) (Kitaro), The Quiet Self (Безмолвное «Я») (Gregorian), One Deep Breath (Одно Глубокое Дыхание) (Джозеф, Брэдли).

Нью-эйдж часто используется в саундтреках к фильмам и компьютерным играм, в особенности посвящённым природе, фантастике или истории. Один из наиболее известных композиторов, писавших саундтреки в жанре нью-эйдж — Вангелис, творчество которого, впрочем, не ограничивается этим жанром .Часто нью-эйдж используется как мелодический фон для занятий творческой деятельностью, йогой, массажем, при чтении, как метод борьбы со стрессом и для создания умиротворённой атмосферы.

На фото : ENYA

2Aleksandr A.:
А откуда бралась информация?
Просто интересно, а то там много сомнительных утверждаений (например, про dark-folk или Lyle Mays'а в качестве "джазовых корней").

Судя по всему перепечатана статья из русской википедии.

2papan:
>Судя по всему перепечатана статья из русской википедии.
Да, уже тоже нашел.
Не знаю, не знаток я этой музыки, но (как и почти всегда) лучше бы отечественные "википедисты" перевели статью из "аглицкой".

http://en.wikipedia.org/wiki/New_Age_music

2Aleksandr A.:
>характеризуется низким темпом, использованием
>лёгких и поднимающих настроение мелодий. Эта музыка
>часто используется для релаксации, рекреации и
>стимулирования творчества .Исполнители нью-эйджа
>часто обращаются к темам живой природы, самопознания
>и национальной культуры.

К Tangerine Dream вышесказнное ну никак не относится. Тревожная у них музыка, не релаксирующая. И у "короля" new age Клауса Шульце полно сочинений с высоким темпом исполнения. А Enya - чистая этника. Не всё в new age так просто:-))
Но за статью все равно большое спасибо.

2yellow submarine:

>Но за статью все равно большое спасибо.
Согласен . Не всё так просто , когда в этом стиле столько переплетений и наслоений . Здесь и этника и электроника и вокализы на непонятных наречиях .
И всё это замешано на элементах психоделии и релакса .

KARUNESH .
Карунеш в переводе: сострадательный) — музыкант, исполняющий медитативную музыку в стиле нью-эйдж. Настоящее имя — Бруно Ройтер.


Родился в Кёльне (Германия) в 1956 году. С детства интересовался музыкой, однако выбрал карьеру графического дизайнера. Однажды попал в аварию на своём мотоцикле и на длительное время оказался в коме, что побудило его, выйдя из комы, переосмыслить свою жизнь и провести переоценку жизненных ценностей. В 1979 году он поехал в ашрам Ошо в Пуну (Индия), где получил посвящение и взял себе новое духовное имя — Карунеш (Karunesh), означающее в переводе с санскрита «сострадание». Там он познакомился с Дойтером, Гови и Анугамой, после чего принял решение стать профессиональным музыкантом.

Возвратясь в Германию, в течение пяти лет жил в коммуне Раджниша в Гамбурге. Одновременно с этим развивался как музыкант, общаясь с другими музыкантами и создавая лёгкие, медитативные мелодии.

Музыка Карунеша имеет сильное восточное влияние, в первую очередь индийской народной музыки. Звучание современных синтезаторов сочетается в ней со звучанием нежных колокольчиков, а звучание флейт сочетается с пением птиц и журчанием воды. Также Карунеш использует традиционные индийские музыкальные инструменты (в первую очередь, ситар).

В 1984 году Карунеш выпустил свой первый альбом Sounds of the Heart (Звуки сердца), который был встречен с успехом. Впоследствии выпустил ещё ряд альбомов, ставших классикой стиля «нью-эйдж». В настоящее время многие эзотерические группы (в частности, последователи Ошо) используют его мелодии в качестве фона для медитаций и тренингов [1].

С 1992 года живёт на Мауи (Гавайские острова).

Дискогрфия :

1984 - Sounds Of The Heart
1987 - Colours Of Light
1989 - Sky's Beyond
1990 - Heart Symphony
1992 - Heart Chakra Meditation
1994 - Beyond Body & Mind Meditation
1998 - Secrets Of Life
2000 - Global Spirit
2001 - Silent Heart
2001 - Zen Breakfast
2002 - The Way Of The Heart
2002 - Nirvana Cafe
2004 - Call Of The Mystic
2005 - Beyond Heaven
2006 - Global Village
2006 - Joy Of Life
2008 - Enlightenment
2009 - Revelation
2009 - Heart Chakra Meditation 2

Уже качаю альбом 1984 - Sounds Of The Heart . Послушаю.

2Aleksandr A. :
спасибо.

Для меня всегда играла расслабляющую и уносящую роль музыка группы Пинк Флойд. И не думаю, что может быть что-то более "уносящее"

Уже слушаю KARUNESH. Не люблю такое искуственное звучание. Не мое. Словно миди слушаю )

21966:

> И не думаю, что может быть что-то более "уносящее"
Согласен . Конечно не может . Пинк Флойд - это вершина (выше уже нет ничего)- ИМХО . Да и само построение музыкальных форм отличается . Пинк Флойд все-таки писались в студии от начала до конца ( звуковые и шумовые эффекты накладывались на музыку ), а в Нью Эйдж наоборот ( музыка накладывается на записанные ранее вокальные партии африканских племен)

2Aleksandr A.:
>а в Нью Эйдж наоборот ( музыка накладывается
>на записанные ранее вокальные партии африканских
>племен)

Ну, положим, в new age вокальных партий африканских племен не так уж много. Куда больше германских клавишников типа Берндта Кистенмахера и Клауса Шульце или японцев вроде Китаро.

Согласен . Стиль очень многогранен . Африканские песнопения - это всего лишь часть . Вот ещё один исполнитель NEW AGE :
NICOLAS GUNN .
Николас Ганн – самый что ни на есть настоящий англичанин, родом он из города Рочестера.
Николас не музыкант-самоучка: за его плечами солидное классическое образование, которое юноша получил в рочестерской Королевской Школе Музыки (Royal School of Music). Именно в этом учебном заведении он выучился играть на флейте и изучил базовую теорию музыки. Затем после его окончания юноша направился в Южную Калифорнию, где и обосновался.
Там он начал сочинять собственную музыку и поначалу исполнял ее друзьям, приходившим в его дом. Произведений становилось все больше, они были очень ярки, ни на что не похожи, и долго так продолжаться не могло: творчество Николаса должно было найти выход к широкой аудитории. И это произошло! В 1993 году Ганн записал на студии “Real Music” свой дебютный альбом, называвшийся “Afternoon In Sedona” («Полдень в Седоне»). Успех этого диска был огромен. Что же особенного было в его мелодиях, что заставляло говорить о нем как о новом, выдающемся явлении в мире современной инструментальной музыки?
Прежде всего, стиль Николаса был индивидуален и узнаваем с первых же аккордов. Музыкант нашел свое особое звучание: он соединил воедино нежную флейту и страстные «живые» барабаны, на которых, кстати, он тоже великолепно играет. Сюда же добавилась безупречная мелодическая линия электронных клавишных и иногда, очень тонко, что бы вы думали? Настоящая фламенковская гитара! Она придала музыке Ганна еще больше страсти и гармонии. И во всем этом еще присутствовал индейский колорит: у Николаса особая любовь к музыке коренных жителей континента. Произведения Ганна мелодичны, в них все тонко выверено: чувствуется хорошее музыкальное образование. Но если остановиться только на этом, будет упущено самое главное: музыка Ганна имеет духовные качества. Она обладает силой, страстностью, заражает своей энергией и при этом интеллигентна. Музыкант говорит на языке, доступном многим, стараясь донести до нас свой внутренний поиск. Николас так описал свою композицию “Qomolangma”: «В уме и сердце каждого человека есть место, где он может чувствовать всю мощь земли. Там мы можем найти покой и безмятежность, желание жить в гармонии с природой». И надо сказать, что все сочинения Николаса Ганна очень земные и естественные. В них проявляется скрытая мощь матери–земли, одухотворенная горячим сердцем исполнителя.
Самые значительные события в творчестве Николаса случились позже. В 1994 году выходит его альбом “Sacred Fire” («Священный огонь»), а годом спустя “The Music Of The Grand Canyon” («Музыка Великого каньона»). Интересно, что оба этих альбома попали в главную десятку хит–парада журнала “Billboard”.
Первый из этих дисков, “Sacred Fire”, выделялся не только фирменным «ганновским» звучанием, но также и тем, что в его записи участвовало много других разнообразных музыкантов. К примеру, в “Odessa”, часто крутившейся в разных танцевальных клубах, звучит вокал Кассандры Шеад (Casandra Sheard). В композиции “From Heaven To Earth” («С небес на землю») можно услышать известную скрипачку Карен Бриггс (Karen Briggs), принимавшую участие в записи альбомов и концертах Янни (Yanni). Но, наверное, главным украшением “Sacred Fire” стала классическая гитара Завье (Zavier). Его инструмент с мягкими нейлоновыми струнами гармонизирует музыку Николаса, придает ей завершенность.
И если для “Sacred Fire” подходит просто множество самых добрых слов, то “The Music Of The Grand Canyon”, вышедший в серии “The National Parks Series” («Музыка Национальных парков»), изданной студией “Real Music”, можно смело назвать классикой жанра. Кто–то может засомневаться, а не слишком ли громко сказано? Но так и есть! Я даже считаю, что этот альбом, как и другие из этой же серии, войдет в музыкальную историю, и в будущем его будут изучать как пример какого–нибудь «канонического ньюэйджа». В нем все сплавлено воедино: перкуссия, флейта, мелодичные клавишные, гитара, голоса индейцев и природные звуки. Причем разнообразнейшие природные звуки были записаны именно там, в Национальном парке. Это Его голос — голос Великого каньона.

«Как композитор и музыкант я верю, что все — земля, люди, объекты — резонирует с определенной частотой звука. Используя инструменты и звук, я перевожу эту энергию в изображения. Композиции альбома не обязательно посвящены тому, что я видел в Каньоне, скорее, это — отражение той частоты, которая ему присуща», — рассказывал Николас. И именно в этом я вижу главное достоинство альбома. Для меня “The Music Of The Grand Canyon” принадлежит к новому виду, который я называю visual music. Это та музыка, которая способствует визуализации, которая развертывает перед слушателем различные картины. Когда слушаешь, например, композицию “Flight Over North Rim” («Полет над северным краем каньона»), словно сам пролетаешь над ним, и с высоты птичьего полета перед глазами развертывается его панорама. Стилю Ганна вообще свойственна широта, масштабность. Кроме того, исполнитель, привнося в свои произведения элементы, принадлежащие различным музыкальным традициям, и объединяя их своей индивидуальностью, создает музыку, которая становится уже больше, чем принадлежащей какой–то определенной культуре. Музыка приобретает глобальные, общечеловеческие черты, что, кстати, отличает лучшие образцы ньюэйджа в целом.
«Звуки утесов, залитое лунным светом небо, далекое эхо, бирюзовые воды и меняющиеся радуги — все это я старался поместить в мои мелодии. Я чувствовал мощь Каньона и безмолвную песню внутри его. Закройте глаза и путешествуйте вместе с «Музыкой Великого каньона"". На композиции “Grand Canyon” записан голос индейца навахо, рассказывающего под музыку Ганна об этом величественном памятнике Природы. Интересная деталь: 10 процентов средств с продажи альбома Николас и студия “Real Music” решили отдать на нужды Ассоциации Великого каньона (Grand Canyon Association), занимающейся проектами по сохранению уникального заповедника. По оформлению этот диск — настоящее произведение искусства, один из самых лучших среди всех, что мне доводилось когда–либо видеть.
Николас не удовлетворился достигнутым: в 1996 году он выпускает свой следующий, ставший уже четвертым в его дискографии альбом “Crossroads” («Перекрестки»). Это был смелый, во многом экспериментаторский проект. Чувствовалось, что в его творчестве наступил переломный момент. “Crossroads” явил слушателям нового Ганна: более зрелого и вместе с тем утонченного. Кроме того, здесь особенно сильно проявилась любовь Николаса к индейской культуре. Может быть, изменения были связаны с тем, что впервые как соавтор и аранжировщик на “Crossroads” выступила жена Николаса — Шерил Ганн (Cheryl Gunn). Аранжировки усложнились, стало больше электроники, наряду с привычными живыми барабанами и флейтой Николаса, акустической гитарой Завье и голосами индейцев появились и скрипки, и акустическое пианино, и даже вокал: Шерил очень чувственно исполнила композицию “Forever” («Навсегда»).
Вообще, музыка Ганна стала более динамичной, эмоциональной, хотя “Crossroads” и получился стилистически расплывчатым и неровным. Чувствовалось, что исполнитель находился в творческом поиске, стремясь обновить саунд и найти новые средства для выражения своих идей. Может быть, из–за этих поисков музыка “Crossroads” (особенно, если в нее пристально не вслушиваться) казалась несколько противоречивой, и поклонникам творчества Николаса воспринять этот альбом было сложнее, чем его предыдущие работы. Поэтому успех “Crossroads” оказался куда скромнее, чем “Sacred Fire” или “The Music Of The Grand Canyon”. И если, прочитав эти строки, вы решите, что сей диск оказался попросту провальным, потому что Николас увлекся новациями и «завалил посевную», то я не буду вам возражать. Просто без этих поисков не было бы двух последующих превосходных альбомов, в которых музыкант обрел цельность и нашел новые формы выражения своих идей. Но об этом чуть позже. Возвращаясь же к “Crossroads”, замечу, что даже для самого взыскательного критика на альбоме было нечто, заставившее любого из них замолчать: удивительные по красоте композиции “Crossroads” («Перекрестки»), “Forever” («Навсегда») и особенно “Return Of The Butterfly” («Возвращение Баттерфляй»). В них в полную силу раскрылся талант Ганна как мелодиста.
В следующем, 1997 году сольных проектов у него не выходило, но это не значит, что Николас взял некую паузу. Он продолжал активно и плодотворно работать. Музыкант принял участие в записи дебютного альбома Шерил “Vanity Of Venus” («Тщеславие Венеры»), вышедшего на “Anagram Records”. Ганн ассистировал своей жене и его влияние сильно чувствуется. Альбом получился романтичным, искренним и очень чувственным, что позволяло сравнивать этот диск с работами Энии (Enya). Похоже, Николас не только обрел свою любовь, но и успешно открывал новые горизонты своего творчества.
И вот потихоньку мы подошли к самому сильному, на мой взгляд, проекту Николаса — его последнему альбому “Passion In My Heart” («Страсть в моем сердце»). Этот диск вышел совсем недавно и, без сомнения, стал одним из самых значительных событий в ньюэйджевской музыке. Фирменные аранжировки Ганна остались прежними и вместе с тем чуть–чуть изменились. Они стали еще более эмоционально насыщенными. При этом музыка Николаса, как всегда, предельно точно и лаконично выражает его идеи. В результате своих поисков музыкант достиг, пожалуй, совершенства формы. Особенно мощно звучат следующие одна за другой и сливающиеся воедино композиции “El Gavilan” и “Pale Moon Rising”. Шерил помогала Николасу записывать этот альбом, приняв участие в создании аранжировок и исполнив партии на клавишных. Если каждого музыканта сравнить с какой–нибудь стихией, то Николас Ганн — это, безусловно, огонь, порой мягкий, согревающий душу, порой страстный, обжигающий. И еще маленький штришок к альбому: в “Passion In My Heart”, несомненно, присутствует сочетающаяся с вдохновленностью ясность разума. Ганн говорит, что в своей музыке он стремится отразить все хорошие стороны жизни. «Я изображаю мир, каким он должен быть, где все находится в балансе».
Вот и подходит к концу краткий рассказ о творчестве Николаса Ганна — этого выдающегося мультиинструменталиста, композитора, аранжировщика и просто человека ищущего, стремящегося донести до слушателей весь жар своего сердца, гармонию и красоту мира, того мира, каким он должен быть. Николас создает музыку, которая поднимает дух, придает энергию. Она для того, чтобы жить в полную силу, тотально. Музыка Ганна для тех, кто хочет быть активным и действующим в этой жизни!

Дискография :

1993 Afternoon in Sedona
1994 The Sacred Fire
1995 The Music of the Grand Canyon: The National Park Series
1995 The Music of the Grand Canyon
1996 Crossroads
1998 Passion in My Heart
1999 Return to the Grand Canyon
2001 The Great Southwest
2002 Through the Great Smoky Mountains
2002 A Christmas Classic
2003 Journey to Yellowstone
2004 Breathe

Sacred Spirit - проект немецкого композитора Клауса Цунделя (Klaus Zundel) .Общее направление первых дисков можно охарактеризовал как попытку преобразовать к более современному варианту музыку обычно относящуюся к этническим стилям. Однако потом Остапа понесло... В ход пошла классика, электроника под африканские ритмы, некие намеки на спиричуелс , горловое пение, опять классика и закончилось все блюзом и джазом. Почему тогда все это объединилось в серию? Вот тут как раз главная изюминка проекта. Клаус не захотел просто перевести народные мотивы на электронный лад, он попытался сохранить исходный дух, музыкальное настроение и музыкальный смысл. Sacred, так сказать, Spirit исходного сырья. Вышло настолько хорошо, что работы хватило на 9 лет. Он ездил по миру, гулял по арабским базарам, слушал все что можно было услышать.. Как оказалось Spirit был везде. И в классике и в африканских барабанах. Спасибо Клаусу, за его тонкий слух и чувствительность.
В Sacred Spirit за основу взяты песнопения американских индейцев, смикшированные с современной перкуссией, клавишными, испанской гитарой, флейтой и джазовым фортепиано. Что касается лирики, возможны варианты - от стихов Уолта Уитмена и Сидни Ланье до легенд племени сиу.

Проект B-Tribe:

Музыка может быть веселой или грустной, она может успокаивать или возбуждать, может сделать окружающее пространство огромным как вселенная или крохотным как песчинка в безбрежном океане.

С ее помощью можно повышать работоспособность или просто приятно отдыхать. Нередко музыка является решающим фактором, вдруг резко поднимающим настроение. Идя по улице в дождливый холодный день, промокнув, заходишь в кафе согреться чашкой кофе, и неожиданно для себя слышишь из радиоприемника любимую мелодию, возможно даже из прошлого, с которой связаны приятные теплые минуты счастья. А потом снова выходишь на ту же улицу, в ту же промозглость, но тебе уже не так холодно, потому что любимая мелодия унесла твои мысли далеко от дождя и сырости, и тебе стало хорошо...

Но есть и другая музыка, которую не услышишь на каждом шагу: в магазине, в переходе или в ресторане. Это очень личная и в определенной степени интимная музыка. И от того ее действие еще сильнее. Но эта музыка ни в коем случае не только для сна и расслабления, но также для сосредоточения на главном, на важном, на самом необходимом - на том, без чего трудно двигаться дальше. Двигаться дальше по жизни, с ее неожиданными проблемами, взлётами и падениями. Бесконечно стремиться к тому, к чему стремится каждый от момента рождения и до самой смерти. И в этом смысле, музыка, которую исполняет B-Tribe – это лишь инструмент, призванный настроить человека на осознание этого самого счастья. Пусть даже это счастье в минорной тональности.

Драматическая гитара фламенко и мягкие тональности синтезаторов… Звуки, рисующие в воображении открытые ветру равнины, или океан в сумерки, или пылающее солнце пустыни, или тысячу других живописных картин. Это - музыка как настроение. Это - настроение как музыка. Это и любовь, и смерть, и возрождение. Это - B-Tribe…

" B-Tribe – испанский ответ на Энигму" – было написано в одном из отзывов о первом альбоме группы... Вообще-то B-Tribe (полное название проекта "The Barcelona Tribe of Soulsters") – это детище немецкого продюсера и композитора Клауса Цунделя ( Klaus Zundel) .Так почему испанский? А дело в том, что в паутину нью-эйджевой аранжировки с отчетливыми параллелями к первому альбому Энигмы вплетены гитара и вокал в стиле фламенко. Получился очень красивый симбиоз, который должен понравиться любому любителю нью-эйджа.
Тот, для кого важны термины, определяющие музыкальные направления, наверняка назовет эту музыку синтезом фламенко, эмбиента и нью-эйджа. Однако такой подход, в случае с проектом B-Tribe, слишком прост. Было бы более уместно говорить о звуковых текстурах, каждая из которых имеет свой цвет, свою плотность и свое настроение. И несмотря на то, что в большинстве случаев солирующим инструментом в произведениях B-Tribe является именно гитара, такой подход больше характерен для электронной музыки. А стало быть, не все так просто, как может показаться на первый взгляд. Тем более, что эмоциональная доступность этих произведений – дело рук музыканта, талант которого сложно переоценить. Равно как и его скромность.
Уроженец Хайдельберга, Клаус Цундель закончил музыкальную школу по классу фортепиано, позже научился играть на трубе и с 12 лет зарабатывал деньги в составе похоронного оркестра. В 80-е годы сотрудничал со многими европейскими артистами как композитор. Переселившись на остров Ибица, начал работать над танцевальными проектами, взяв за основу ритмы фламенко – так и родилась концепция B-Tribe.

Сам проект B-Tribe был основан в 1993-м году. Сам Клаус не играет в рамках созданной группы ни на одном инструменте, а занимается только продюссированием, аранжировками и пишет весь музыкальный материал. Основу состава исполнителей составляют приглашенные музыканты. Единственным постоянным членом коллектива кроме Цунделя является гитарист Пако Фернандес (Paco Fernandez) исполняющий все гитарные части композиций.

Клаус Цундель потрясающе талантливый человек – композитор, продюсер, аранжировщик в одном лице, который кроме B-Tribe занимается еще несколькими проектами: Ancient Spirit, One Little Creature, Moroccan Spirit и Divine Works. Для примера, сравните композицию Albatross (с альбома B-Tribe "Suave Suave") и композицию "O-Loa-Ki-Lee" (с альбома Sacred Spirit) – это не плагиат, а подтверждение того, что все это дело рук одного человека.
В 1993 году Цундел заключил контракт с фирмой Atlantic Records, для которой под маркой B-Tribe записал три альбома: "Fiesta Fatal!" (1993), "Suave Suave" (1995) и "Sensual Sensual" (1998), соединив в музыке проекта нью-эйдж, дэнс и фламенко. Пластинки разошлись огромнейшим тиражом (более 300 тысяч экземпляров).

Дискография :

Fiesta Fatal! (1993)
Suave Suave (1995)
Sensual Sensual (1998)
Spiritual, Spiritual! (2001)
B-Tribe 5 (2003)
B-Tribe Volume 6 (2008)

Оливер Шанти (он же Ульрих Шульц, он же Оливер Серано-Альве) родился 16 ноября 1948 года в Гамбурге, Германия. Псевдоним «Шанти» певец, как многие его коллеги по нью эйдж, принял после посвящения в новую веру.

В десять лет он бродил по докам и глухим улицам послевоенного Гамбурга; в тринадцать лет сделал попытку наняться матросом на торговое судно. В четырнадцать лет он оказался в Париже, а еще через год – на островах Карибского моря… Его цыганская душа никогда не знала покоя, бросая того, кто позднее назовет себя Оливером Шанти, в новые и новые странствия..

Бурные шестидесятые он встретил в Амстердаме, затем – в Берлине, ненадолго обосновался в Калифорнии и Северной Африке. Зарабатывал на жизнь поденными работами, иногда пел в ночных клубах и даже несколько раз сам организовывал концерты для своих знакомых. Именно там он встретил Донована, который до сих пор остается в числе его самых близких друзей.

После легендарного фестиваля в Ливане, покоренный восточный музыкой, он решает поселиться в Баальбеке (Ливан). И в 1973 году внезапно исчезает из поля зрения своих друзей…

Спустя много лет его неожиданно обнаружили в затерянной в джунглях деревеньке на берегах Ганга, где он работал в основанном им самим полевом госпитале... И лишь в 1980 году, после долгих уговоров друзья убедили его вернуться в Европу.

Он вернулся, переполненный новыми музыкальными идеями – и с новым именем: теперь его звали Oliver Serano-Alve. Вместе с клавишником Веитом Вейманом и мультиинструменталистом Марго Вогл-Шанти он основал звукозаписывающую компанию SATTVA. Первым диском новой студии стал его собственный проект Freiden Peace Shanti.

В конце 80-х Оливер уже стал признанной “звездой” жанра – правда, уже под новым именем, под которым мы знаем его и сегодня – Оливер Шанти. Его популярность, правда, ограничивалась родной Германией, отчасти – Италией и Францией. В начале 90-х его открыли российские ценители new age и, вероятно, именно в нашей стране музыка Оливера Шанти пользуется наибольшей популярностью. Не принося при это, правда, ни гроша ее создателю…

Мир его музыки очень разнообразен: на дисках самого Шанти этническое звучание сочетается с современными электронными ритмами, классический New Age – с элементами популярной музыки. Шанти слишком независим, чтобы посвятить себя только одному жанру, и его музыка частенько и ставит в тупик критиков и обозревателей. Может быть, именно поэтому рецензии на диски Шанти не слишком часто публикуются даже на страницах специализированных журналов, посвященных New Age.

Даже духовный опыт не смог побороть страсть к путешествиям – скорее, он лишь укрепил ее. Но теперь Оливер открывает мир не только себе, но и всем своим слушателям – через свою музыку. Такие диски, как Tai Chi и Tai Chi Too перенесут вас в загадочный мир Китая, Well Balanced, Shaman и Medicine Power позволят вам прикоснуться к мистике индейских племен, а новый диск Alhambra впитал в себя энергию и страсть испано-мавританской культуры. При этом трудно обвинить Оливера Шанти в спекулятивной “имитации” или даже “подделке” под этнику: в записи каждого “этнического” диска участвует множество исполнителей, принадлежащих именно к этой музыкальной традиции. Так, в создании диска Medicine Power Оливеру Шанти принимали участие представители более десятка индейских племен – в том числе апачи, ирокезы, черноногие, навахо... А грандиозный проект Seven Times Seven объединил более 40 участников из 14 стран мира: музыканты из Африки, Азии, и Ближнего Востока, из Америки и Европы встретились, чтобы соткать единое музыкальное полотно…

Один из откликов на последнюю работу Оливера Шанти – диск Alhambra:

“У Шанти не нью-эйджевое стремление завернуть традицию в красивую электронную обёртку, чтобы скормить обывателю, а попытка синтеза двух самоценных культур. И хотя исламский мир здесь представлен арабским востоком, а из христианской музыкальной традиции взята преимущественно испанская фламенкообразная музыка, это-то, видимо, и оказалось правильным, поскольку эти традиции взаимодействовали в течение многих веков и соединение не выглядит искусственным. В работе над альбомом принимали участие музыканты из Испании, Португалии, Италии, Франции, Алжира, Израиля, Пакистана, Палестины и других стран, да плюс ещё и вокальная группа Лондонского королевского филармонического оркестра. И хотя чуть ли не десять человек указаны с пометкой Drum & Percussion Programming (на мой взгляд, можно было вообще без этого обойтись), продукт получился живой и интересный: не new-age, а world music.)”

Оставаясь прежде всего new age музыкантом, Оливер Шанти разительно отличается от множества своих коллег тем, что не закрывает глаза на проблемы реального мира: многие из его дисков содержит прямое и эмоциональное послание-отклик на самые острые политические события. Оливер Шанти посвятил несколько дисков Движению за освобождение Тибета, а его альбом Shaman 2 призывает к освобождению знаменитого индейского лидера Леонарда Пелтиера, который вот уже более десяти лет находится в заключении в США.


Дискография:

(1987) Listening To The Heart
(1988) Vila Nova Mellow Days
(1988) Rainbow Way
(1990) Walking on the Sun
(1990) Minho Valley Fantasies
(1992) Vida Para Vida
(1995) Well Balanced
(1996) Tai Chi
(1996) Tai Chi Too
(1997) Shaman
(1998) Seven times seven
(1999) Buddha And Bonsai
(1999) Tibetiya
(2000) Buddha and Bonsai 3
(2000) Medicine Power
(2000) Shaman 2
(2000) Meditative Music Of Budo-Gala
(2002) Alhambra

CUSCO - одна из наиболее известных во всем мире инструментальных групп и уважаемая не только среди любителей музыки нью эйдж.

Кристиан Шульце родился во Франкфурте-на-Одере в первый послевоенный год в семье композитора Норберта Шульце (знаменитая "Lili Marleen" – его детище) и актрисы болгарского происхождения Ивы Ванья. Начав играть на фортепиано в четырехлетнем возрасте, к семи годам мальчик уже имел в архиве собственный альбом пинструментальной музыки. По окончании обычной школы юноша поступил в Берлинскую Высшую музыкальную школу, параллельно играя в джазовом трио, однако школу в последствии пришлось бросить, т. к. ее студентам запрещалось играть "несерьезный" джаз.Вместо этого Шульце отправился в австрийский Грац, где открылась первая в Европе джазовая академия (позже его пригласили туда преподавать).
В конце 60х Шульце серьезно увлекся электронной музыкой; на протяжении 70х играл в нескольких джаз-рок проектах (Space Orbit Company, Passport of Klaus Doldinger, Snowball) , сотрудничал в качестве саунд-инженера, клавишника и аранжировщика с Демисом Руссосом, "Бони М",Мэгги Райли и др.
В 1979 году вместе с Михаэлем Хольмом они начали заниматься проектом Cusco, основанным прежде всего на интересе к древней музыке Южной Америки. Первый альбом Cusco, называнный "Desert Island", вышел в 1981 году на Arista Records, в том же году был издан "Cusco 2".

Год спустя – "Cool Islands", ставший первым в серии, посвященной экзотическим островам планеты (позже вышли "Virgin Islands" и "Island Cruise" )

Изданный в 1986 году "Concierto de Aranjuez" стал новым прочтением известных классических произведений .
До конца 80х Шульце и Хольм выпустили еще 5 совместных альбомов, дебютировав в США релизом "Apurimac" (1988,Higher Octave Records).
В 1995 году вышел диск рождественских мелодий "от Cusco", кроме того, их музыка была использована в качестве звуковой дорожки к телевизионному документальному фильму об изменениях, произошедших в природе за последние три десятилетия.

Дискография

1980 Desert Island
1981 Cusco 2
1982 Cool Island
1983 Planet Voyage
1983 Virgin Island
1984 Island Cruise
1985 Apurimac
1986 Concierto de Aranjuez
1987 Tales From A Distant Island
1988 Ring der Delphine
1988 The World Of Cusco - The Best Of Cusco
1989 Mystic Island
1990 Water Stories
1991 Sielmann 2000
1993 Cusco 2002
1993 Australia
1994 Apurimac II
1995 A Cusco Christmas - A Choral Christmas
1995 Das Beste von Cusco, Volume 1 (2CD)
1997 Best Of
1997 Apurimac III
1998 Best Of - Dreams & Fantasies
1998 The Apurimac Collection
2000 Ancient Journeys - A Vision Of The New World
2003 Inner Journeys (Myths And Legends)

Для тех , кто желает узнать чуть больше : http://slushaem.com/artists/cusco/

С выходом в 1990 году первого альбома Enigma - MCMXC a.D. в моду вошло использование хоралов в аранжировках песен.

ERA — музыкальный проект, основанный в 1997 году французским композитором и мультиинструменталистом (клавишные, гитара) Эриком Леви.

Имя Эрика Леви (настоящее, полное имя Eric Jacques Levisalles) помимо ERA связанно с англоязычной рок-группой "Shakin' Street", известной в 80-х годах. Также он является автором саундтреков к нескольким фильмам, наиболее известный из которых - фантастическая комедия "Пришельцы 2. Коридоры времени". В молодости Eric Levi увлекался философией и традициями христианской секты Катаров, распространённой в 12 веке на юге Франции. ERA содержит элементы этой культуры.

Музыка ERA - сверхъестественное соединение английского церковного хора, soft (гитарного) рока, диско и электроники. Превосходное слияние оркестра с электрогитарой делает музыку интересной и оригинальной. Мелодичная, переливающаяся, а временами довольно-таки ритмичная музыка и потрясающий нежный вокал - это и еcть Era.

Первый альбом группы "Era" (или "Ameno") был записан в двух легендарных студиях: на "Abbey road" в Лондоне (где был записан английский хор под руководством Guy Protheroe) и "Peter Gabriels Real world studios" в Bach (где были записаны инструменты). Альбом имел бешеный успех и разошелся тиражом в 4 миллиона экземпляров.

Второй альбом "Era-2" использует тот же самый рецепт, смешивая даже запредельные вещи: партии скрипок превращаются в голоса, инструменты стали снова более электрическими. Эта вселенная открывает слушателю все двери его собственного воображения... По сравнению с первым альбомом второй стал немного более мрачным, хотя аранжировки песен практически не изменились

Третий альбом появился на свет в начале марта 2003 года. В основу заглавной композиции положены слова и музыка из оперы Карла Орффа "Carmina Burana" (O, Fortuna). Третий диск является наиболее интересным в плане аранжировок. Сильно изменилась ритмика - музыка стала энергичной, но сохранила свою мелодичную притягательность.

ERA исполняет музыку в стиле New Age, в стилистике, схожей с проектами Enigma и Gregorian. В музыке Era часто используется традиция григорианских хоралов. Песнопения исполняются на баскском и на английском языках. По утверждению Эрика Леви, тематика песен первого альбома связана с его восприятием традиций катаров или альбигойцев — сторонников средневековой французской ереси XIII века .Тексты песен на английском касаются более общих жизненных тем.
В видеоклипах и концертных шоу исторический контекст подчёркивается благодаря использованию средневековой атрибутики. Постоянной участницей клипов (Mother, Misere Mani, the Mass, Infanati, Divano, Enae Volare Mezzo) является чилийская танцовщица, балерина, актриса Ирен Бустаманте (Irene Bustamante)


http://slushaem.com/artists/era/ - можно почитать здесь .

CELESTIAL - Spirit House 1996 (New Age, Downtempo, Ambient )
Точное описание этой музыки дать довольно сложно и удобнее определить ее как электронный вариант world music.
Celestial – коллектив из Гонконга, однако понятие китайский применить к нему можно с натяжкой. Своим существованием он обязан Питеру Милуорду (Peter Millward), одному из основателей Drum Music, главной звукозаписывающей студии Гонконга. Как-то его попросили написать несколько треков к альбому компиляций для одного модного гонконского бутика. Питер создал три трека для этого альбома, который вышел в 1992. Уникальное слияние азиатских мотивов с современным звучанием понравилось публике. Так родилась идея Celestial. Альбом Spirit House вышедший в 1996 году разошелся большим тиражом в Азии и стал Золотым в Сингапуре. Музыка Spirit House объединяет в себе множество различных стилей. В ней чувствуется влияние фольклорной музыки Китая, Вьетнама, Непала, звуки азиатского оркестра, ритмы столичных танцевальных площадок.
Фундаментом практически всех композиций (композитор и аранжировщик - Питер Милуорд) является компьютеризованное звучание клавишных и ударных с частыми врезками обработанных электроникой голосов. На этом фоне идет экзотика - солирующие инструменты, преимущественно азиатского происхождения. Особенно эффектно выглядит тембр китайского двухструнного смычкового инструмента эрху (исполнитель - Син Сяохун (Hsin Hsiaj Hung), напоминающий пение фальцетом (например, в The Last Gong Before Sailing или Cang Ding). В композиции Nepal доминируют ситар (Биджайя (Bijaya Vaidya), флейта (Прем Рана (Prem Rana) и табла (Сурендра Шрестха (Surendra Shrestha). Среди участников также - всемирно известный джазовый гитарист Юджин Пао (Eugene Pao) (Lifes Greatest Tragedy), Непальское классическое трио Sur Sudha, Рита Цян (Rita Tsang) – вокал в I Feel Strange. Звуковые эффекты (поезд, вертолет, и т.п.) органично вплетаются в гипнотические, трансовые ритмы.
Слушается всё это на одном дыхании, как единое целое. Несмотря на мнения некоторых критиков, которые считают, что недостатком альбома является столкновение противоположных тенденций, он кажется очень органичным и самобытным.

Не многим музыкантам в наши дни удается столь же искусно будоражить воображение слушателя, как это выходит у Карла Дженкинса и его проекта Adiemus. Одновременно являясь классическими, популярными и этническими, его произведения строятся на умелом совмещении народных инструментов, оркестра и человеческого голоса - древнейшего музыкального инструмента, которым пользуются люди. Удивительно только, как в столь некоммерческом жанре Карлу и его коллегам удается сочинять музыку, которая годами не покидает хит-парады и неплохо продается. Неужели люди наконец-то научились понимать голоса Земли и музыку Вселенной?!

Карл Дженкинс (Karl Jenkins) - музыкальный философ, мозговой центр и основатель Adiemus. Карл родился 17 февраля 1944 года в валийском местечке с очень красивым названием Свонси ("Лебединое море") и получил классическое музыкальное образование в знаменитом Кардиффском университете, который закончил в 1966 году бакалавром музыки. Но этого ему оказалось мало, и еще два года он провел, учась в не менее достойном месте, Лондонской Королевской Академии Музыки. Карл с детства любил джаз и сначала самоучкой, а потом и на специальных курсах в Barry Summer Jazz School научился играть на многих духовых и струнных инструментах.

Получив хорошее образование, Карл вместе со своим другом Майком Рэтледжем (Mike Ratledge) в середине 80-х с радостью приняли предложение применить свои композиторские таланты на почве рекламных роликов, оркестровых произведений, музыки для кино, телевидения и театральной сцены. Карл и Майк специально для этих целей открыли свою студию "DeWolfe". Примечательно, что для рекламных роликов джинсов "Levi's" они cпродюсировали собственную кавер-версию классической композиции Марвина Гейя "I Heard It Through The Grapevine" и вместе с Джеком Брюсом, старым знакомым Дженкинса, специально переделали кримовскую "I Feel Free" для рекламы автомобилей "Рено".

Еще в конце 80-х Карл Дженкинс стал апробировать свои давние идеи сочинять музыку для струнных оркестров с перкуссией и этнического вокала. Этому делу он отдал около десяти лет своей жизни и, наконец в 1995 году вернулся в большую музыку с проектом Adiemus. Не зная, как назвать свое новое детище, маэстро занялся своим любимым делом - он глубоко погрузился в свои фантазии, и провидение подсказало ему имя Adiemus. Что оно означало, он не знал, он был уверен, что это прекрасное слово родило его воображение. И лишь позже в латинском словаре он расшифровал его тайный смысл. Оно переводилось, как "мы приближаемся" или "мы на правильном пути", и Карл поставил памятник своему подсознанию за такой подарок.

Стиль Adiemus очень сложно определить и катализировать, так как он включает в себя элементы классики, оперу и даже этнику, поэтому наиболее удобней говорить, что это New Age или Progressive. В словах композиций данного проекта нет никакого смысла. Карл Дженкинс заявляет в буклетах для Songs of Sanctuary и Cantata Mundi, что текст является "изобретенным языком". Он пишет: "Тексты песен Adiemus написаны как бы фонетически. Это значит, что слова в них исполняют роль инструментальных звуков, то есть вокалист играет на своем голосе и ему подыгрывает оркестр. Таким образом, я считаю, можно создавать универсальную музыку, которая приятна на слух благодаря своим земным корням и бессмертна. С ее помощью, я уверен, люди станут более сплоченными и дружелюбными". Основные звуки в музыке Adiemus - разнообразные мелодичные скандирования и вокальные интерпретации Мириам Стокли (Miriam Stockly), гармония Мэри Кэреуи (Mary Carewe) и, конечно же, мощная поддержка Лондонского Филармонического Оркестра. Сам Карл Дженкинс описывает музыку как "расширенное хоровое пение, основанное на европейской классической традиции, где вокал является родственным этнической или world музыке"; по его словам, "звук универсален, как - язык музыки и эта музыка должна куда-нибудь убежать".

На фото первый альбом 1995 год .

Основной вокал на трех альбомах принадлежит сопрано англичанки южноафриканского происхождения Мириам Стокли (Miriam Stockly), работавшей бэк-вокалисткой у Фрэдди Меркьюри, Брайана Мэя, Johny Hates Jazz, Тины Тернер, Клиффа Ричарда, Джорджа Майкла, Гэри Барлоу и Eternal. Ей помогает альто коренной англичанки Мэри Кэреуи (Mary Carewe), чей отец - известный дирижер, мать поет, а сестра профессионально играет на виолончели. Карл Дженкинс, естественно, является главным композитором и к тому же дирижером. А дирижирует он знаменитым Лондонским филармоническим оркестром, который неизменно помогает Adiemus создавать прекрасную музыку.

В альбомах Adiemus собраны звуки всей Земли, что обеспечило его произведениям хорошее восприятие у разных народов и материков. И география его звуковой палитры постоянно расширяется. Уже сейчас в его музыке есть что-то африканское, арабское, индийское, китайское, кельтское и даже австралийское. К тому же практически на 80-90 процентов Карл использует "живые" инструменты (за исключением перкуссии и еще кое-чего), что превращает Adiemus не только в студийный проект, но и в подвижный живой организм. Но больше всего Дженкинса радует мысль, что его композиции универсальны и могут исполняться любым оркестром с неопределенным количеством женских голосов различной тональности.

В промежутках между выпуском новых альбомов своего проекта Карл Дженкинс записал два альбома под своим собственным именем "Diamond Music" и "Imagined Oceans". Сделав дополнительный набор для своего ансамбля, Дженкинс прибавил новые голоса молодых Сары Эйден, Микаэлы Хаслам и Хизер Кайрнкросс и продолжил славные традиции своих музыкальных изысканий в Adiemus. Особенно классно смотрится его последняя работа "Imagined Oceans", на которой оказались четырнадцать романтичных произведений, посвященных объектам, которые были обнаружены астрономами на поверхности Луны. Древние дали им очень симпатичные названия, а Карл Дженкинс прокатил каждое из них через свое воображение и поместил в океан музыки.

На фото второй альбом 1996 год .

Третий диск под маркой Adiemus - "Dances Of Time" - вышел в конце 1998 года. Увы, третий альбом уже не вызвал столь бурных эмоций, как первые два. Впрочем, вины самого маэстро тут нет: к тому времени мода на "мистическую" музыку сошла на нет, да и удивить слушателей, перекушавших всевозможных "Энигм" и "Грегорианов", стало ой как непросто.... Поговаривали даже о том, что разочарованный Карл Дженкинс морально готов к закрытию проекта. Однако, к нашему с вами счастью, этого не произошло - через два года торговая марка ADIEMUS вновь замелькала на прилавках...


http://www.e-music.ru/content/view/113/18/

Кейко Матсуи

Имя Кейко Матсуи (Keiko Matsui, урожденная Keiko Doi) широко известно в джазовом мире с середины 80-х. Японская пианистка, говорящая языком джаз-поп и фьюжн, получила также признание как оригинальный композитор, сохранивший верность музыкальной культуре Востока, и как своеобразная вокалистка.
Кейко Матсуи выходит за все рамки классов и категорий»,- утверждает Дени Уейс, вице-президент «Jazz A&R» компании «Shanachie Entertainment». «Безусловно, Кейко - великолепный джазовый исполнитель, ее музыка наделена сильным классическим, мировым и новоэпохальным влиянием, что в результате является поистине уникальным. Одаренность Кейко затмевает других, ее удивительные мелодии просто захватывают дух!

Кейко родилась и выросла в Токио. История ее романа с пианино, ставшего смыслом ее жизни, началась очень рано. Ей едва исполнилось пять лет, когда мать, учительница традиционного японского танца, отвела девочку на первый урок музыки. Конечно, первая встреча с учителем состоялась 1 июня – недаром в Японии говорят, что если ребенок начинает учебу именно в пять лет и именно 1 июня, то успехи ему гарантированы. Опровергать народную мудрость Кейко не стала.
В школе Кейко была компанейской девчонкой. Она неизменно заступалась за товарищей, не пугаясь задир и хулиганов. Несколько раз ее выбирали президентом класса. Еще в первых классах школы она начала слушать Стиви Уандера, Рахманинова, Сибелиуса, музыку из кинофильмов своих любимых композиторов – Мориса Жарра и Нино Рота. Из джазовых музыкантов вне конкуренции всегда был Чик Кориа. В то время Кейко впервые попробовала сочинять собственные композиции.
После нескольких лет занятий с частным учителем Кейко поступила в музыкальную школу при Музыкальном фонде Yamaha. Студенткой она была образцовой. Когда девушке исполнилось 17 лет, компания Yamaha заключила с ней контракт как с официальной исполнительницей для студийных проектов. В том же году она записала свой первый саундтрек к фильму (она всегда будет питать слабость к эстетике кино).

Ее первый самостоятельный альбом “A Drop of Water” был опубликован в Японии в 1985 году, а через два года появился в Соединенных Штатах. К появлению LP на свет приложился Казу Матсуи (Kazu Matsui), ее муж и партнер по гастролям (он играет на традиционной японской бамбуковой флейте shakuhachi). Финансовое обеспечение Кейко и Казу взяли на себя – потратили деньги, которые откладывали на медовый месяц. Кстати, и сам медовый месяц они провели в одной из студий Лос-Анджелеса, записывая дебютную пластинку Кейко для лейбла Passport Records.

Исполнительнице удалось привлечь к студийной работе ряд известных джазовых музыкантов Лос-Анджелеса и несколько еще молодых исполнителей, чья карьера собственно и началась с этой записи. Среди них – Грант Гейссман (Grant Geissman), Брэндон Филдс (Brandon Fields), Роббен Форд (Robben Ford), Натан Ист (Nathan East), Винни Колаюта (Vinnie Colaiuta) и Джимми Джонсон (Jimmy Johnson). Продюсером альбома выступил Казу Матсуи, который вот уже 15 лет не снимает с себя этой обязанности. Дебютная запись Кейко балансировала между мистической восточной аурой и облегченными поп-оттенками нью-эйдж. Озвучивали ее мелодии вокалисты Карл Андерсон (Carl Anderson), Марва Кинг (Marva King), Марлена Джетер (Marlena Jeter) и другие.

Для американского издания “A Drop of Water” Кейко Матсуи написала специальное обращение к своим новым слушателям:
«Дорогие друзья! Меня зовут Кейко. Я родилась в Токио, Япония. Начала изучать пианино, когда мне исполнилось пять лет, а свои первые композиции написала еще школьницей. И с тех пор мечтала записать собственный альбом. Я много думала об этом: как он будет звучать, как он будет выглядеть...Тогда это были просто мечты. А теперь мой первый альбом готов.
... Японской девушке невозможно было даже представить, что такой певец, как Карл Андерсон, будет петь на ее дебютном альбоме. Но мелодию “A Drop of Water” я не могла доверить никому другому...»

Публикация “A Drop of Water” в США вызвала серьезный интерес к японской пианистке со стороны американских лейблов. Что немудрено, учитывая, что альбом поднялся в Тор 20 современного джаз-чарта. Японская пианистка сразу попала в число наиболее перспективных молодых клавишниц 80-х.

В 1992 году Кейко Матуси начала работать с лейблом White Cat. Ее репутация среди ценителей джаза в Америке крепла год за годом. Альбом 1995 года “Sapphire” показал самый высокий до сих пор результат в чарте современного джаза, поднявшись на 9 позицию. А следующий лонг-плей “Dream Walk” (1996) преодолел и этот рубеж, добравшись до первой тройки самых популярных джазовых записей. Как всегда, альбом был насыщен свежими, живыми мелодиями, которые, однако, уже перестали быть самоцелью, а присутствовали для создания настроения, для передачи мимолетных ощущений. Стремительные оркестровки и напор перкуссии делали композиции Keiko непредсказуемыми и придавали им особенную оригинальность.

В национальном масштабе тиражи альбомов Кейко Матсуи, конечно, были весьма скромными, но уважение коллег по цеху, репутация своеобразной пианистки, высокая оценка критиков, любовь поклонников джаза – у нее было все то, о чем еще несколько лет назад она не могла даже мечтать. В поддержку альбома артистка проехала с гастролями по Соединенным Штатам, впервые проведя тур такого масштаба. В рамках турне она отыграла серию благотворительных концертов в поддержку организации YME, которая занимается просветительской работой по предупреждению рака груди. В помощь YME пианистка издала также специальный благотворительный EP “Gift Of Hope”.

В 2000 году появился новый альбом “Whisper from the Mirror”, как всегда сильная и стильная запись. Волнующие аранжировки Дерека Накамото (Derek Nakamoto) никогда не переходят меру, и сама пианистка гораздо больше заинтересована в том, чтобы не выпасть из тональности, поддержать настроение, чем продемонстрировать собственное исполнительское мастерство, даже когда разыгрывает виртуозный дуэт в четыре руки с Бобом Джейсом (Bob James).

Через год, в 2001-м, японская артистка записала новый диск “Deep Blue”. На этот раз ее музыка вдохновлена искусством Северной Африки и Средиземноморья. Одни ее композиции зачастую звучат как лирические песни без слов, другие – как этюды к кинофильмам. Критики сходятся на том, что в 21 веке творчество Кейко лучше всего описывается в категориях нью-эйджа.

Альбом 2007 года «Moyo», вдохновленный Южной Африкой, где в главной роли выступил Хью Масакела. «Такой долгий период между выпусками альбомов немного не привычен для меня, и момент, когда началась запись этого диска, был чудом», - говорит Кейко - «Также, впервые я пригласила участников группы, которые поддерживали меня на протяжении всего тура!»

Дискография : ( американские релизы )

1987 — A drop of water
1989 — Under northern lights
1990 — No borders
1991 — Night waltz
1992 — Cherry blossom
1994 — Doll
1995 — Sapphire
1996 — Dream walk
1997 — A gift of hope
1997 — Keiko Matsui collection
1998 — Full moon and the shrine
1999 — Keiko Matsui live
2000 — Whisper from the mirror
2001 — Deep blue
2001 — A gift of life
2002 — The ring
2003 — The piano
2003 — White owl
2004 — Wildflower
2005 — Walls of akendora
2007 — Moyo
2011 — The Road…

DEEP FOREST

Deep Forest (пер. с англ. дремучий лес) — музыкальная группа, состоящая из двух французских музыкантов, Эрика Муке и Мишеля Санчеса. Они пишут музыку в новом стиле world music, иногда называемом этно-электроника, микшируя этнические и электронные звуки, а также танцевальные биты или чил-аут биты.
Мишель начал интересоваться Африкой, пока изучал перкуссию в консерватории. Он начал собирать записи разных этнографов. Эрик был увлечен музыкой в стиле хаус и мягкими ритмами. Они решили обработать и стилизовать Sweet Lullaby и начали совместную работу в студии: сэмплировали звуки капеллы из Бурунди, Камеруна, Заира и Чада; обрабатывали, закольцовывали и сплетали мелодии. Так и родился Deep Forest, коллекция гармоничной музыки со всего мира.
Фактически музыканты Deep Forest единолично создали столь популярный сегодня стиль world music,

Когда был выпущен Deep Forest, примерно через год после MCMXC a. D. группы Enigma, некоторые люди начали обвинять Deep Forest в краже идеи сочетания народной песни с электронной музыкой. Действительно, оба альбома содержали похожие звуки и использовали звучание старинных инструментов. Фактически альбом Enigma был выпущен в 1990 году, когда Deep Forest ещё не были группой (их первый диск появился в 1992), так что можно считать, что музыка Enigma была скорее вдохновением.
Сравнение вторых альбомов этих групп (The CROSS of Changes и Boheme) также обнаружило много общего. Диск Enigma появился в декабре 1993, диск Deep Forest в середине 1995-го, и в обоих использовалась музыка Восточной Европы. Насколько известно, группы не контактируют и не планируют когда-нибудь работать вместе. Не смотря на использование похожих идей, можно считать, что Deep Forest вдохновляется музыкой Enigma, а не копирует её.

Дебютный сингл дуэта «Sweet Lullaby» (1992 год) стал международным бестселлером, выведя на лидирующие позиции европейских хит-парадов и первый полнометражный альбом Deep Forest. Использование в пластинке элементов музыки пигмеев привело к тому, что часть композиций альбомов включили в серию так называемых «благотворительных сборников», выпускаемых по программе помощи африканским племенам, в том числе и пигмеям. Таким образом, Deep Forest получили статус группы, чья деятельность согласована и частично проходит под эгидой ЮНЕСКО. Дебютный альбом номинировался на премию «Грэмми», в Австралии завоевал двойную «платину», и только в США за неделю продавалось около 2 тысяч экземпляров этой пластинки.
Первый публичный концерт Deep Forest состоялся на закрытии шоу G7 в Лионе, Франция. После этого концерта Deep Forest отправился в мировой тур, они выступали в Будапеште (Венгрия) 17 августа, Афинах (Греция) 18 сентября. В октябре состоялась поездка в Австралию и концерты в Брисбене, Сиднее, Мельбурне. 30-го, 31-го октября и 1-го ноября они играли в Токио, затем 29-го опять в Будапеште. Последние концерты прошли в Забже (Польша) 2-го декабря и в Варшаве.
В статье из журнала Sonic Magazine, в апреле 1993-го, обсуждался план тура. Вместе с Deep Forest выступали три клавишника, африканский хор, барабанщик, басист, перкуссия и группа танцовщиков. Во время концертов использовался секвенсор и Roland RSS для эффекта "свежести" звука, во время записи всё ещё решалось, использовать ли стандартную схему размещения динамиков, либо поставить их сзади сцены, чтобы расширить эффекты Roland RSS. В заключительном концерте участвовали, основной вокал: Stefka Lordanova, Wes Madiko, Gino Ceccarelli and Jackline Rodrigues; подпевки: Mara Kane; клавишные: Paolo Damanti and Jackline Rodrigues; перкуссия: Fred Savinien Caprais, Oswaldo Hernandez, Jackline Rodrigues; бассгитара: Didier Cresson; ударные: Neil Conti. концерт шел два часа.

Материал для второго диска Санчес и Муке искали в Восточной Европе, в частности в Венгрии, где музыканты познакомились с известной певицей Мартой Шебештьен, занимавшейся народными хорами. Убедившись, что вокал Шебештьен как нельзя лучше подходит под задуманную концепцию второго альбома, музыканты пригласили Шебештьен в Лилль, где она записала несколько венгерских народных песен часть из которых Санчес семплировал, и на полученные таким образом аранжировки наложил партии фортепиано и других инструментов. Кроме того, в альбом «Boheme», который критики справедливо назвали «новой Богемской рапсодией», вошли композиции, построенные на монгольской музыке, а также стилизованные цыганские и индейские песни.
Одно из главных достижений Deep Forest - награда Грэмми, полученная 28-го февраля 1996 года за диск Boheme. Это был лучший альбом в категории Всемирной Музыки. Deep Forest также получил награду World Music Award в 1996 году, как французская группа имевшая наибольший уровень продаж в 1995 году.

К моменту выхода второго альбома Санчес и Муке приобрели репутацию опытных и виртуозных мастеров ремикса и семплерной аранжировки, к их услугам прибегали певцы Юссу Н’Дур и Джон Андерсон (YES), а также группа Apollo 440. По просьбе режиссёра Кэтрин Бигелоу дуэт создал фонограмму к её фильму «Странные дни» (в частности композицию «Coral Lounge»; сотрудничество с Питером Гэбриэлом увенчалось совместным мини — альбомом «While The Earth Sleeps». Альбом 1997 года, построенный по большей части на карибской музыке, свидетельствовал о намерении музыкантов и впредь разрабатывать темы world music и эмбиента.

Дискография


• 1992 — Deep Forest
• 1994 — World Mix
• 1995 — Boheme
• 1997 — Comparsa
• 1999 — Made in Japan
• 2000 — Pacifique (Саундтрек к фильму Prince au Pacifique)
• 2002 — Music Detected
• 2003 — Essence of Deep Forest
• 2004 — Essence of the Forest
• 2004 — Kusa No Ran Саундтрек к одноимённому фильму)
• 2008 — Deep Brasil
• 2013 — Deep Africa
• 2013 — Deep India

KITARO

Настоящее имя Kitaro - Masanori Takahashi. Родился 4-го февраля 1953 года в Toyohashi (Япония), в обычной крестьянской семье.
Живя на ферме, в окружении природы среди свято почитающих традиции и национальную культуру людей, он избрал то, что подсказывало ему сердце, а может и сам дух Страны Восходящего Солнца. В то время в Японии царило повальное увлечение западной культурой. В школах и ВУЗах играли рок и блюз, и юный Масанори не был исключением: будучи школьником и затем студентом, он увлекся ритм-энд-блюзом. Его кумиром в то время был Otis Edding.
Kitaro самостоятельно научился играть на электрогитаре, и с друзьями организовал в школе группу "Albatross". В честь героя японского мультфильма, школьные друзья прозвали его "Kitaro". В начале 70-х, после окончания школы, Kitaro постепенно перешел на клавишные инструменты.
Не имея музыкального образования Kitaro, учился музыке у природы. Став лидером группы Far East Family Band, он в полной мере брал ответственность за друзей. Известен случай, когда перед концертом барабанщик получил травму и Kitaro, ученик обстоятельств, занял его место. Как у него получилось играть на новом для него инструменте остается загадкой. И разгадать ее способен лишь человек, самозабвенно любящий музыку и способный погружаться в нее как в океан.

В 1972 году, во время поездки в Германию, Kitaro познакомился с известным музыкантом Klaus Schulze, лидером группы Tangerine Dream. Он ввел его в мир синтезаторов. И это стало для Kitaro откровением, позволившим реализовать скрытые возможности на стыке музыки Востока и Запада, а также создавать новое на базе традиционного. Kitaro начал экспериментировать со звуками. "С помощью синтезатора я могу создать океан, зимний берег, летний пляж" - говорил он. Осенью 1975-го Schulze посетил группу в Токио и помог им в студийной работе.
В 1976 году Kitaro ушёл из "Far East Family Band" и начал сольную карьеру. Он посетил Лаос, Таиланд, Китай, Индию и некоторые другие азиатские страны и, наконец, вернулся в Японию, где открыл для себя новую музыку. "Мой собственный мир кончился. Я осознал, что не отличаюсь от нищего на улице Калькутты" - говорил он.
Распад группы не повлиял на всепоглощающую страсть Kitaro к музыке. Напротив, роль организатора в группе дала толчок к развитию новых талантов: он становится композитором. Он творит, по-прежнему не имея даже начального музыкального образования, и тем более, не зная правил построения музыкальных композиций.
Первый альбом Kitaro вышел в 1978 году. Он назывался "Ten Kai / Astral Voyage". По словам фанатов, является культовым. Здесь Kitaro впервые смешал американские, европейские и восточные музыкальные культуры, доказав, что Восток и Запад могут «звучать» вместе. В 1979 году Kitaro выпустил второй альбом - "From the Full Moon Story" ("История Полнолуния"). Первые два альбома стали культовыми среди фанатов еще только зарождающегося тогда движения New Age ("Новый век"). Сам Kitaro называет свою музыку духовной. "Чувство - самый важный элемент в моей музыке" - говорит он. Также в 1979 году вышел не менее легендарный альбом Oasis, уже довольно отличавшийся от первых двух и более уходящий своим стилем и звуком в космос, в последствии сама композиция Oasis многократно переделывалась и переиздавалась в новых версиях на последующих альбомах.

На фото первый альбом : Ten Kai \ Astral Trip

Следом после первых трех успешных релизов Китаро стал активно сотрудничать с японской телекомпанией NHK и писать уникальные саундтреки для их многосерийного документального фильма Шелковый Путь (Silk Road). Эта "живая", медитативная музыка, состоящая из простых и медленных мелодий, принесла ему наконец не только национальную но и международную известность. Kitaro сочинял ее, живя в маленькой деревне округа Nagano (центральная Япония), вдалеке от цивилизации и суеты, что и отразилось в музыке. Также в том же году вышел и оркестрово-симфонический ремейк на его композиции Silk Road Suite, который кстати еще и был переиздан в ремастерной версии в 1996 году.
На заре 80х годов количество релизов Китаро из года в год стремительно росло, альбомы выходили один за другим, фанатам казалось что музыка так и прет наружу из композитора, словно он весь переполнен ею внутри. Из альбомов первой половины 80-х однозначно стоит упомянуть и отметить уникальный в своем роде релиз саундтрека к аниме-мультфильму Queen Millennia, вышедший в 1982 году. Основая композиция альбома является потрясающим образчиком приземленного космического звука тех лет. Кроме всего прочего эта композиция также вышла в свет и в виде настоящей полноценной песни, которую исполнила Дара Седака. И сама композиция Китаро и песня Седаки являются шедевральными произведениями равных которым очень мало и по сей день.

На фото альбом : Queen Millennia

Несмотря на то, что Kitaro стал мировой знаменитостью, он остался скромным человеком: "Меня вдохновляет природа. Я только вестник" - говорит он, "одни мои мелодии это облака, другие - вода". Kitaro продолжает чтить японские традиции. В дань уважения к матери-природе, он участвует в специальных концертах - церемониях полнолуния. Эти концерты проводятся ежегодно начиная с 1983-го года в конце августа на горе Fuji. Церемония длится всю ночь с заката до самого рассвета около 11 часов. Все это время Kitaro, стоя на коленях, непрерывно играет на барабанах Taiko. Обычно он стирает руки до крови, но продолжает играть. Альбом "Gaia - Onbashira" 1998-го также дань матушке Земле.
В 1983 году Kitaro женился на Yuki Taoka. Отец Yuki был членом Японской мафии. Kitaro часто осуждали за это, на что он отвечал: "Ее отец член мафии, но не она. А я только музыкант". Однако вскоре в 1990 они развелись. В своем интервью он говорил: "Нет никаких особых причин нашего развода: просто я имею хорошую работу в Америке, а Yuki не хочет бросать работу в Японии. Мы остаемся друзьями до сих пор". У Китаро и Юки есть сын Ryunosuke, живет в Японии.


На фото альбом : Gaia – Onbashira

Kitaro - художник от природы: он не имеет никакого музыкального образования - он просто не знает нот. Он записывает музыку своим собственным способом. Помимо клавишных, Kitaro играет на многих инструментах, таких как гитара, флейта, барабаны Taiko и др. Kitaro является и композитором, и исполнителем, и режиссером. Иногда он сам занимается световым оформлением концертов и аранжировкой альбомов. Кроме того, Kitaro - фотограф. Он создал целую фирму в штате Колорадо. Например, обложка альбома "Gaia", это фотография вида из его дома. Кстати, гдето в 80-х годах Kitaro работал еще и профессиональным пиротехником.
Наконец в 1985 году Kitaro подписал контракт с Geffen Records и его альбомы стали распространяться на американском рынке. Первым альбомом изданным этой легендарной компанией стал Tenku 1986 года, и сразу же попал на американский и европейский рынки. Вот теперь Китаро без преувеличения стали слушать по всему земному шару. Сам альбом стал новой ступенью в эволюции звука композитора, начиналась новая эра звука и чувств, New Age постепенно стал менятся, как и музыка Китаро. Альбом Tenku по сей день ценится фанатами как один из самых лучших его релизов тех лет.
В 1987 году, совместно с Mickey Hart'ом, Kitaro выпустил альбом - "The Light Of The Spirit" ("Свет Духа"), из которого трек The Field наконец впервые номинировался на Grammy. Это была его первая мировая номинация, но в последствии он номинировался на эту награду еще множество раз после чего таки получил ее. Продажи его альбомов выросли до 10-ти миллионов экземпляров в год.
В 1990, Kitaro переехал в местечко Ward, недалеко от Boulder в штате Colorado, где организовал весьма серьезную и крупную студию "Mochi House".
Талант Kitaro и его музыка достойны восхищения. Чем больше Вы узнаете Kitaro, тем больше Вы его уважаете. Музыка Kitaro - это больше чем музыка - это философия жизни. Слушая его музыку, Вы понимаете, что бы жить в мире, нужно быть его частью; нужно заботиться об окружающих нас людях и дорожить всем, что Вы имеете. Kitaro говорит: "Я счастлив, что моя музыка вызывает у людей приятные чувства. Я знаю, что музыка может изменить человека, и это мое стремление".

На фото альбом : The Light Of The Spirit

1990 год ознаменовался релизом одного из самых потрясающих и не повторимых альбомов Китаро - Kojiki. Хотя начинка альбома по большому счету чисто японская и повествует альбом о японской легенде/мифе о создании мира и древних божествах, тем не менее альбом был также издан компанией Geffen и был распространен по всему миру. В последствии многие композиции из этого альбома были перезаписаны и переизданы в более поздних релизах. Композиции из Kojiki так же стали самой популярной в те годы программой для живых выступлений и концертов по миру.
Немного времени спустя Китаро был вовлечен в совершенно нового уровня проект. Хорошо известный в далеком прошлом член легендарной группы "Yes" Jon Andersen предложил Китаро поработать вместе, и композитор согласился. Их совместная работа породила в 1992 году на свет невероятной мощи и красоты альбом Dream. Сперва альбом был издан как Lady of Dreams, предварительная версия этого шедевра, весьма отличающаяся от всем хорошо известного финального издания Dream, в основном распространялась на востоке. Ну а следом в этом же году альбом был уже издан компанией Geffen и разошелся по миру еще успешнее чем Kojiki и Tenku. Релиз альбома Dream ознаменовал новый виток истории музыки New-Age и переход на соверешнно новый уровень творчества Китаро. Фанаты которые в течении долгих лет следили за релизами композитора были просто поражены. В этом альбоме однозначно одни из самых лучших оркестрово-симфонических работ Китаро, и к слову песни с вокалом Андерсена тоже держатся на высоте. Стоит отметить что прежде до этого релиза, и потом после, у композитора практически не было почти ни одного релиза с вокалом. Альбом Dream можно смело назвать одним из самых лучших альбомов Китаро за все времена.
В 1993 году, с участием Randy Miller'а, Kitaro написал музыку к кинофильму "Heaven And Earth" ("Небо и земля"). В целом сьемки этого третьего фильма Оливера Стоуна про войну во Вьетнаме заняли почти целых 4 года. В процессе сьемок Китаро лично ездил во Вьетнам вместе со сьемочной группой. Саундтрек к этому фильму является одной из самых лучших и красивых работ Китаро, а сам фильм Стоуна стал уникальным в своем роде шедевром, подобных которому небыло и нет по сей день. Китаро получил награду Golden Globe за самый оригинальный саундтрек к фильму.

На фото альбом : Kojiki

1994 год можно отметить как отправную точку нового времени в карьере Китаро, которое длится по сей день. В этот год он стал членом лейбла Domo Records и уже под этой маркой был выпущен его альбом Mandala, который одновременно был выпущен так же и под маркой лейбла Polydor с которым композитор сотрудничал ранее на протяжении многих лет.
Гдето в середине 90-х годов Китаро женился второй раз, вторую жену зовут Keiko Matsubara. Она еще до свадьбы не однократно принимала участие в его проектах. Сейчас у них двое детей.
В каждой композиции Китаро есть мотив, смысл, философия, которые передаются слушателю – путнику, искателю «энергии музыки» – без слов, через звучание разнообразных музыкальных инструментов. Kitaro рисует образы с естественностью, присущей природе. Каждый альбом уникален по интимности восприятия – только ты и музыка, открывающая путь в бесконечность. И поэтому говорить о ней можно бесконечно – опыт каждого слушателя всегда уникален, всегда – тайна, а попытка описать его – всего лишь желание легкими мазками (в духе Kitaro) нарисовать ощущение таланта композитора и выразить восхищение его творчеством.

На фото альбом : Mandala

В 1997 году, к кинофильму "The Soong Sisters" ("Сестры Сун") был создан шикарный саундтрек аналогичный тому что Китаро написал для Heaven & Earth. И за эту работу Китаро получил еще одну высокую награду - Golden Horse, в Тайване на Гонконговском международном кинофестивале, в номинации "за самую оригинальную музыку к кинофильму". Сходство этих двух саундтреков просто поражает, с одной стороны они воспринимаются как музыка чуть ли не из одного альбома или фильма, но при этом в каждом есть свои нюансы и совершенно нет ощущения повторяемости. Оба саундтрека невероятно красивы и могут считаться одними из лучших работ Китаро.
Истинное творчество неописуемо как Вселенная. Истинное творчество делает человека свободным и независимым. Kitaro говорит: «Я черпаю вдохновение из самых различных источников. В некотором роде я изолировал себя от современной массовой культуры – у меня нет ни телевизора, ни радио, я не читаю газет… Бывая в городе, я люблю пройтись по очень людной улице и понаблюдать за толпой, прислушаться к ней. Но через три-четыре дня я чувствую, что нужно уезжать оттуда в горы, на побережье, куда-нибудь. Там я впитываю в себя самые разные звуки – ветра, замерзающей воды… Иногда, если долго вслушиваться в бульканье падающих водяных капель, можно уловить совершенно особые, низкочастотные колебания»…
В течении многих лет начиная с 80х годов, Китаро множество раз номинировался на награды Grammy. И наконец получил ее в 2001 году за альбом "Thinking of you" выпущенный в 1999 году. Это окончательно доказывает реальное величие и размах композитора, невероятную силу его творчества, бесподобную высоту и глубину его музыки.

На фото альбом : Thinking of you

Летом в 2001 году, Китаро провел очень необычный концерт на протяжении трех вечеров в священном храме Yakushiji, что находится в древней японской столице Nara. Концерт был записан и позже в 2002 году был издан на CD как аудио-альбом и на DVD как видео-альбом. Так же в 2003 году был выпущен SACD этого альбома.
Начиная с 2003 года Китаро стал выпускать серию специфических альбомов Sacred Journey of Ku-Kai, которые были призваны нести мир и спокойствие людям, при помощи этих альбомов Китаро как бы выступал за "мир во всем мире" пытаясь настроить людей на правильный путь, в котором не будет войн и междуусобиц. Самый первый альбом серии был выпущен как отклик на трагедию в Нью-Йорке 11-го сентября 2001 года.
Kitaro много лет так и жил с Keiko около Boulder в штате Колорадо, где в своей студии "Mochi House" (способной разместить оркестр из 70-ти исполнителей) работал над новой музыкой. Кстати в 2006 году вышел совместный с Keiko альбом Spiritual Garden. Но в 2007 году они переехали в Sebastopol, маленький город в северной Калифорнии. Там Китаро открыл новую студию "Mochi House 2", а его старая студия в Ward была продана.
«Моя задача – передать энергию музыки из космоса через мое тело и донести ее до слушателя. Я пытаюсь установить связь со всеми слушателями: и молодыми, и старыми, но не со всеми это происходит сразу, и, конечно, я это чувствую. Иногда на концерте сидит три или четыре поколения людей, и со всеми бывает контакт. Это просто здорово», – говорит Kitaro.
В 2009 году был выпущен очень интересный альбом под названием Impressions of the West Lake, который по сути является саундтреком к некой уникальной театральной постановке что проходила в Китае. Музыка в альбоме очень хороша, некоторые элементы старые но есть и чтото новое. Очень красиво была исполнена певицей Jane Zhang одноименная песня вошедшая в альбом.

На фото альбом : Impressions of the West Lake

21-го века можно смело сказать что этот релиз главный хит композитора, после конечно же не менее успешного концертного релиза 2002-года Live in Yakushiji. До этого в 1997-ом году у Китаро был один подобный релиз являющийся как бы тоже саундтреком к театральной постановке что проходила на Бродвее (Нью-Йорк), назывался он Cirque Ingenieux.
Как и прежде, в 80-е и 90-е годы, в наши дни Китаро продолжает выполнять свою нелегкую но весьма необычную миссию по слиянию западного и восточного стилей музыки, и надо сказать что иногда у него это очень даже хорошо получается, особенно если вспомнить его лучшие работы которые можно смело называть мировыми шедеврами.
Китаро по сей день ездит по миру и дает свои концерты, разумеется параллельно планируя новые проекты. Постоянно сотрудничает с огромным количеством артистов, продюссеров и различных творческих людей. Его карьера уже насчитывает свыше 30-ти лет, и даст Бог - мы с Вами увидим еще не мало хороших релизов от него. Путь Китаро - это путь света, и несет он свет в себе, и делится им через свою музыку. И пусть так будет и дальше, ведь наш мир как никогда нуждается сейчас в этом...
Несомненно, Kitaro – уникальное явление в мировой музыкальной культуре. Маг музыки, проводник в бесконечность, сочинения которого написаны на нотном стане космоса. И он проявляет это в каждой своей композиции.
Kitaro – заклинатель музыки, звук концерта Вселенной.
И музыка его - свет. Так погрузитесь же в него...

Дискография KITARO :

Official Albums :

01 - 1978 - Ten Kai (Astral Voyage, Astral Trip)
02 - 1979 - Dai Chi (From the Full Moon Story)
03 - 1979 - Oasis
04 - 1980 - Silk Road I
05 - 1980 - Silk Road II
06 - 1980 - Silk Road Suite
07 - 1980 - In Person Digital
08 - 1981 - Tonko (Tunhuang, Silk Road III)
09 - 1981 - Ki
10 - 1981 - The World of Kitaro
11 - 1982 - Queen Millennia (Millennia)
12 - 1983 - Ten-Jiku (India, Silk Road IV)
13 - 1983 - Hi Un (Flying Cloud, Silver Cloud)
14 - 1984 - Live in Asia (Asia Tour Super Live, Asia)
15 - 1985 - Sei Ho (Towards the West)
16 - 1986 - Tenku
17 - 1987 - The Light of the Spirit
18 - 1988 - The Best of Ten Years
19 - 1990 - Kojiki
20 - 1991 - Live in America
21 - 1992 - Lady of Dreams
22 - 1992 - Dream
23 - 1993 - Heaven & Earth
24 - 1994 - Mandala
25 - 1994 - Live in Osaka (Tokusen II CD2)
26 - 1995 - An Enchanted Evening
27 - 1996 - Kitaro's World of Music featuring Yu-Xiao Guang
28 - 1996 - Peace On Earth
29 - 1997 - Cirque Ingenieux
30 - 1997 - The Soong Sisters
31 - 1998 - Gaia. Onbashira
32 - 1999 - Noah's Ark
33 - 1999 - Thinking of You
34 - 2000 - Ancient
35 - 2001 - An Ancient Journey*
36 - 2002 - Mizu ni Inori te (Pray For Water)
37 - 2002 - Daylight, Moonlight - Live in Yakushiji
38 - 2003 - Best of Silk Road
39 - 2003 - Sacred Journey of Ku-Kai Volume 1
40 - 2005 - Sacred Journey of Ku-Kai Volume 2
41 - 2006 - Spiritual Garden
42 - 2007 - Sacred Journey of Ku-Kai Volume 3
43 - 2009 - Impressions of the West Lake*
44 - 2010 - Sacred Journey of Ku-Kai Volume 4
45 - 2013 - Tamayura

2Aleksandr A.:

Китаро кажется мне несколько однообразным, вы не согласитесь?

Соглашусь , но поделать с собой ничего не могу : нравится .

Новая подпольная музыка new age зарождается в Северной Калифорнии.

Billboard 22 January 1983

New Age добрался до Британии.

Billboard 25 January 1986

Самый первый список new age от Billboard (29 October 1988).

Страница из специальной секции про фирму "Мелодия".

Billboard 20 January 1990.

Cash Box 28 January 1984

Rolling Stone 18 December 1986

Да, а с Китаро был шанс закорешиться. Всё пьянка проклятая.

Самый любимый, пожалуй. Альбом 1987 года, перепечатанный у нас на "Антропе" в начале 90-х. До сих пор этот винил храню, хотя слушаю в цифре...

.

Cash Box 28 November 1987

Список альбомов new age впервые появился в еженедельнике Cash Box 22 февраля 1992.

Down Beat September 1985